Blockbuster Entertainment

Gesehenes - Januar '12

2012-01-31T19:34:00.003+01:00

"Lost" [Season 6 / USA '10] - 6,5/10; gesamt: 8/10

"Im Angesicht des Verbrechens" [D '10 / Dominik Graf] - 5/10

"Six Feet Under" [Season 1 / USA '01] - 8/10

"Star Wars: Episode I - Die dunkle Bedrohung" [USA '99 / George Lucas] - 6/10

"Star Wars: Episode II - Angriff der Klonkrieger" [USA '02 / George Lucas] - 7/10

"Star Wars: Episode III - Die Rache der Sith" [USA '05 / George Lucas] - 7/10

"Star Wars: Episode IV - Eine neue Hoffnung" [USA '77 / George Lucas] - 7/10

"Star Wars: Ep. V - Das Imperium schlägt zurück" [USA '80 / Irvin Kershner] - 6/10

"Star Wars: Ep. VI - Die Rückkehr der Jedi-Ritter" [USA '83 / Richard Marquand] - 9/10

"Die Maske des Zorro" [D, USA '98 / Martin Campbell] - 6,5/10

"Die Legende des Zorro" [USA '05 / Martin Campbell] - 3/10

"Die Reise zum Mittelpunkt der Erde" [USA, IS '08 / Eric Brevig] - 3,5/10

"Ein einsamer Ort" [USA '50 / Nicholas Ray] - 4/10

"Die Firma" [USA '93 / Sydney Pollack] - 6/10

"Lucky # Slevin" [USA '06 / Paul McGuigan] - 0/10

"James Bond 007 - Man lebt nur zweimal" [GB '67 / Lewis Gilbert] - 6/10

"The Others" [S, F, I, USA '01 / Alejandro Amenábar] - 3/10

"Vier Brüder" [USA '05 / John Singleton] - 6/10

"Mad City" [USA '97 / Constantin Costa-Gavras] - 6/10

"Rächer der Unterwelt" [USA '46 / Robert Siodmak] - 5/10

"The Tree of Life" [USA '11 / Terrence Malick] - 5,5/10

"Conan" [USA '11 / Marcus Nispel] - 4/10

"Mad City" [USA 1997]

2012-01-31T17:42:00.003+01:00

Eine leicht schnippisch-gehässige Mediensatire mit spannungsarmer Thriller-Tendenz über den inszenierten Affenzirkus Fernsehen, der keine Wahrheiten informativ aufbereitet, sondern von gespreizten Märchenerzählern so lange zurecht erzählt wird, bis die Quote eingefahren ist, der Sender seine hauseigene Meinung unters Volk verteilt und die Zuschauergeschworenen entweder für oder gegen den von der Kamera ins Auge gestochenen Angeklagten sprechen. Das Fernsehen ist der Rummelplatz willkürlicher Verleumdungen, abgerissener Bürgerrechte und gekünstelter Realitäten, dort werden wir nie die Wahrheit hören, wir sollten die Apparate abschalten, wenn wir denn könnten. Diesmal mutiert Max Brackett (John Travolta) zum begehrenswerten Objekt der voyeuristischen Begierde, zum Mittelpunkt öffentlicher Meinung, jener stinknormale Max Brackett aus der stinkdurchschnittlichen Arbeiterklasse, der ja eigentlich nur mit 'ner Knarre als harmlosem Druckmittel seinen ehemaligen Arbeitgeber (Blythe Danner) dazu bewegen wollte, das Kündigungsschreiben rückgängig zu machen, um Frau und Kind weiterhin ernähren zu können. Er arbeitete als Wärter in einem Museum und appelliert an die guten Seiten im Menschen, der Solidarität, der Menschlichkeit, dem Verständnis gegenüber einem vom Volk. Weit gefehlt. Klappt nämlich nicht, also schaltet Brackett auf stur und verriegelt sämtliche Ein- und Ausgänge, kidnappt unfreiwillig 'ne Horde Halbwüchsiger, Dynamit in der Tasche und gibt dem sich auf der Toilette zufällig versteckenden Live-Reporter Sam Bailey (elegant-nüchtern: Dustin Hoffman) schließlich ein Exklusivinterview, Imageaufpolierung eben. Man sollte wenigstens positiv über ihn reden, wenn man ihn schon nicht so genau versteht, das Wichtigste. Aus diesem durchaus streitsüchtigen Stoff verwebt Constantin Costa-Gavras eine ungewöhnliche, aber auch eine köstlich ironische Konfliktbeziehung zwischen Journalist (Täter?) und Täter (Opfer?), deren grundlegende Medienschelte als Folie dient, auf der sich Brackett diffusen gesellschaftlichen Auffassungen ausgesetzt sieht, die unaufhaltsam und überdies grotesk wahllos ins Gegenteil schwanken, je nachdem, welches Wort er spricht und welche Sätze er wie authentisch aus welcher moralischen Position heraus der zusammengekauerten Meute jedweder Couleur unterjubelt (um einen Rassisismusvorwurf zu entkräften, lässt er ein farbiges Kind frei).

Costa-Gavras schockt nicht wie Sidney Lumet in dessen meisterhaft geschriebenem "Network" insofern, als dass "Mad City" neben dem etwas flacheren Zeigefingerkommentar spärlich Differenzierung zulässt und böse Berichterstatter eben nur als böse Berichterstatter deklariert. Ob obendrein ein geltungsbedürftiger Typ, der den kompletten Schlamassel erst angerichtet hat, ohne Umschweife zum ebenso idealistischen Heilsbringer wie tüchtigen Gegner seiner Hand, die ihn stets gefüttert hat, prompt die Seiten wechselt, sei ebenfalls anzuzweifeln. Und dennoch es ist vor allem der Souveränität der beiden Hauptdarsteller zu verdanken, die kurzweilig unterhalten und genau das ein Stück weit aufwiegeln, was narrativ nicht immer einwandfrei ins Nachvollziehbare trifft. Obwohl – natürlich – John Travolta John Travolta spielt, den man sich auch im wirklichen Leben als Max Brackett vorstellen kann, vermag Travolta seiner Figur eine gefährliche Ambivalenz aus karikiertem Taschengangster, stotterndem Großkind und nervenschwachem Familienmensch einzuspeisen, die in ihrer zum Schreien komischen Interaktion (Forderungen!) mit dem Hoffman-Charakter auch Tiefe hervorbringt. Es kommt heraus, dass Brackett nach der medialen Ausschlachtung (er ist fortan ein "Star") im Grunde eine eigene Angelshow hätte, so als ob Fernsehen Zerstörung und Glück zugleich bedeute. Eine Handvoll vollauf pointierte Drehbuchideen nutzt der Film für sich selbst, wenn sich heimlich ein Kamerateam zum Krankenhausfenster des angeschossenen schwarzen Arbeitskollegen seilt und er sich voller Bestürzung im TV spiegelt. Zu bedenken geben hingegen die Funktionsmechanismen dubios-sinnentstellter Zusammenschnitte von Reaktionen der näheren Brackett-Angehörigen für eine Reportage. Bailey bester Freund wird später in genau dieser Weise zusammenhanglos recycelt, damit sich die Brackett-Sympathie wieder wenden soll ("Den kenn' ich überhaupt nicht."). Merke: Nur diejenigen Wörter werden verwendet, die einem speziellen Kontext verwertbar scheinen. Zum Schluss beschwört das Drehbuch das Unvermeidliche herauf. Es musste kommen. Der Sprengstoff musste noch irgendwie zur Aktion berufen werden. Danach das übliche Chaos. Interviewer und Interviewte, Geier, Aasfresser, hungrig, bereit zum Raubzug. Und bitte kein Blut wegwischen, wir sind im Fernsehen, Kamera… ab!

6/10

"Die Firma" / "The Firm" [USA 1993]

2012-01-27T19:41:00.004+01:00

Herr Anwalt im halbseidenen Gewerbe, das sich außen seriös, innen nebulös gibt, und alsbald Opfer des Verfalls moralischer Sitten – und im widersprüchlichen Kreuzfeuer von Ideal, kriminelle Machenschaften trotz Eid aufzudecken, und Ethos, das Gesetz für die zwielichtige "Firma" so zu biegen, dass es nicht bricht. Was tun, was nicht? Anwälte gegen ihren Arbeitgeber. Gutgläubigkeit gegen Abgeklärtheit. David gegen Goliath. Es ist das Grisham-Sujet. Literarisch bekannt, mehrfach filmisch verarbeitet. Und zu oft zu trocken gebraten, ohne einen Gedanken daran zu verschwenden, Sauce darüber zu gießen. "Die Firma" zählt allerdings insofern zu den besseren Grisham-Empfehlungen, als dass sie in ihrer präzis-unaufgeregten (obwohl kein Grisham-Plädoyer oder eine einzige Szene im Gerichtssaal stattfindet), hauptsächlich aber auch windungsreich-dichten Konstruktion beileibe nicht durchgängig fesselt, jedoch – am wichtigsten – zunächst fesselt, was den staubigen Tenor besagter Trockenerzeugnisse widerlegt, der bisweilen zu ersticken droht. Sidney Pollack adaptiert den verschachtelten Verschwörungsstoff vor gemütlich-heimeligen Innenaufnahmen rundheraus ebenso souverän wie besonnen im Dienste des Machbaren des Drehbuchs und Umänderns der Vorlage, Subtilität heißt das dann wohl, kein überflüssiger Haken, der da hineingehört. Mitunter in Überlänge (Cayman Island), Konvention (die Fußverfolgungen, das Ende gerät im Vergleich zum politisch unkorrekten Romanhöhepunkt außerdem 'ne Prise zu konstruiertem wohlfühl-Eierkuchen) und zähen Liebesquatsch verklausuliert, statt der Hierarchie des Anrüchigen Tribut zu zollen (die als Handlungsmotor dienenden Todesfälle werden zügig eingetauscht), ist "Die Firma" ein Stück unterhaltsame Spannungsdramaturgie mit prachtvollem Liebesklavierthema (Dave Grusin, Lyle Lovett). Wenn Pollock nicht gerade parallel schneidet, klebt er – und das ist völlig verständlich – an seinen Schauspielern, die zwei Händevoll flapsigen Sarkasmus schenken: Mitchs (Tom Cruise) geflüstertes, für den Zuschauer ungehörtes, Geständnis ins Ohr Abbys (knuddelig: Jeanne Tripplehorn), wenn diese im Anschluss daran ins Gebüsch davonrennt, um den unwissentlich installierten Abhörmechanismen zu entkommen und sich in vertrauter Atmosphäre endlich ungestört auszusprechen. Cruise (<3), Hackman (latent melancholisch und doch Idealist!), Harris ("Kacke!"), Busey (unorthodox), Hunter (noch unorthodoxer), Bell (Jigsaw), Sorvino und Viterelli (das Klischee-Mafiapaar) sind die Stars, denen man dabei zuschaut, wie sie sich gegenseitig belauern und herauszureden versuchen. Bloß keine Kopie vergessen!

6/10

"Mission: Impossible" [USA, D, CH 1996|2000|2006

2012-01-23T18:16:00.008+01:00

"Mission: Impossible"

Nett gemeinter Agentenflick, angestaubt mit Röhrenmonitoren und Disketten, "fun" & "pleasure" also, der "Kobra, übernehmen Sie" zum Hollywood-Popcorn-Mythos verarbeitet, aber Gefahr läuft, wie übrigens die anderen Teile auch, seine Schlüsselszenen konzentrierter zu studieren, als deren Füllmaterial als Verbindung dazwischen. Die stufenweise Liquidierung des IMF-Teams zu Beginn, der legendäre Langley-Einbruch ins CIA-Hauptquartier und die Hochgeschwindigkeits-Zug-Verfolgung am Ende repräsentieren so knallig wie dicht Brian De Palmas überstilisierte (Kamera-)Jagd nach den wahren Bildern inmitten von falschen Lügen, schräg gefilmten Gesichtern und geliehenen Identitäten, die nicht mehr auseinanderhaltbar scheinen, de facto das Entrümpeln des Seins im Schein. De Palma weiß offensichtlich erfahrungsgemäß ganz genau, wie man Einbruchssequenzen größtmöglich erfinderisch ineinander klappt, und davon saugt der Film offenkundig seinen Reiz der Unterhaltung willen. Wenn er jene Liquidierung, durch die Ethan Hunt (Tom Cruise) schlussendlich unfreiwillig flüchten muss, als Choreografie dirigiert, die zwischen den einzelnen Arbeitsschritten der jeweiligen Personen schneidet, wenn er beim CIA-Raub in einer spinnennetzförmigen Innenarchitektur (Hunt ist im Prinzip das Insekt darin) Spannung aus Schweißtropfen suggeriert und die daraus resultierende Anspannung, omnipräsent unter einer festgelegten Lautstärke hantieren zu müssen, direkt aufs Publikum überträgt, das so still wie möglich zu sein hat. Diese Sequenz verkörpert fraglos das Highlight, De Palma verschließt sie mit einer amüsanten Pointe. Wohingegen der Showdown das auskitzelt, was später in Substanzlosigkeit mündet: der Transformation Hunts zur Rambo-Karikatur und dem Selbstproduzieren des Egos, weil er dachte, es sei eine Selbstverständlichkeit, er habe den Film auch produziert. Daneben gibt's 'nen Zoom von der Totale des Zuges zur Nahaufnahme des Zugfensters, Elfman-Noten und allerlei technischen Krimskrams, auf dem man bloß nicht herumkauen sollte. Den Einzelszenen mit Schmackes hat De Palma fortwährend allerdings nichts Festes, das heißt: einen übergeordneten Spannungsbogen nebst einer mannigfaltigen Konfliktdynamik innerhalb der Gruppe, entgegenzusetzen, außer oberflächlichen Alibi-Stoff gewitzt aufgelegter, aber strikt fad entwickelter Stars rein zu quetschen, der so doof wie plemplem die langbärtigsten Handlungswendungen bei allem scheinbaren Intellekt aus dem Apple Powerbook schüttelt – dem Chef des Teams (straight: Jon Voight) kommt die Rolle des fiesen Obermackers gelegen, jedwedes Detail akribisch zu planen, um eine fette Stange Geld einzusacken. Natürlich! Und an eine Sicherung in den Lüftungsschächten des scheinbar sichersten Gebäudes der USA wurde erst recht nicht gedacht. Das prominente Autoren-Trio (Koepp, Towne, Zaillian) scheint in "Mission: Impossible" zuweilen seltsamerweise der Kreativität überdrüssig – und allmählich der Konfusion unterstellt.

"Mission: Impossible II"

Obwohl das Spektakel augenscheinlich von Anfang an auschoreographiert war, existierte Gerüchten zufolge kein Drehbuch, erst unmittelbar während der Dreharbeiten wurde die Geschichte häppchenweise (vielleicht auch notdürftig?) zusammengeflickt, unabhängig davon, dass John Woo vom Studio aus seinen anfänglichen Dreistundenfilm zusätzlich auf zwei runter kürzen musste. Das ist kein Problem, solange man es nicht spürt. Woos Problem liegt aber nun einmal gerade darin, dass man sie tatsächlich fühlt, diese unterschwellige Empfindung der Unvollständigkeit der Idee, die zur Ideenlosigkeit verkommt, dieser Riecher von Unzufriedenheit, der durch die Handlung flattert. "Mission: Impossible 2" wirkt mehr noch als sein Vorgänger um seinen Kern herum konzipiert – dem Kern der Action, dem geräucherten Fisch im Sushi, dessen Ummantelung aus erkaltetem Reis, also einer mehr oder minder ungenießbaren Rahmennarrative, besteht. Woo vermengt asiatischen Heroic-Bloodshed-Zeitlupenästhetizismus mit erschlagender Distinguiertheit zum formschönem Poem schwerelos tanzender Körper im Raum, mal definiert als Todesbedrohung, dann wieder als Todestransportmittel, das in letzter Konsequenz gar nicht mehr Agentenfilm sein kann, wo das Miteinander und das Gegeneinander zählt, sondern vielmehr ein reines melodramatisches Actiondrama über die Liebe und einen Typen, also auch wieder so etwas wie ein egokitzelndes Werbegeschenk für Tom Cruise, ohne dass er dafür einem Geheimnis auf die Schliche kommen muss. Er muss zerstören, bloß zerstören, nämlich eine Bio-Waffe, er muss reagieren, nicht viel agieren, mitmachen, nicht vormachen, mit wehenden, mit fettigen Haaren – und dabei möglichst gut aussehen. Es sei dahingestellt, inwieweit das manische Recherchieren nach den pathosbesoffensten Panoramen (Sonnenuntergänge und Kletterpartien umschließen einen kleinen Teil derer, die von dem Ästhetikdrang seines Machers regelrecht betäubt scheinen) der Geschichte zuspielt und nicht eher dem Manierismus anheimfällt, da jede Geste möglichst übergroß.

Gewiss weiß die bedingt wendungsreich aufgezogene Geschichte allenfalls rudimentär mitzureißen, speziell das kitschige Gebalze aus Erotik und Leidenschaft (kontrastiert von Feuer) ermüdet, speziell verreißt Woo die Figuren und deren Tragik (ein Mindestmaß Amüsement für den stets putzigen Ving Rhames nebst zerschossener Designerkleidung). Alles eben kaum tiefschürfend, alles zu schnell, alles, ja unvollständig, weil alles der Action zuarbeitet, sie begründet. Maximal die aus dem ersten Teil adaptierte Maskengeschichte, die im zweiten Teil vermehrt Anwendung findet und mit fast redundanten Konturen gezeichnet ist, erweist sich als geeignetes Instrument, der Geschichte Doppelbödigkeit und zugleich dem Woo-Motiv der Doppelidentitäten Ausdruck zu verleihen, wenn es im brachialen Showdown den falschen mit mehreren Kugeln erwischt, eine Szene, die zeigt, wohin die Figurenkonstellation des "Chinatown"-Autors Robert Towne hinführen könnte. "Mission: Impossible II" stimuliert emotional dennoch insofern, als dass Woos Handwerk trotz eines bleiernen Musikthemas Hans Zimmers über das halbgare Drehbuch und die harmlosen Schurken hinwegzutäuschen versteht – siehe Brian De Palma. Woo ist Profi wie Perfektionist, die Actionsequenzen sind entsprechend unglaubliche Ornamente (Funken schlagen für gewöhnlich, Fahrzeuge zerscheppern durch einen anfahrenden Zug oder werden auf einer Brücke weggesprengt), die Kamera wechselt beständig ihre Perspektiven, der Ton greift sich die Emotionen der Protagonisten und der Szenenaufbau aus fragmentarischen Bewegungen gleicht einstudierten Balletttänzen – so als sich Nyah (Thandie Newton) und Ethan (Cruise) in Sevilla erstmals begegnen und die Sequenz symbolträchtig mit einem spanischen Stepptanz codiert wird. Auch als die obligatorischen Tauben fliegen und Ethan Hunt elegant seinen Widersachern entkommt und Zimmer zwischenzeitlich Ethno einspielt: Das ist Ästhetik, die ergreift, und die aus "Mission: Impossible II" noch lange keinen richtig schlechten Film macht.

"Mission: Impossible III"

Philip Seymour Hoffman, bitte für das nächste Mal längere Auftritte in einem Agentenfilm einplanen oder gleich direkt die Hauptrolle des Geheimagenten spielen. Beleg: "Mission: Impossible" hat endlich einen irrsinnig-fülligen, zwischen Auric Goldfinger und Blofeld changierenden, Geistesgestörten gefunden, der selbst davor nicht zurücksteckt, Unschuldige für einen MacGuffin zu töten, den niemand zu erklären bekommt. Und der Ethan Hunt (Tom Cruise) hinsichtlich dessen Paroli zu bieten vermag, als dass er ihn durch seine egozentrische Boshaftigkeit gar überflügelt, weil Owen Davian (so der Rollenname Hoffmans) die reichlich interessantere Figur von allen uninteressanten Nebenfiguren ist, die diesen dritten Teil bevölkern (Ausnahme Laurence Fishburne, ebenfalls füllig, sowie Simon Pegg, ebenfalls irrsinnig, irrsinnig quasselig). Und weil Hoffman schlicht der wuchtigere Schauspieler ist. "Mission: Impossible III" startet ungewohnt dramatisch. Der Anfang des Beinah-Endes des Beinah-Todes – effektiv. Das musikalische Titelthema hingegen – leider ähnlich kraftlos wie im Vorgänger, der Actiongranate John Woos, die hier, wenn auch nicht unbedingt in ausladender Choreographie, ohnehin im Bereich Adrenalinausschüttung, Schweißhaushalt und Herzklopfgeschwindigkeit ausgebremst wird. Es passiert fortlaufend viel in J. J. Abrams' Version der Filmreihe, wahrscheinlich viel mehr, als in den beiden vorherigen Teilen zusammengenommen, viele Bewegungen, oft verknüpft mit den unbewussten Reflexbewegungen und physischen Schutzmechanismen im Todeskampf, klettern, rasen, rennen, vor allem die Bewegung der Bewegung der Filmreihe, wenn sich Hunt mit Drahtseilen von einem Ort zum anderen schwingt. Es sei angemerkt, dass er sich diesmal in Shanghai von einem Wolkenkratzer zum nächsten austobt.

Zudem rückt Abrams den einige Jahre vorher sträflich vernachlässigten Einheitsgedanken des Teams näher an die menschlicheren Figuren, deren Fehleinschätzungen das Verzweifeln über einen gestorbenen Agenten aufs Nachhaltigste forcieren. Allgemein ist das sowieso ziemlich nervenaufreibend-anregendes Mainstream-Genrekino, es kommt zumindest dem näher, was von einer Reihe namens "Mission: Impossible" zu erwarten wäre. Indem das Drehbuch nahezu pausenlos retardierende Hochspannungsszenen ("Ich zähle bis 10…"), apokalyptische Actionpassagen (Brücke) und gründlich getaktete Heist-Spielereien installiert (Vatikan, wo endlich das Gimmick der Latexmasken nachvollziehbar zu werden scheint), bleibt ein Gähnen bewusst unterdrückt, da es nämlich keine Chance dazu bekommt, da es aber auch keinen wirklichen Grund dafür gibt, sich der Unterhaltung zu entledigen. Einzig die zugleich mit mehr geforderter Menschlichkeit einhergehende Metaebene, welche zuvorderst die Frage aufwirft, ob ein Leben als Agent mit einem Familienleben vereinbar sein könnte, bleibt mau in ihrer psychologischen Ausformulierung, da doch stets im Rahmen der Drehbuchmöglichkeiten. Auch das Finale ist samt abgenagter Maulwurf-Wendung wenig spektakulär, sondern geradezu idiotisch (Reanimierung), die Schlussszene dick aufgetragen und immer, wenn Abrams meint, während der Hatz für eine Weile inne zu halten und den Zwischentönen zu lauschen (zum Beispiel als die Aktion der Hasenpfote nicht gezeigt wird, beste Idee), gelingt es dem Film nie, seine Protagonisten emotional zu grundieren. Zum Schluss: Wie sähen die Actionsequenzen aus, wenn sie nicht verwackelt wären? John Woo? James Cameron? John McTiernan? Peter Hyams? Nicht auszudenken.

5/10 | 5/10 | 6/10

"Halloween H20" / "Halloween H20: Twenty Years Later" [USA 1998]

2012-01-11T18:55:00.003+01:00

Der Ansatz war sicherlich das richtige Manöver, der bislang inkohärentesten Genrereihe neues, unverbrauchtes Leben nach fünf mehr oder weniger unbeholfenen Fortsetzungen einzuhauchen, wodurch sich Slasher-Spezialist Steve Miner dazu entschied, sich im wahrsten Sinne des Wortes auf dem Boden bequem zu machen, ergo: Bodenständigkeit gegen Grusel-Karikatur einzutauschen. Er opferte zwar Dr. Sam Loomis, Michaels Kinderpsychater (Donald Pleasence), konnte allerdings mit Jamie Lee Curtis, der tapferen Scream Queen, die in ihrer ersten Szene in "Halloween H20" ihrem Beinamen alle Ehre macht, jenes Aushängeschild gewinnen, das durch John Carpenters Suspense-Subjektivismus schlagartig berühmt (und berüchtigt) wurde. Nach 20 Jahren Trauma ist das Trauma für sie immer noch nicht verarbeitet, Miner lenkt den Film in genau diese zwischenmenschliche Gasse, um sie als Projektionsfläche dessen begreifbar zu artikulieren, alle vermeintlichen Vorahnungen und paranoiden Ängste der Laurie Strode (Curtis) jäh unterstreichen zu müssen, sobald der erneute Überlebenskampf gegen ihren Bruder mit der Maske und dem Messer beginnt. Miner adaptiert bestürzenderweise alles, was an den Klassiker von 1978 erinnern könnte, und das ist sein grundlegendes Problem. Obgleich sich der Regisseur vermutlich das Ziel gesetzt hat, keinen Aufguss, sondern ein ernstzunehmendes Sequel in die Wege zu leiten, wirkt "Halloween H20" nichtsdestotrotz wie ein Aufguss, ein undichter Miner-Aufguss des dichten Carpenter-Originals. Nicht nur, dass Miner den gleichen voyeuristischen Scheineinlagen infolge gleich gebliebener Szenarien folgt (Schule – Myers wird durchs Fenster erblickt), oder dass er dem Final Girl (also Laurie), wie bei Carpenter, das letzte Aufbäumen gegen einen grobschlächtigen Wahnsinnigen zugesteht, nachdem sie unschuldige Kinder, ihre Freunde in gewisser Hinsicht, der Sicherheit wegen wegschickt. Er kopiert obendrein den verstörenden Filmanfang im Myers-Haus, wenn auch anderweitig im Tenor, so doch frappierend passgenau (nebenbei beginnt die Kamera verdächtig einzuschwenken, als ob sie blitzartig mit der Plansequenz aus dem ersten Teil loslegen würde), und zeigt unter anderem fallendes Herbstlaub (dito), bevor dann irgendwann Myers gegen diejenigen schlitzen darf, die sich von der Zivilisation abgeschottet zu haben scheinen (touché). Hommage hin oder her, das pingelige Nachstellen konterkariert in erster Linie frische Ideen des breitgefächerten Variationsspielraums eines Killers und seiner zu ermordenden Schwester sowie einen Kübel unvorhergesehene Bedrohlichkeit eklatant. Miner ist sich zudem offenkundig nicht bewusst, dass seine plattesten Erschreckmomente – Laurie sieht in bekannten Personen stets Myers in Halluzinationen –, nett umschrieben, Buh-Momente aus dem Discounter sind. Erst in der gefühlsmäßigen Schlussszene wird sich Miners der schicksalsschweren Spannweite einer solchen Konstellation wenige Frames bewusst, davor verschwendet das Drehbuch unnötige Zeit damit, sich selbstreflexiv-hipp der 90er anzuschmiegen, um auf der Straße des Williamson-Teenie-Slashers mitzufahren. Belege? In einer Szene wird "Scream 2" geschaut, in einer anderen wird das "Psycho"-Auto gezündet, allein, einen Mehrwert verbucht es nicht, ganz im Gegenteil: das "Meta" hinter der "Ebene" verschwindet so schnell, wie es hervor krauchen will, es bleibt ein Gimmick des Gimmicks willen. Ausschließlich LL Cool J als angehender Schmuddelautor und der Ottman-Score streuen ein Quäntchen Ironie in dieses ohnehin ironiefreie Treiben aus wichtigtuerischem Metaverschnitt und ödem Plagiat. Buh? Buh!

3,5/10

"Die Reise zum Mittelpunkt der Erde" / "Journey to the Center of the Earth" [USA, IS 2008]"

2012-01-02T18:07:00.003+01:00

Seichter Unterhaltungstrash für die Kleinen (also für mich) plus sofabequemer Kuschelattitüde, der seine in illuminierten Farbvermischungen veredelte 3D-Technologie vorn anführt, um weiter hinten irgendwie 'ne Story gezwungenermaßen mitzuschleifen, um das halt reinwaschen zu können, was da so angestrengt augenreizend leuchtet. Da ist es auch nicht sonderlich verwunderlich, dass zur Effektverstärkung extra viele Sachen direkt in die Kamera fliegen (sogar T-Rex-Rotze). Aus Trash-Aspekten heraus ein nach Jules Verne grobschlächtig gestrickter Leinwandtransformationsversuch, der fleischfressende Pflanzen, hungrige Piranhas und tosende Wasserfälle künstlich wiederauferstehen lässt. Sieht dämlich aus, aber mit dem Film kann man selbst als Erwachsener schadenfreudigen Spaß haben, weil der Spaß aus dem genährt wird, womit Eric Brevig garantiert nicht gerechnet hat: Immer, wenn "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde" lustig sein will, ist sie unlustig (Piranha-Baseball), aber immer wenn sie ernst sein will, ist sie wiederum lustig (dor Sohn is' weg). Bis auf kleinere Ausnahmen, versteht sich ("Er hatte Recht… Er hatte Recht. Er hatte Recht!"). Und mit Physik sollte man nicht ernsthaft versuchen zu argumentieren, wenn schon die unnatürlich kurze Reise zum Mittelpunkt der Erde tausende Kilometer im freien Fall anscheinend nicht körperanstrengend genug ist, sobald es noch soweit reicht, eine gepflegte (Schrei-)Unterhaltung zu führen. Oder dass der T-Rex wissenschaftlichen Erkenntnissen zufolge schneller sei, aber man doch stets gemütlich vor ihm herrennen darf. Brendan Fraser gibt den weinerlichen Mumien-, äh Weltenjäger, das Drehbuch ist jedoch zu schlecht, um ihn in Szene zu setzen. Das Trio vervollständigt sich mit einer Nervensäge und Pappnase (Josh Hutcherson), und der gewohnt hübschen Blondine, dem Love Interest (Anita Briem), der Liebe für den ersten Blick, während es Gefahr auf Gefahr regnet, aber nie gefährlich dramatisiert wird. Alles andere wie gehabt (nach Abenteuerfeeling riecht's bestenfalls gegen Ende im Rahmen der Magnetsteine und dem Geysir), es sei denn, der Film gebärdet sich bei Eintritt vollkommener Planlosigkeit – und das geschieht überraschungslos häufig – lieber als der zweite Tempel des Todes (Mienenschacht ohne Fußnote) und als eine Art Rohschnitt-Artwork-Konzept James Camerons "Avatar".

3,5/10

Gesehenes - Dezember '11

2012-01-01T23:58:00.003+01:00

"Lost" [Season 3 / USA '06/'07] - 8,5/10

"Lost" [Season 4 / USA '08] - 6,5/10

"Lost" [Season 5 / USA '09] - 7/10

"Sympathy for Mr. Vengeance" [ROK '02 / Park Chan-wook] - 4,5/10

"Oldboy" [ROK '03 / Park Chan-wook] - 4/10

"Lady Vengeance" [ROK '05 / Park Chan-wook] - 5/10

"Mission: Impossible" [USA '96 / Brian De Palma] - 5/10

"Mission: Impossible II" [USA '00 / John Woo] - 5/10

"Mission: Impossible III" [USA, D, CH '06 / J. J. Abrams] - 6/10

"Die Insel" [USA '05 / Michael Bay] - 6/10

"High Fidelity" [USA, GB '00 / Stephen Frears] - 4/10

"Monster's Ball" [USA '01 / Marc Forster] - 5/10

"Kurzer Prozess - Righteous Kill" [USA '08 / John Avnet] - 1,5/10

"Sudden Death" [USA '95 / Peter Hyams] - 6/10

"Thor" [USA '11 / Kenneth Branagh] - 4/10

"Final Destination 5" [USA '11 / Steven Quale] - 5,5/10

"State of Play - Stand der Dinge" [USA '09 / Kevin Macdonald] - 4/10

"Mulholland Drive - Straße der Finsternis" [USA, F '01 / David Lynch] - 7/10

"Halloween H20" [USA '98 / Steve Miner] - 3,5/10

"Sudden Death" [USA 1995]

2011-12-28T23:51:00.003+01:00

"Sudden Death" unterstreicht sein selbstbewusstes DVD-Cover dreifach fett: Action, Speed, Overdrive. Klein gedruckt: Raserei und Herzstillstand. Aber das nur als Witz. Und "Sudden Death" bestätigt: Peter Hyams ist ein versierter Handwerker, der mit bis in die Zehenspitzen bewaffneter Kinetik unwahrscheinlich körperbetonte, aber im Gegensatz zu heute nie zu aufdringliche Parkinson-Bilder aufeinander schichtet, wo Action Leidenschaft, Räumlichkeit Dynamik und Spannung Quintessenz bedeutete. Ein Rausch von früher, so in etwa, als würden Donnerschläge im Zickzack-Karussell rotieren und zerschmettern, wahrlich – Action-Kino durch und durch. Strukturell weitgehend den "Stirb Langsam"-Treppen schweißgebadet hinaufsteigend, weil "Stirb Langsam" ja eh so ein cooler Film ist, sind die Parallelen beider nicht nur erzählerisch nahezu deckungsgleich. Ein lädierter Familienvater gegen zwei Hände Terroristenscheiße in einem abgeriegelten Gebäude bombenbedrohter Atmosphäre, das von ebenso verzweifelten Geiseln wie polizeilichen Grünschnäbeln dilettantisch zusammengehalten wird. "Stirb Langsam" durchleuchtete zusätzlich psychologisch einen verletzlichen, barfüßigen, ätzend lakonischen Durchschnittstypen, was insgeheim zum Kultstatus beitrug, während "Sudden Death" die Psychologie des Angstszenarios indes in vollem Bewusstsein durchbricht, um sich reiner Genre-Aktion eines unverwundbaren Einzelsuperhelden zuzuwenden, mittels allerlei Küchen- und Hauswerkzeugen feindliche Gegner augenblicklich zu zermalmen. Wuchtig und nicht zu kurz.

Raffiniert wird's, wenn Hyams (auch für die großartige Kameraarbeit verantwortlich) repetitive Motive zur kontrollierten Adrenalinsteigerung umwirbt, wenn in einer Art und Weise vier Bilder wiederkehrend montiert werden, die ein Höchstmaß an Unruhe evozieren: das Eishockey-Spielgeschehen, die zwei Kommentatoren, McCords Sohn Tyler (mit Wasserspritzpistole bewaffnet: Ross Malinger) und, wichtig, einen Überblick über die restliche Zeit eines jeden Drittels, nach denen entweder ein Geldbetrag überwiesen oder, bei Nichtgelingen, als Konsequenz desselbigen eine Geisel erschossen wird. Bisweilen lässt sich zudem – dies forciert Hyams' handwerkliche Akkuratesse – eine Plansequenz beobachten (Eröffnungsszene), und wie Hyams das Getöse allgemein in Größenwahn taucht – draufgängerisch-gierig mit wahnwitzigem Helikopterstunt – lässt keine Ideenfülle offen und pochende Herzen in Ruhe. Hierbei verdichtet der Film dramaturgisch den direkten Verlauf des Spiels. "Sudden Death" beginnt ruhig (Kontrahenten-Belauerung) und endet fiebrig (Kontrahenten-Schlacht), je weiter das Spiel fortschreitet und je mehr sich Offensive und Defensive vertauschen müssen, den endgültigen Sieg an sich zu reißen. Denn vorher stand es Unentschieden, sowohl zwischen den Pittsburgh Penguins und den Chicago Blackhawks, als auch zwischen Darren Francis Thomas McCord (Jean-Claude Van Damme) und Joshua Foss (Powers Boothe).

Dank ersterem mutiert "Sudden Death" nicht zur Alleinunterhalterposse, sondern geht wieder mit "Stirb Langsam" konform, dem sympathischen Helden einen ungemütlichen Widersacher entgegen zu setzen, der durchaus ungewohnt radikal mordet, sarkastisch entlarvt und über Amerikas Bigotterie lacht, ein ehemaliger Geheimdienstler im ständigen Verhöhnen geheimdienstlicher Standardpraktiken; Powers Boothe einschließlich manikürten Nägeln und 10.000 (pardon, 15.000!) Dollar-Uhr geradeheraus entfesselt. Aus ihm produziert das Drehbuch Galgenhumor, zum Beispiel als das Feuerzeug so aussieht wie ein Bombenzünder. Oder aus Van Dammes zerknautschtem Gesichtsausdruck, als er vor einem Eishockey-Spieler steht, über den er vor seinem Sohn unter vier Augen lästerte und sich nun bösen Blicken ausgesetzt sieht, indem herauskommt, was nicht herauskommen sollte. Köstlich! Und unfreiwillig köstlich präsentiert sich die Geschichte in ihren skurrilen Wendungen, obgleich niemand ernsthaft geglaubt hätte, ein Van Damme-Streifen wäre ungefähr so was wie ausgefuchst entwickelt. Auch hier ist er's nicht. Parallel zur etwas angestrengten McClane-Pose Van Dammes, der in den direkten verbalen Schlagabtauschen mit Boothe nicht selten von dessen Präsenz zerdrückt wird, begreift der Film ebenfalls etwas aufgesetzt die Van Damme-Figur als beinhartes Universalgenie für die unersetzbare Rettung in der Not, als Bombenentschärfer (fies: die simplen Sprengsätze sind genau da versteckt, wo sie Van Damme vermutet), als Hochseilakrobat (!), als Feuerwehrmann, als Handwerker, als Eishockeytorwart (unsinnigste Szene), als… als John McClane, der ordentlich auf die Fresse gibt, als… Familienvater! Der er freilich nur sporadisch ist.

6/10

"Die Insel" / "The Island" [USA 2005]

2011-12-11T21:41:00.005+01:00

Eine blitzblank gewaschene Sportartikelwerbung. Verzichten wir nichtsdestotrotz auf die Floskel zu Beginn einer Filmbesprechung eines Films aus der Feder Michael Bays, dem – manche würden jetzt schreien – v-ö-l-l-i-g n-a-c-h-v-o-l-l-z-i-e-h-b-a-r-e-n Bay-Bashing, auch wenn man sich – polemisch überspitzt – doch so richtig schämen sollte ob dieser Verschwendung von Buchstaben für einen Regisseur mit einem Hirn aus Blech. Denn wie sollte sein Baustofffetisch sonst zu erklären sein? Ups, wir wollten verzichten. Also dann weiter. "Die Insel" kam direkt nach Bays sadomasochistisch unterhaltsamem "Bad Boys II" (es hieß, der Film sei menschenverachtend), und heute, nach Bays übergeschnappten Spielzeuggrotesken, scheint "Die Insel" irgendwie nicht ins Schema zu passen, Fremdkörper, Ausreißer; ein Film, der sich heimlich ins Œuvre Michael Bays hinein geschlichen hat, um den Beweis zu liefern, dass der Mann auch einmal einen dezent klugen Film gemacht habe, anstatt mehrere für eine materialistisch affine Generation an Matchbox-Konsumenten. Bay zückt die frisch gekaufte Schrotflinte aus dem Waffenladen, will gleich schwermütige Philosophie treffen. Das kann ganz schnell Platzpatrone sein, ist es aber nur teilweise, weil der Film zumindest am Anfang einen rundum souveränen Eindruck einer pseudoapokalyptischen Kontaminationslüge schindet, einen geschmeidigen Weg über den fetten Krawall zu gehen, die Kamera still zu halten, die Kamera ein paar Sekunden lang auf ein Gesicht blicken zu lassen, ihre Emotionen einzurahmen, man kann hier sogar einem Dialog ohne Unterbrechung und ohne Funken lauschen, Michael Bay, wirklich du? Dass Bay reihenweise Nebendarsteller verheizt (Michael Clarke Duncan, Steve Buscemi) oder lustige Sachen sagen lässt (Scarlett Johansson wirkt auch sonst reichlich blass), wo's nachdenklich sein sollte, stört nicht weiter angesichts anderer charismatischer Schauspieler einerseits (Sean Bean, Djimon Hounsou), und des ungezügelten Unterhaltungswertes des Drehbuchs andererseits, das in später umso mehr an Konzentrationslager gemahnende Bilder von Gaskammern ethischen Fragen nach der Instrumentalisierung des menschlichen Lebens in Konservendosen nachstöbert, den Wert der Freiheit und Individualität in Gefangenschaft bemisst und das Klonen als eine Art makabre Supermarktlagerbestellung reißbrettsachlich schildert.

Bay klaut hierbei und nebenbei sehr viel aus Genreklassikern – Obi-Wan Kenobi wird gegen Ende auf dem Höhepunkt des Rezitierens versuchen, ganz "Star Wars"-mäßig ein Kraftfeld außer Betrieb zu setzen –, wenngleich jene Idee, die dahinter steckt, in ironischen bis schwer packenden Einzelszenen gewillt ist, sich darin einzuschnüren. Dazu zählt die Begegnung mit dem stets sympathischen Ewan McGregor mit seiner "Lebensversicherung" (Ewan McGregor²), während sich ihr Gespräch in parallelen Entgegnungen humoristisch entlädt. Oder überhaupt die zaghaften und ganz, ganz oft sehr, sehr witzigen Annäherungsversuche derjenigen, die sich in einer für sie fremdartigen, neuen Welt beisammen finden müssen, denen das Leben als solches Zutritt verschafft hatte. Dementsprechend verkleidet sich Michael Bay als ein anderer Regisseur eine Stunde lang, ehe dann endlich die wüste Zerstörungsorgie bis zum Schluss alles wegbombt, was als Alibi dessen herhalten durfte, womit Bay spannend begonnen hatte. Dann scheppert's und raucht's und knallt's in aberwitzigen Breitbildaction-Pieces sinnbetäubend (Logo), Kinetik und Kameradrehung pur, da ist er zuhause, in der Technik, der Michael Bay, als ob dem Script in beständiger Regelmäßigkeit die Ideen ausgehen würden. Das sieht zwar spitze aus und hört sich auch prima an, treibt aber die dramaturgische Unentschlossenheit Bays auf die Spitze, sich nicht zwischen der Grundidee und dem Explosiven entschieden, sondern beides ebenso unbefriedigend durcheinander gemischt wie unbefriedigend auserzählt zu haben (McGregors Alpträume sowie neurologische Gedächtnisfortschritte scheinen uninteressant). Doch wie bereits in "The Rock" und "Armageddon" verfehlt Bays exorbitant geschmierter Pathos von des Sonnenuntergangs warmen Strahlen für seitwärts angeleuchtete Figuren und melodramatisch aufgetragenen Theatralikgesten von zeitlupenartigen Blicken der Protagonisten, die der Kamera überlebensgroß begegnen (sie werden meist allesamt von unten gefilmt), durchaus nicht ihre intendierte Wirkung, emotional zu manipulieren, hinsichtlich des Showdowns, der mit der Ethno-Musik Steve Jablonskys ergreifend verschmilzt, gar mitzureißen.

6/10

Gesehenes - November '11

2011-12-05T16:54:00.004+01:00

"Lost" [Season 2 / USA '05/'06] - 7,5/10

"Alien 3" [USA '92 / David Fincher; Special Edition] - 4/10

"Sieben" [USA '95 / David Fincher] - 7/10

"The Game" [USA '97 / David Fincher] - 5/10

"Fight Club" [USA '99 / David Fincher] - 8/10

"Panic Room" [USA '02 / David Fincher] - 6,5/10

"Zodiac - Die Spur des Killers" [USA '05 / David Fincher; Director's Cut] - 10/10

"Der seltsame Fall des Benjamin Button" [USA '08 / David Fincher] - 6/10

"The Social Network" [USA '10 / David Fincher] - 6/10

"Operation Walküre - Das Stauffenberg Attentat" [USA, D '08 / Bryan Singer] - 5/10

"X-Men Origins: Wolverine" [USA, NZ, AUS '09 / Gavin Hood; Kinofassung] - 2/10

"Party Monster" [USA '03 / Fenton Bailey, Randy Barbato] - 0,5/10

"Elf Uhr nachts" [F, I '65 / Jean-Luc Godard] - 4/10

"Ein (un)möglicher Härtefall" [USA '03 / Ethan Coen, Joel Coen] - 4,5/10

"Die Welle" [D '08 / Dennis Gansel] - 6/10

"Children of Men" [USA, GB '06 / Alfonso Cuarón] - 6/10

"Ein (un)möglicher Härtefall" / "Intolerable Cruelty" [USA 2003]

2011-11-29T16:04:00.002+01:00

Umschreiben lässt sich "Ein (un)möglicher Härtefall" mit einem vertrauten Gefühl. Ein vertrautes Gefühl, wenn man einen Coen-Film gesehen hat, wenn man insbesondere einen mäßigen Coen-Film gesehen hat, dieses Gefühl im Bereich von hintergründiger Schadenfreude, weil das ja alles so schwarz ist, und bedingungsloser Enttäuschung, weil das ja alles so banal ist, dass man, wenn man nicht noch einmal zurückspult, schon fast alles wieder vergessen hat, ehe sich die Erinnerungsnebelschwaden wirklich verselbständigen, und das im Höllentempo. "Ein (un)möglicher Härtefall" jongliert in seinem Charakter gewohnt selbstironisch und sarkastisch, grob, grimmig, grenzwertig, abgehoben, schrill und parodistisch mit der Liebe zum Kino und seinem Wiederauferstehungssversuch aus der Leichenhalle aufgebahrter Genreexkremente (hier: der Screwball-Komödie), also im Coen-Universum durchaus ein dazugehörender Planet, der mit den verrückten Macken seiner Macher seine errechneten respektive berechnenden Umlaufbahnen umrundet. Salopp, wohlgemerkt. Im weiteren Sinne hingegen ist dies einer ihrer schwächsten Filme, wenn nicht gar ihr schwächster überhaupt. Dem Nachstolpern unverrückbarer Aushängeschilder markerschütternder Geschlechterkeilerei zwischen Scheinemanzipation und -ehe hinter dem Zwist – Hawks, Sturges, Cukor – stanzen die Coens eine für ihre Verhältnisse grundhalterisch substanzlose, aber leider auch etwas erfinderisch geistlose Hommage über das betrügerisch-Buchhalterische der falschen Liebe in verschiedenartigen Zweierpärchen aus, die weder getimt ihre Messer nach dem Partner wirft, noch beschwingt innerhalb der Zeilen tanzt, sondern besoffen von infantil zu affektiert und wieder zurück entlang der Albernheit quer über den Schenkelklopfer torkelt. Langweile auch in den Hauptrollen. Catherine Zeta-Jones weiß sich mit ihrer äußerlich ausladenden (absatzreichen) Erotik innerlich bedingt zu bewaffnen, weshalb sie zusammengekauert wirkt, als ob sie sich schämen würde, dabei zu sein. George Clooney als blitzblankes Zahnpastagesicht mimt im Gegenzug das volle Programm Jerry Lewis und Cary Grant ohne Rücksicht auf Verluste sichtlich manisch, ohne allerdings deren Präzision und Widerborstigkeit bei gleichzeitigem Kuschelcharme nach den verbalen Differenzen zu erreichen. Das Ende gerät für die Coens allzu brav zur vorhersehbaren Streitschlichtung in die Arme, kein Clou, kein Sahnehäubchen, kein Funke, dieser Nerd-Funke der Coens, wie es die großen Klassiker der großen Macher vorgemacht haben, was ja auch schwierig wäre dahingehend, sobald die Protagonistenchemie fehlt. Erinnerungswürdig indes die obligatorischen Coen-Maschinengewehrdialoge (ulkig: vor der Richterin) sowie die Coen-Nebenfiguren (ulkig²: Heinz, Baron Krauss von Espy neben Clooneys an Schläuchen herabbaumelnder Chef). Coen-Geistesblitze, wie der Abgang des keuchenden Asthmatiker-Killers (Irwin Keyes), Clooneys leidenschaftliche Rede vor seinen baldigst Taschentuch aufschnaufenden Kollegen aus der Anwaltskammer oder Clooneys verdatterter Blick, als er nachfragt, ob seine ehemalige Gegnerin vor Gericht (Zeta-Jones) eine Waffe dabei habe, als sie ihn erneut aufsucht, sind rar gesät. Billy Bob Thornton darf auch nicht fehlen, da Coen-Schauspieler. Aber in Ordnung. Vergebene Müh' nichtsdestotrotz: Das kaschiert irgendwie keineswegs, dass "Ein (un)möglicher Härtefall" trotzdem so unterm Strich dann aber mehr x-y-z als c-o-e-n buchstabiert. Besser wäre es andersherum.

4,5/10

"Carlos - Der Schakal" / "Carlos" [F, D 2010]

2011-11-23T18:55:00.003+01:00

Wir schauen über 300 Minuten dem Schakal über die Schulter, wie er sich auf seine Beute stürzt. 300 Minuten, in denen Ilich Ramírez Sánchez, genannt "Carlos", seinem Mythos entgegen flüchtet. 300 Minuten voller entfesselter Energie, die ganz allein Édgar Ramírez gehören. Für diese 300 Minuten und ein bisschen mehr spielt Édgar Ramírez nicht Carlos, für diese 300 Minuten und ein bisschen mehr darf er Carlos sein, ist er Carlos, lebt er Carlos. Carlos – Marxist, Schürzenjäger, Terrorist; Legende, Phänomen, Phantom, im Begriff mehrere Kugeln ins Magazin zu laden für den Kampf der Unterdrückten gegen den "imperialistischen Kapitalismus", ein Anwalt für die Dritte Welt. Olivier Assayas skizziert Carlos' Schicksalsstationen in unterschiedlich zeitliche Rhythmen, überspringt dort Tage, überbrückt da Jahre, lässt Carlos von Weltereignis zu Weltereignis eilen, sodass Carlos wie eine jämmerliche Schachfigur auf dem historischen Schachbrett wirkt, die sich mit jedem neuen Spielzug seiner veränderten Situation bewusst werden muss, während sie sukzessive von Angreifern bedrängt wird, das Feld zu räumen. Denn letztendlich war Carlos auch nur ein: Gehetzter, ein Improvisationstalent. Es entsteht ein historischer Rundumschlag, der seinen Anfang in den 60er Studentenprotesten markiert, und symbolisch in zwei Fällen endet, dem Mauerfall und in Carlos Fall. Erstaunlicherweise funktioniert Assayas' politischer Essay deswegen so nahtlos, weil er schauspielerisch ein Ausrufezeichen setzt. Trotz, dass Assayas kaum psychologisch erforscht, sondern mit seinen Figuren reagiert, der Film also gewissermaßen mehr über das System Carlos als über den Mensch Carlos auszusagen weiß, fesselt der Regisseur nichtsdestoweniger exorbitant, wenn er alle Zeit der Welt darauf verwendet, eine möglichst authentische Beobachtungsstudie anzufertigen, die weder ideologisiert noch heroisiert, die nur aus dem Blickwinkel seines Protagonisten das reflektiert, was er erlebt. Personen kommen und gehen dabei, Orte wechseln stakkatohaft schnell, zwischendurch werden Thesen geschrien, es wird geraucht bis zum Tod, geblasen bis zur Hodenerkrankung, Türen geöffnet, Räume geschlossen, wieder verlassen, nach dem kaum variablen Muster in nostalgischem Zeitkolorit, das die vergangenen Jahre zu vertrauten Jahren der Gegenwart ästhetisiert. Besonders bei zentralen Vorgängen – wie der OPEC-Entführung in Wien –, wofür Assayas nahezu akribisch nachdokumentiert, wird der Charakterwandel der handelnden Individuen spürbar nachvollziehbar, gerade im Wesen Carlos', der sich von nun als professioneller Auftragskiller neu definiert. Aus der Hilfe mehrdimensionaler Nebenfiguren bezieht "Carlos" seine Tiefe. Etwa mit der militanten Feministin Magdalena Koop (cool unter der Oberfläche: Nora von Waldstätten), Carlos' baldige Familie, die ihn lediglich in seinem Narzissmus bestätigt. Oder mit Hans-Joachim Klein alias "Angie" (Christoph Bach), überzeugter Mitläufer, aber kein Antisemit, weil die Auschwitz-Bilder für immer eingebrannt sind. "Carlos" thematisiert vordergründig also das Verlieren, nicht per se den verlorenen Kampf, sondern vielmehr den Verlust der ideologischen Identität, sobald die Mittel des Revolutionärs allmählich denjenigen des zu bekämpfenden Systems ähneln.

7/10

"Das Gold von Sam Cooper" / "Ognuno per sé" [I, D 1967]

2011-11-09T18:24:00.002+01:00

Ausgemergelte Jammergestalten müssen sich der Erkenntnis stellen, dass Goldsucher im wahrsten Sinne des Wortes gefährlich leben, wie geronnen, so zerronnen, wie Gold gefunden, so Gold verloren. "Das Gold von Sam Cooper" ist der zweite Schatz der Sierra Madre und bebildert Elementares – die Veränderung zur Gier des Menschen in verdorrt-miefigen Wüstenkaffs. Nicht übel, der Italo-Reißer, spaßig, kurzweilig, kaum Durchhänger. Das darin illustrierte Todesquartett ist todesbedrohlich: Ein homosexueller, als Priester gekleideter Sadist (Klaus Kinskis Wahnsinn hinter einer furchteinflößenden Fassade aus gewissenloser Hinterhältigkeit zu Stein erstarrt), dessen unterwürfiger Gigolo (George Hilton fand sich nie in die Rolle ein, wie auch, als Kinski-Liebhaber), ein von Malaria gepeinigter Gefängnissklave (Gilbert Roland) und dessen verhasster Kriegskamerad (Van Heflin), ein bislang erfolgloser, kauziger Goldjäger mit schallender Lache. Was sich Giorgio Capitani daraus baut, dürfte nicht weiter überraschen. Intrigante Machtspielchen desjenigen mit demjenigen gegen denjenigen und diejenigen, um sich einen Vorteil zu verschaffen, die Angst dem vorzubeugen, aber auch die Raffinesse dagegen zu halten in unterschiedlichen Konstellationen. Auffällig, jedoch nicht minder erfrischend, dass der Film kaum Haken schlägt, Umwege einschlägt, nicht groß rumquatscht und situationsabhängige Nebensächlichkeiten vermeidet, die in vergleichbaren Genrewerken immer wieder den direkten Weg zum Ziel (ergo: zum Schatz) künstlich bis ins Unermessliche dehnt, respektive länger gestaltet, als er in Wahrheit ist. Die Exkursion ist eingebettet in überlange Kameradrehungen, die oft am Quartett vorbei schwenken oder es in einer einzigen Einstellung einzufangen wissen, stylishe Zooms, präzise Schnitttakte, heroische Musik (widmet Kinski sogar ein verdunkeltes Thema: Carlo Rustichelli), viel Details, beträchtlich Schießpulver und Verpflegung, auch ein bisschen trashig-Urkomisches gibt's, wenn sich die Gruppe im lang ersehnten Regen plötzlich auf dem Wüstensand wälzt (hier wieder – das Lachen!). Trotz fehlendem Profil der uneingeschränkt schattenhaft umrissenen Figuren und ihrer Marotten, sowie einiger absehbarer Finten und unzähliger Platzpatronen macht Capitani vor allem Lust auf Sauna. Welcher Western kann das schon von sich behaupten? Eben.

6/10

Gesehenes - Oktober '11

2011-11-07T17:01:00.003+01:00

"Lost" [Season 1 / USA '04/'05] - 9,5/10

"Das Schweigen der Lämmer" [USA '91 / Jonathan Demme] - 6,5/10

"Hannibal" [USA, GB, I '01 / Ridley Scott] - 3/10

"Roter Drache" [USA '02 / Brett Ratner] - 6/10

"Fast & Furious Five" [USA '11 / Justin Lin] - 7/10

"Tron: Legacy" [USA '10 / Joseph Kosinski] - 4,5/10

"Die Mothman Prophezeiungen" [USA '02 / Mark Pellington] - 5/10

"Scarface" [USA '83 / Brian De Palma] - 6/10

"Carlito's Way" [USA '93 / Brian De Palma] - 6/10

"World Invasion: Battle Los Angeles" [USA '11 / Jonathan Liebesman] - 2,5/10

"Niagara" [USA '53 / Henry Hathaway] - 4/10

"Elegy oder die Kunst zu lieben" [USA '08 / Isabel Coixet] - 6/10

"Carlos - Der Schakal" [F, D '10 / Olivier Assayas; Director's Cut] - 7/10

"Transporter 3" [F, USA '08 / Olivier Megaton] - 1/10

"Das Gold von Sam Cooper" [I, D '67 / Giorgio Capitani] - 6/10

"Machete" [USA '10 / Robert Rodriguez] - 4/10

"Tombstone" [USA '93 / George Pan Cosmatos; Director's Cut] - 5,5/10

"Niagara" [USA 1953]

2011-10-21T16:12:00.003+02:00

Leider nicht viel mehr als der ins farbliche Gegenteil verkehrte Noir als illuminierter Traum in satt sprießendem, zwischen pechschwarz und betäubend grell umher schwankendem Technicolor zweier Naturschönheiten mit sehenswerten Kurven: Marilyn Monroe in eng und üppig, die Niagara-Fälle in tosend und erhaben, beide tödlich erotisch. Sowohl die Glockenspielmusik als auch zahlreiche Kamerapositionen verfestigen sich zu einem Gesamtbild expressionistischer Hitchcock-Prägung. Der Mord an Rose Loomis (Monroe) wird aus der Vogelperspektive heraus gefilmt, während kein einziger Laut zu hören ist, die Getötete kurzerhand gleichwohl ins Bild sanft hinüber gelegt wird. Damit wird dem langsam aushauchenden Leben eine Filmszene von beachtlichem Verständnis formaler Handfertigkeit gewidmet. Das war's dann aber. Vielmehr ist da – wie bereits gesagt – nicht. Außer Mr. Kettering als schallend lachender Knäckebrot-Chef (Don Wilson) bewegen sich platt gezeichnete Figuren in einer spannungsarmen Symbiose aus unfreiwillig amüsanter Küchenpsychologie (Kriegsheimkehrer = gestört), männlicher Doofheit und melodramatisch ermüdenden Ehezwistigkeiten (Frau küsst anderen Mann, betrügt eigenen Mann, um ihn mit Hilfe des anderen Mannes schließlich zu töten; dieser kann den anderen Mann dennoch überlisten) zum zufallsüberladenen Finale: Mörder zufällig am Fluss, wo er zufällig die entscheidende Frau zufällig auf dem einzig verfügbaren Boot trifft, während später dann der Treibstoff umso zufälliger ausgeht, sie somit in letzter Konsequenz zufällig auf die Wasserfälle zufällig dem drohenden Tod entgegen treiben. Sehr seicht – und verwässert – schippert "Niagara" demnach den Fällen zu, ohne Substanzielles dem Wasser beizumischen. Unbefriedigend. Unspektakulär. Uninteressant. Irgendwie schon.

4/10

"Das Relikt" / "The Relic" [USA 1997]

2011-10-17T17:10:00.003+02:00

Ironischer wird's jedenfalls nicht: Abergläubischer Polizist (Tom Sizemore) untersucht den Mord eines Sagenungeheuers aus Reptil und Mensch in einem Museum kurz vor Eröffnung einer Ausstellung zum Thema "Aberglauben". Ängste, Dunkelheit, Klaustrophobie, pseudowissenschaftliches Geschwafel, blutdurstende Scheißviecher und herausgerissene Gehirne aus abgefressenen Köpfen – das volle Programm, 90er Genre-Schocker, Buchstabe B, unumstößlich, ohne Umschweife, aber sowas von. Die Erinnerung an diesen Film war verschleiert (wohl daher, weil ich mich nie traute, den Film so viele Male anzuschauen wie das irgendwie irritierend gruselige Cover anzuglotzen) und dennoch äußerst vielversprechend in der Hoffnung, ein probates Nichteinschlafmittel für angstschlotterndes, zusammengekauertes Wachbleiben unter der Bettdecke in den Tiefen des medialen Dauerblödsinns aufgestöbert zu haben. Der Versuch ging nach hinten los. Nostalgie zum Negativen, nach dem Motto - "Auf Videokassette in grottenschlechter Qualität fand ich den als Dreikäsehoch total gruselig und ultimativ shocking. Doch Jahre später find' ich den nur noch total lahm und ultimativ trashig." Dem überaus gewitzt aufgelegten Sizemore (der Verlierer im Sorgerechtsstreit um seinen Hund) und der überaus ehrgeizig aufgelegten Biologin (Penelope Ann Miller) macht es selbstverständlich nach wie vor halbwegs Spaß dabei zuzusehen, wie sie mit 'ner Taschenlampe durch bedrückende Abwasserkanäle, verzweigte Kanalisationen, ehemalige Kohletunnel und vermoderte Gemäuer eines abstrakt ausgeschmückten Museums watschen, währenddessen hin und wieder rasante Schnittfolgen unter flackernden Lichtverhältnissen zusätzlich an Atmosphäre generieren. Nicht übel übrigens auch die blutigen Randnotizen. Leiber werden zerfetzt und die Kamera verharrt davor, sieht sich das Spektakel an und will sich davon partout nicht wegbewegen. Alles andere kommt dagegen kaum aus dem Knick, die Dramaturgie im Erstsemester mit Schwerpunkt "Basiswissen von Thrillerstorys" besonders. Das Monster greift natürlich pünktlich zur Ausstellung an, es gibt die sich verlaufenden Kinder, das Toilettenopfer, lauter abgeschmackte Spannungssequenzen und alle unterstützen einander derartig kalkuliert, dass von Beginn an kein Zweifel daran besteht, ob der Fall nun gut oder böse ausgeht. Das Fehlen einer saftigen Pointe mag verzeihlich sein (tatsächlich wählt Peter Hyams ein selten langweiligeres Schlussbild einer Totalen übers Museum), aber gerade jene polternde Action absurdester Comic Reliefs (Kothoga fliegt durchs Glasdach) mitsamt redundanter CGI-Tricks (Kothoga brennt lichterloh), die sich im Verlaufe des Films leider stetig nach vorn schieben und damit den gespenstischen Charakter verraten, formulieren das ebenso irritierende Gefühl, als ob sie entschieden deplatziert seien. Manchmal ist weniger mehr, Erwartung und Ambition. Und Stan Winston sicherlich auch.

4/10

"My Blueberry Nights" [HK, CH, F 2007]

2011-10-15T15:00:00.002+02:00

Nächte, Neon, Nostalgie. Sehnsucht, Sucht, Sinnsuche, Selbsterfahrungsreise. Fetzen, Erinnerungen, Erinnerungsfetzen, die vergessen werden müssen, aber nicht können, Lichtprojektionen. Wong Kar-wai-Vokabeln. Und: Verstreichen und zerfließen und verpixeln und einfrieren von flüchtigen Begegnungen und stockenden Bewegungen einer zufälligen Liebe, deren letztes vertrautes Überbleibsel ein Kuchen ist, genauer gesagt ein Blaubeerkuchen. Mag "My Blueberry Nights" aus einer rein emotional stimulierenden Ebene heraus nicht an die kanonlastigen Liebesbriefe Wong Kar-wais anknüpfen – Norah Jones verblasst gegenüber dem starken Ensemble in den Nebenrollen zudem ganz offensichtlich und einige arg müde Absehbarkeiten konventioneller Episodendramen rührt der Poesie zusammenhakende Film leider an –, so versteht er sich nichtsdestotrotz als melancholisch leiser, farbenprächtig abstrakter wie sinnlich intimer Sehnsuchtsschmerz über den auf Umwegen zu überlistenden Kummer in der Liebe, dem es gelingt, Nähe und Persönlichkeit, statt Distanz und Künstlichkeit zu entwickeln. Manchmal wirkt der egozentrische Stilwille Kar-wais zwar allzu verkrampft, jede hippe Montage den emotionalen Bewusstseinszuständen seiner Figuren anzupassen (etwa, in dem er vorsichtiges Herantasten beiderseits und zunächst anfängliches Misstrauen durch eine vor den Fensterscheiben ungeduldig ausharrende Kamera symbolisiert). Doch manchmal haben diese Bilder auch etwas merkwürdig Sensibles, fernab jener kitschigen Liebestheatralik dutzender Kullertränenheulsusen. Dort zum Beispiel, wo zweimal geküsst wird, auf die Lippen und der letzte Rest Blaubeerkuchen von den Lippen. Wunderschön. Der gewissermaßen vollends den edlen Darstellern gehört: Jude Law ist der backerfahrene Kneipenbesitzer, David Strathairn der verlierende Jetonsammler, Rachel Weisz die nonchalante Ex, Natalie Portman die verbiesterte Femme Fatale. Alle eint das gemeinsam verzweifelte Festhalten eines vergänglichen Zustandes, der auf Dauer mürbe macht. Ein Film wie… Blaubeerkuchen, tatsächlich. Luftig, zartschmelzend, cremig unaufdringlich, mit sirupsüßem Kern. Nicht mehr, nicht weniger. Oder Fast Food – zweitweise Genuss, aber es hätte nahrhafter sein können, zeitweise Hungertilgung, aber es hätte schwer verdaulicher sein können.

6/10

Gesehenes - September '11

2011-10-04T18:18:00.006+02:00

"Twin Peaks" [Season 2.2 / USA '91] - 7/10

"Twin Peaks - Der Film" [F, USA '92 / David Lynch] - 5/10

"Wild at Heart" [USA '90 / David Lynch] - 4,5/10

"The Straight Story" [USA '99 / David Lynch] - 7/10

"Lost Highway" [USA, F '97 / David Lynch] - 7/10

"Shining" [GB '80 / Stanley Kubrick; internationale Fassung] - 7/10

"Full Metal Jacket" [UK, USA '87 / Stanley Kubrick] - 7,5/10

"Eyes Wide Shut" [GB, USA '99 / Stanley Kubrick] - 10/10

"Hangover" [USA '09 / Todd Phillips] - 1,5/10

"Flug 93" [USA '06 / Paul Greengrass] - 6/10

"Free Rainer - Dein Fernseher lügt" [D, A '07 / Hans Weingartner] - 0/10

"Boulevard der Dämmerung" [USA '50 / Billy Wilder] - 6/10

"Sunshine Cleaning" [USA '08 / Christine Jeffs] - 6/10

"Unknown Identity" [USA, D '11 / Jaume Collet-Serra] - 6,5/10

"Der Anwalt" [F '93 / Jaques Deray] - 5/10

"Hannibal Rising" [GB, CZ, F, I '07 / Peter Webber; Unrated Version] - 2,5/10

"Sucker Punch" [USA '11 / Zack Snyder; Extended Version] - 5,5/10

"Das Relikt" [USA '97 / Peter Hyams] - 4/10

"Star Trek" [USA '09 / J. J. Abrams] - 5/10

"Und täglich grüßt das Murmeltier" [USA '93 / Harold Ramis] - 6/10

"Todeszug nach Yuma" [USA '07 / James Mangold] - 6/10

"The Straight Story" [USA 1999]

2011-09-19T17:26:00.003+02:00

Böse Zungen behaupten, "The Straight Story" sei "The Straight Story" und Lynch sei Lynch. Aber niemals könne "The Straight Story" Lynch sein und Lynch schon gar nicht "The Straight Story". Das unermüdlich in diesem Zusammenhang negativ gefärbte Wort "Altersmilde" umschlich Lynch seinerzeit zunehmend, was bedeuten soll, dass er nach seinen vorherigen Werken, vor allem nach dem unmittelbar davor präsentierten "Lost Highway", einen Gang zurückschalte und sich nur noch leichten Stoffen widme. Unsinn. Wohl eher ist das Wort "Erholung" zu gebrauchen. Erholung nach "Lost Highway". Erholung vielleicht nach abgetrennten, abgeschnittenen, deformierten Körperteilen, was auf die Dauer langweilig erscheint und depressiv macht. "The Straight Story" durfte Lynch machen. "The Straight Story" musste Lynch machen. Und "The Straight Story" ist mehr Lynch als zunächst ersichtlich. Diese Metapher aller Metaphern im regellosen Lynch-Kosmos, längst Popkultur, dieser kurze und dann doch wieder lange Kamerablick auf einen mit gelben, mit weißen Mittelstreifen begrenzten Highway, der unweigerlich in eine pervertierte Welt führt, die innerlich wie äußerlich ineinanderzufallen droht, diese Reise mitten ins Verderben, wo echte Leidenschaft herzensguter Menschen von obszönem Sadismus schwärzester Gestalten sabotiert wird, dieser Kamerablick findet sich auch im angeblich untypischsten Lynch. Wieder ist es eine existenzialistische Sinnsuche in die Psyche, wieder wird sie von ulkigen Typen bevölkert (locker verschroben: Sissy Spacek), wieder dominieren blau und rot und das Feuer als Symbolik, wieder ist der Tod ständiger, unausgesprochener Begleiter, wenn auch optimistischer, sanfter, zärtlicher. Poetischer. Wenngleich Lynch die Gesichte eines dickköpfigen in sich hinein grinsenden und in sich hinein weinenden alten Mannes auf seiner letzten Mission erzählt (kauzig-liebenswürdig: Richard Farnsworth), stellt er ihn nie aus, wenn er ihn beim Hinken filmt, macht sich nie über ihn lustig, wenn er auf einem Rasenmäher quer durchs Land streift. Lynch respektiert ihn und behandelt ihn mit Würde. Groß ist die Szene, als sich zwei Männer in der Kneipe ihrer Vergangenheit stellen. Unglaublich groß. Wie viele Szenen. So wie Alvin Straight unter den wunderhübschen Badalamenti-Noten hunderte Kilometer für die brüderliche Liebe kämpft, tuckert und verschnauft, tuckert der Film ebenso bedachtsam vor sich hin, mit einer zu oft zu schnell schwebenden Kamera (Freddie Francis), die sich erst daran gewöhnen muss, verschnauft bei den kleinen und großen Problemen kleiner und großer Menschen, die inspiriert werden, weil sie eine kleine Antwort auf die großen Fragen bekommen. Andere Regisseure würden diese Fragen in Plattitüden beantworten, Lynch übt sich in Natürlichkeit. Ein kleiner, großer Film, schön, verstörend schön. Er lernt auch, dass man zuhören sollte, wenn man etwas lernen will, gerade heute. Ob Alvin bei den Zwillingsmechanikern trotzdem bezahlen musste?

7/10

"Thirteen Days" [USA 2000]

2011-09-15T17:06:00.004+02:00

Meisterstück geschichtlicher Rekonstruktion von Besagtem und Erfundenem, transferiert ins rein Filmische, ein Lehrstück, wie eine ausgefeilte Dramaturgie mit erlesenen Darstellern Zahnrad um Zahnrad ineinandergreifen kann. Obgleich der Ausgang jener historischen Zäsur, dieser einschneidenden 13 Tage kurz vor dem drohenden Untergang der westlichen Hemisphäre, bekannt sein sollte, fesselt Roger Donaldson mit einem kaum nervenstärkeren, kompakten wie geschliffenen Krimi, verwandelt das Weiße Haus in einen erdrückenden Ort, wo die Politik und die Diplomatie Gegenstand eines dicht gesponnenen Psychothrillers sind. Erzählt aus den Augen der Kennedy-Brüder (unmenschlichem Druck aller Couleur ausgesetzt: Bruce Greenwood, Steven Culp) und ihres persönlichen Beraters, Kenneth O'Donnel (Kevin Costner), zeigt Donaldson Mechanismen, Apparate, Debatten, Lösungen und Lösungsvorschläge, Verwicklungen, Verwirrungen und Verkomplizierungen einer um Schadensbegrenzung gegenarbeitenden Großmacht gegen die andere Großmacht, ohne die andere Großmacht zu fokussieren, weil "Thirteen Days" ausschließlich subjektiv von innen heraus amerikanisch seziert. Der materielle Krieg ist zum psychologischen Nervenkrieg grauer Männer in grauen Räumen verkommen, Waffen werden gegen Argumente, Rüstungen gegen Kugelschreiber, Befehle gegen Aktenordner eingetauscht, ein Wort genügt, ja oder nein, Atombombe oder nicht, maximal drei Buchstaben simplifizieren den Irrsinn über Leben und Tod. Zu zwei Hauptströmungen kehrt Donaldson immer wieder zurück: Zum einen bemüht um Veranschaulichung, inwiefern sich der Pragmatiker Kennedy gegen die mit der Nuklearwaffe förmlich winkenden Belange des rechtskonservativen US-Militärs durchzusetzen versucht. Zum anderen um Analyse konzentriert, inwiefern der Besonnene Kennedy zu seinen eigenen Stabchefs eine moralische Gegenposition vereinnahmt. Gehüllt in ein semidokumentarisches Kleid aus schwarzweißen Original-, Archiv- und Fernsehaufnahmen, vermittelt "Thirteen Days" Politik als beinharte Herausforderung, die aus Hauptsätzen und Zeichensprache besteht, aus der Furcht vor dem falschen Zeichen, die zu gegebenen Umständen nur mit einem Schluck Hochprozentigem erträglich scheint. Trotz fehlender Action verdammt actionreich, hochexplosiv, kammerspielartig und rhetorisch eindringlich bis schier mitreißend, stets am Rande des Scheiterns entlang schlitternd, dann wieder aufrappelnd, dann wieder die nächste Enttäuschung, neuer Vorschlag? So sollte Kino aussehen.

8/10

"Barry Lyndon" [GB 1975]

2011-09-12T19:28:00.007+02:00

"Barry Lyndon" reißt mit all seiner überirdischen Pracht, seiner Grazie, seiner Zartheit, seiner beständigen Zukunftsangst den Boden unter den Füßen weg. Es ist der intimste Film des Regisseurs, weil er in einer sozial wie zwischenmenschlich entfremdeten Figur (Ryan O'Neal) etwas ebenso fremdartig Vertrautes und Melancholisches findet, tief im Herzen verborgen. Ein Individuum zerbricht wieder einmal an den moralischen Strukturen und an der Bestie Mensch, die ihn wie ein vergifteter Apfel verführt. Ästhetischer Perfektionismus, minutiöse Arrangements und eine beängstigende Akribie aus Kubricks Tyrannei zur vollkommenen Bildermalerei ebnen den von Zerwürfnissen und Sehnsüchten überschatteten Weg Barry Lyndons ins Verderben und "Barry Lyndons" zu einem Platz direkt im Louvre neben der Mona Lisa. Jedes Detail barocker Vorbilder formvollendet, da jedem Detail ein genauestens einstudierter Platz zugewiesen wird (hier entlang, bitte!), jede Perücke, jeder Degen, jedes Kostüm scheint Bestandteil eines durchkomponierten Ausstattungssystems zu sein, bis zum Stillstand. Stillstand, wenn die Kamera rückwärts zoomt von der Nahaufnahme in die Totale (außergewöhnlich: John Alcott), Stillstand für jedwedes Abwürgen der Spannung in den Gewaltszenen, überhaupt Spannungslosigkeit dort, wo Spannung herausgefordert wird – quälend langsam, das Erzählen eines auktorial-ironischen Erzählers, quälend langsam, aber auch das Genießen zur Händel-, Bach- und Schubertklassik hinter der Kamera. Dieser Erzähler formuliert Barry Lyndons spiralförmige Entwicklungsreise als ein Chamäleon, das sich verschiedenartigen Situationen anpassen muss, in dem es seine Haut den Gegebenheiten färbt. Bursche (zukunftslos). Lümmel (impertinent). Vagabund (rebellisch). Soldat (mutig). Spion (raffiniert). Falschspieler (erfahren). Hochadeliger (materialistisch). Und wieder zurück. Zum Burschen, vereinsamt, zukunftslos. Keine Geschichte, die sonderlich spannend nach Schema F aufbereitet wird, wie gesagt, aber im Gegenzug eine umso dekadentere Bildermeditation, ein politisches Zeitporträt, das rabenschwarz und komisch, fiebrig und subtil gleichermaßen unter die Haut geht. Geld und Macht in einer sich zwingend selbst erhaltenden, degenerierten Gesellschaft sind dazu verdammt, der Menschlichkeit zu widersprechen und der Ritterlichkeit eine Bleikugel in die Brust zu jagen. Trotz des nihilistischen, spöttelnden Kubricks-Blicks auf Barry Lyndon widerspricht Kubrick seinem eigenen Gestus fortwährend, sobald er immer wieder Momente des erwärmenden Optimismus zwischen denen der hemmungslosen Kälte einstreut: Barrys erster Kuss mit Lady Lyndon (Marisa Berenson), Lord Bullingdons (Leon Vitali) Zusammenbruch während der Genugtuung versprechenden Farce eines Duells oder das Aufeinandertreffen zweier Iren, von denen der eine den anderen beschatten sollte. Solcherlei Augenblicke, in denen die Fassade des künstlichen Antlitzes einstürzt, die Maske des ihn verschlungenen Gefüges zerfällt, die Zähmung des vorgesehenen Kostüms misslingt und der reine, unverstellte Blick unter Tränen geboren wird.

8,5/10

"Captain America - First Avenger" [USA 2011]

2011-09-09T15:57:00.003+02:00

Das macht oft Spaß: Wie Joe Johnston seine nerdige Adaption auf Zelluloid eines kultigen Stars-and-Stripes-Propagandacomics mit Retropinseln streicht (darunter die bewusst aufs Schmalzigste heruntergebrochenen Captain-America-Paraden mit zeitgenössischen Schrifteinblendungen) und sich als Resultat ebenso Jungs als Männer und Männer als Jungs fühlen dürfen, insbesondere dann, wenn ein Nazi durch den Flugzeugpropeller gehäckselt wird und eine saubere Linie Blutschwall in der Luft schwebt. Cool! "Captain America – First Avenger" ist irgendwas von der nicht ganz ernst zu nehmenden Version des Zweiten Weltkriegs, in der die Uniform tragenden Nazis von den teuflischen Nazis in industriell-mechanischen Schutzpanzern abgelöst werden, "Heil, Hydra!" bei hochgereckten Gesten schreien und mit Laserstrahlen Radau machen, angeführt von einem, natürlich, das wurde beibehalten und referenziert, geisteskranken Führer (Hugo Weaving), dem die Schamesröte ins Gesicht geschrieben steht. Johnston macht in keiner einzigen Szene einen Hehl daraus, ein charmantes B-Movie auf den Spuren Indys, teutonischer Fantasymythen, Haudraufkloppereien und trashiger Reizüberflutung zusammengezimmert zu haben. Es gilt, sich an die alten Zeiten zurückzuerinnern, wenn schon die neuen vor lauter Schnickschnack nicht mehr erträglich sind. Das ungeheure (eben propagandistische) Pathos verformt Johnson zur süffisanten Steilvorlage, um es in kitschige Nostalgie zu tränken und von der überdimensional heroisch vorwärtsdrängenden Silvestri-Musik zu untermalen, während die Humorfeuerwerkskörper meist appetitlich unaufdringlich zwischen den Zeilen angezündet werden. So unaufdringlich, dass die Kritik es gar nicht mitbekommen hat (Humorlosigkeit, Frevel!). Ungeachtet aller Lorbeeren spielt Chris Evans (von der knochigen Bohnenstange zur muskelbepackten Bockwurst) in der Hauptrolle dennoch seltsam langweilig, blass, der Superheld mit dem Schild ist eine langweilige, eine blasse Figur, die selten hadert oder von der dunklen Seite bekehrt wird, sie ist geleckt und bleiern. In der Vergangenheit erweckten jene Comiccharaktere am meisten Interesse, die vor allem mit der Ambivalenz des eigenen Ich zu kämpfen hatten, was Johnston seiner Figur verweigert. Passend dazu, dass die dramatischste Dramatik undramatisch im Sinne von möglichst schnell übergangen wird (zum Beispiel der Tod des besten Freundes), wodurch sich der Superheld keineswegs mit seinem Scheitern auseinandersetzen kann und der Film zugleich tiefere Schichten von sich abblockt (nach dem schulterzuckenden Motto: "kann ich eh nichts machen, weiter geht's"). Er hastet stellenweise wie ein 100-Meter-Läufer über den Parcours hinweg, ohne die Kameralinse auf die Mitläufer zu justieren. Gleiches Schicksal für Hugo Weaving; eine diabolische Rolle, die kaum Profil gewinnt, sondern eher für die genreimmanenten Zwecke verheizt wird. Tommy Lee Jones (zerfurcht, kauzig, toll) und Hayley Atwell (süß, schlagfertig, toll) können da nur bedingt helfen. "Captain America – First Avenger" fehlt es an dem entscheidenden Spritzer Esprit, um sich über die First-Class-Kollegen hinwegzusetzen, de facto dem, ja, Unamerikanischen.

6/10

Gesehenes - August '11

2011-09-02T18:34:00.004+02:00

"Das Geheimnis von Twin Peaks" [USA '90 / David Lynch; Kinofassung] - 6,5/10

"Twin Peaks" [Season 1 / USA '90] - 8/10

"Twin Peaks" [Season 2.1 / USA '91] - 9/10

"Eraserhead" [USA '77 / David Lynch] - 5/10

"Der Elefantenmensch" [GB '80 / David Lynch] - 8,5/10

"Der Wüstenplanet" [USA '94 / David Lynch; Kinofassung] - 4,5/10

"Blue Velvet" [USA '86 / David Lynch] - 8/10

"Lolita" [USA, GB '62 / Stanley Kubrick] - 8/10

"Dr. Seltsam..." [UK '64 / Stanley Kubrick] - 5/10

"2001: Odyssee im Weltraum" [UK, USA, F '68 / Stanley Kubrick] - 10/10

"Uhrwerk Orange" [GB '71 / Stanley Kubrick] - 8/10

"Barry Lyndon" [GB '75 / Stanley Kubrick] - 8,5/10

"Wenn die Gondeln Trauer tragen" [I, GB '73 / Nicolas Roeg] - 5/10

"Las Bandidas - Kann Rache schön sein!" [E, MEX '08 / Agustín Díaz Yanes] - 6/10

"Thirteen Days" [USA '00 / Roger Donaldson] - 8/10

"Spider-Man 3" [USA '07 / Sam Raimi] - 5/10

"Letztes Jahr in Marienbad" [F, I '61 / Alan Resnais] - ohne Wertung

"Planet der Affen" [USA '68 / Franklin J. Schaffner] - 6,5/10

"Planet der Affen: Prevolution" [USA '11 / Rupert Wyatt] - 7/10

"Dolan's Cadillac" [USA '09 / Jeff Beesley] - 5/10

"Ghost Rider" [USA '07 / Mark Steven Johnson; Kinofassung] - 3/10

"Lola rennt" [D '98 / Tom Tykwer] - 5/10

"JCVD" [B, F, L '08 / Mabrouk El Mechri] - 6,5/10

"Breakdown" [USA '97 / Jonathan Mostow] - 6/10

"Captain America - First Avenger" [USA '11 / Joe Johnston] - 6/10

"Wie klaut man eine Million?" [USA '66 / William Wyler] - 4,5/10

"My Blueberry Nights" [HK, CH, F '07 / Wong Kar-wai] - 6/10

"Faster" [USA '10 / George Tillman Jr.] - 3/10

"Die Faust der Rebellen" [USA '72 / Martin Scorsese] - ohne Wertung

In aller Kürze: "Planet der Affen: Prevolution" / "Rise of the Planet of the Apes" [USA 2011]

2011-08-17T16:43:00.006+02:00

Erfreulich in einem Metier, das von ebenso neunmalklugen Kreuzrittern wie dollarorientierten Verfechtern des Popcorns drangsaliert wird: Mit "Planet der Affen: Prevolution" kehrt der bislang überraschend wahrhaftigste aller Blockbuster zum Tagesgeschäft zurück, als Jahrmarktattraktion, um den Besucher in schwindelerregenden Höhen mitzureißen und ihm Gefühle der Atemlosigkeit zu entlocken. Die Essenz des trickreichen Filmemachens wurde ermüdend oft auf übersättigte, klinisch kalte Krawallorgien heruntergebrochen, kein Mitreißen, kein Gefühl, kein Herz. Früher war eben alles besser, auch die Filmlandschaft, auch der amerikanische Mainstream. Schön zu sehen, dass hin und wieder erfrischende Ausnahmen existieren, schön zu erleben, dass es sie noch gibt, schön dieses Gefühl erquicklicher Nostalgie. Denn: "Planet der Affen: Prevolution" hat nicht nur eine Geschichte zu erzählen, das haben die anderen Kollegen aus dem Gruselkabinett des verlotterten Blockbusters nämlich auch. "Planet der Affen: Prevolution" missbraucht seine Geschichte nicht als Alibi, um Schauwerte bis zur alarmierenden Redundanz auszuschlachten, sondern textualisiert einerseits die Melange aus Kulturpessimismus und Zukunftssatire des 68er Originals mit augenzwinkernder Raffinesse, und erzählt andererseits mit politisch-ironischer Ambition von den evolutionären Gefahren menschlicher Arroganz gegenüber ihren minderwertigen Haustieren im neuen Jahrtausend, die sich wie in Stanley Kubricks "Spartacus", entgegen makelloser Superhelden in geleckten Abenteuern, schließlich zu ehemals unterdrückten Pionieren der Freiheit und der (Tier-)Würde erheben, sowie einem klassischen Heist nachempfunden Gefängnisausbruch improvisieren. Die Gags sitzen, die Sympathien sind klar verteilt, Rupert Wyatt nimmt sich Zeit für subtile Momente leiser Gefühlsausbrüche, die von Wärme getragen werden. Und am Ende gönnt man es sogar den Affen, den doofen Menschen verdientermaßen das Handwerk zu legen. Wyatts Film ist weder besonders intelligente Dystopie noch ein bahnbrechender Genrefilm, aber er entwickelt herzzerreißende Zwischenmomente, die kleinen, auf die sonst niemand setzt, und auf die es ankommt auf dem Jahrmarkt der Attraktion. "Planet der Affen: Prevolution" ist nicht zuletzt ein überzeugendes Drama, ein authentisches Familiendrama. Getragen ebenfalls von audiovisueller Brillanz – Andy Serkis visualisiert jedes einzelne Härchen (Julius) Caesars in Motion Capture, die Actionsequenzen sind gewaltig, voller Pathos, voller Anspannung, voller Energie, voller Wucht, endlich wieder getimt bis zum Anschlag, mit Idee dahinter, die Kamerafahrten verschlungen, die Montagen der in einer einzigen Einstellung gezeigten Entwicklungsstadien des Affen durchaus aufregend. Da ist es wohl leicht zu verzeihen, dass die Technikwunderwaffe Medizin zu oft zu aufgesetzte Wunder vollbringt, ein paar Klischees zu viel Klischee sind und es Freida Pinto als obligatorisch weiblicher Sidekick in einem veritablen Cast gefälliger Abziehbildchen wohl am ehesten gar nicht gebraucht hätte. Macht nichts: Rundum affengeiles Entertainment, diesmal dann doch. Der letzte Flug zur noch in Gänze vorhandenen Freiheitsstatue geht in Kürze…

7/10

In aller Kürze: "Las Bandidas - Kann Rache schön sein!" / "Solo quiero caminar" [E, MEX 2008]

2011-08-07T14:37:00.003+02:00

Gib' spanischen Weibern 'ne Knarre in die Hand und 'ne "Wild Bunch"-DVD. Der testosterongeschwängerte, durchgestylte Männerkosmos mit gegelten Haaren und gebügelten Anzügen muss ab sofort zusehen, wo es langgeht. Kann Rache schön sein! "Las Bandidas" ist die Geschichte vierer Blutsschwestern (und Hochstaplerinnen), deren Antwort auf eklige Schlägertypen mit Gewalt geschrieben wird, auf der Jagd nach dem Coup ihres Lebens. Die Geschichte von Liebe. Sinnsuche in der Liebe. Leidenschaft in der Liebe. Leidenschaft und Liebe. Und Geld. Und die weibliche Version des Peckinpah-Klassikers. Kulminierend im selbstreferentiellen Einbruch, in dem zu der actiongeladenen Anfangssequenz parallel mit den abgefeuerten Gewehrschüssen im Film im Film die wenigen Schüsse des Diebstahls kaschiert werden, um ein Autorisierungsprogramm außer Kraft zu setzen. Ganz schön raffiniert. Brillant getimt auf die Sekunde, das Highlight. Ungeachtet dessen setzt Regisseur Agustín Díaz Yanes auf hippe Kameramontagen, schmissige Schnitte, lässige Musik und Natürlichkeit, auf ungeschminkte Gesichter ohne Photoshop, wodurch er mit sympathischer Authentizität punkten kann. Die zweideutigen Schmunzler (Waffenlauf im Mund als metallischer Blowjob) sind angenehm, weder ausufernd noch Konsens, forcieren vielmehr die ironische Aufbrechung tradierter Rollenmuster umso leichtfüßiger: Die Gangster sind trottelige Sonderangebotsganoven, die gern in den Puff gehen, sich ebenso gern einen blasen lassen (der Grund, warum später geheiratet werden könnte), "Pretty Woman" singen und Frauen als individuell herumschubsbares Sexualobjekt behandeln, aber bei Gefahr männlicher Konkurrenten den Schwanz einziehen. Dem Latino-Machismo in den Allerwertesten getreten. Herrlich! Ausdrucksstark interpretiert, insbesondere von Diego Luna (dem Gesunden mit Babyface) und José María Yazpik (dem Kranken mit Machtanspruch). Dass fürs maskuline Auge etwas geboten wird, wenn sich die Frauen in figurbetonten Outfits durch allerlei selbst geschaufelte Löcher, Tunnel, Wände graben und hindurchzwängen – natürlich: das sieht schick aus. Dagegen versäumt es das Drehbuch durchgängig jene spritzige Unbekümmertheit aufrecht zu erhalten, für die "Las Bandidas" Vergnügen bereitet. Haufenweise, teils unverständlich konzipierte Subplots werden angeschnitten (der Nachwuchstorero im Café, Gabriels Familienzwistigkeiten), unzureichend fallengelassen, wieder aufgedröselt, als ob sich der Film nicht entscheiden kann und stattdessen alles auf einen gemeinsamen Nenner krampfhaft zu bringen versucht. Die Taktiken und lebensgefährlichen Komplikationen, überhaupt das Einbruchskonzept eines fesselnden Heists als solches übergeht der Film zudem vollständig, sodass der Zuschauer in den meisten Fällen verwirrt dreinschaut, wie das und jenes ausgedacht wurde. Der Film liefert partout keine Erklärungen, bisweilen keine Psychogramme wer für was in der Mission zuständig ist. Sobald sich Yanes außerdem auf Dramatik konzentriert, schöpft er sie nicht aus, weil er schnell zur nächsten Szene springt. Das ist eindeutig zu viel der Kompliziertheit eines im Kern doch so bequem unkompliziert-schwingenden Gangster(innen)flicks.

6/10

In aller Kürze: "Breakdown" [USA 1997]

2011-08-05T13:47:00.003+02:00

Sengende Hitze, leere Umgebungen, eine Allegorie der figuralen Innenlandschaft des Protagonisten Jeffrey Taylor (Kurt Russel), der sich in einem lebensfeindlichen Raum vom liberalen Stadtmenschen zum archaischen Überlebensrowdy wandelt und symbolisch reinigt, um seine entführte Frau (Kathleen Quinlan) zu finden. Des Öfteren steht er in sengender Hitze allein in weiter Leere. Mostow handwerkelt in ähnlicher Art wie Spielberg in "Duell": die mit ausgefallenen Kamerawinkeln eingerahmten Blicke vertrauensunwürdiger Gesichter zwielichtiger Gestalten brummender Monster (diffuseste Bedrohungen im Sand: Fahrzeuge) befeuern die Paranoia. Die klassische Frage richtet sich ans Publikum: "Was würdest du tun"? "Breakdown" ist ebenso klassisch zusammengeklebtes Subtilkino mit keinem Schnörkel zu viel und einer beträchtlichen Menge perfider Manipulation in der direkten Kommunikation mit dem Zuschauer, in dem jeder sich anhand eines merkwürdigen Zuckens verraten könnte, in dieser wüstenartigen Zwischenzone von Paradies und Hölle. Spannungsgeladene Thrills falscher Verdächtigungen, langhaarige Trucker und absonderliche Kneipen mit kampfeslustigem Personal nähren Unsicherheit und Gefahr. Mostow macht Einiges richtig, setzt in erster Linie auf einen verzweifelten Kurt Russel und einen abgeklärten J. T. Walsh, begleitet mit der atmosphärischen Untermalung Basil Poledouris. Allzu früh lässt er allerdings die Katze aus dem Sack, dabei war die Story anfangs effektiv verknotet. Hätte Mostow die Spannungssauce aus Anspannung der ersten Hälfte weiter gerührt, hätte dies ein merklich besserer Film werden können. So aber ist der Actionanteil in der zweiten Hälfte zwar gefällig (Mostow bleibt ein veritabler Krawallregisseur) und wird immer wieder von eindrucksvollen psychologischen Schweißausbrüchen unterbrochen (Fiktion und Realität, trügerische Hoffnung und sehnsuchtsvolle Wunschvorstellung verschwimmen in der argwöhnischen Banksequenz vollends), aber letztendlich zu großspurig, als dass es dem Film in seiner mit wenigen Mitteln ein Höchstmaß an Intensität zeugenden Ambition zugestanden hätte.

6/10

Gesehenes - Juli '11

2011-08-02T13:39:00.002+02:00

"Der Tiger von New York" [USA '55 / Stanley Kubrick] - 5,5/10

"Die Rechnung ging nicht auf" [USA '56 / Stanley Kubrick] - 6,5/10

"Wege zum Ruhm" [USA '57 / Stanley Kubrick] - 6,5/10

"Spartacus" [USA '60 / Stanley Kubrick] - 8/10

"Spider-Man" [USA '02 / Sam Raimi] - 4,5/10

"Spider-Man 2" [USA '04 / Sam Raimi] - 7/10

"The Gift - Die dunkle Gabe" [USA '00 / Sam Raimi] - 5/10

"Transformers 3" [USA '11 / Michael Bay] - 2/10

"The Rock - Fels der Entscheidung" [USA '96 / Michael Bay] - 7/10

"Con Air" [USA '97 / Simon West] - 6/10

"Explosiv - Blown Away" [USA '94 / Stephen Hopkins] - 4/10

"Ein mörderischer Sommer" [F '82 / Jean Becker] - 5/10

"Fluch der Karibik - Am Ende der Welt" [USA '07 / Gore Verbinski] - 7/10

"Verfluchtes Amsterdam" [NL '88 / Dick Maas] - 4,5/10

"All the Boys Love Mandy Lane" [USA '06 / Jonathan Levine] - 6,5/10

"Westworld" [USA '73 / Michael Crichton] - 6/10

"Mr. und Mrs. Smith" [USA '41 / Alfred Hitchcock] - 6/10

"Einer flog über das Kuckucksnest" [USA '75 / Milos Forman] - 10/10

"Fessle mich!" [E '90 / Pedro Almodóvar] - 5,5/10

"An American Crime" [USA '07 / Tommy O'Haver] - 7/10

"Hulk" [USA '03 / Ang Lee] - ohne Wertung

"Ghost Dog - Der Weg des Samurai" [USA '99 / Jim Jarmusch] - 7/10

"Ausgelöscht" [USA '87 / Walter Hill] - 4/10

"Invasion U.S.A." [USA '85 / Joseph Zito] - 5/10

"Drive Angry" [USA '11 / Patrick Lussier] - 5,5/10

"Django" [I, E '66 / Sergio Corbucci] - 6/10

"Der weiße Hai" [USA '75 / Steven Spielberg] - 7/10

"Der weite Himmel" [USA '52 / Howard Hawks] - 6,5/10

"Bangkok Dangerous" [USA '08 / Oxide Pang Chun, Danny Pang] - 3,5/10

"Dead Man Walking - Sein letzter Gang" [USA '95 / Tim Robbins] - 7/10

"Riddick: Chroniken eines Kriegers" [USA '04 / David Twohy; Director's Cut] - 3/10

"Vengeance" [F, HK '09 / Johnnie To] - 5,5/10

"Lizenz zum Töten" [UK, USA '89 / John Glen] - 6/10

"Grifters" [USA '90 / Stephen Frears] - 4/10

"Der Tiger von New York" / "Killer's Kiss" [USA 1955]

2011-07-20T16:55:00.001+02:00

Schauspieler mittelmäßig, Thema idiotisch. Im Rückblick auf seinen zweiten offiziellen Spielfilm – sein erster Film "Fear and Desire" war so schlecht, dass er glatt alle Kopien aufkaufte – ließ Stanley Kubrick einige Jahre später kein gutes Haar am "Tiger von New York". Es sei ein dämlicher Film, ausnahmslos dilettantisch gefilmt, trotz einiger zufriedenstellender Passagen. Das trifft es gut, ziemlich gut, obgleich Kubrick seine Filme meist ungemein kritischer einschätzte als sie schlussendlich waren. "Der Tiger von New York" taugt heute stellvertretend dazu weniger als filmmechanisch ausgewogener Noir, sondern als interessante Auseinandersetzung mit dem kinematografischen Reifeprozess des Regisseurs als solches. Der Film verkörpert eine stilistische Fingerübung, ebenso wie eine kleine Kammerspielmusik in Anbetracht dessen, welche großen Symphonieorchester später folgen sollten. Er gibt einen Vorgeschmack auf Symbole, Motive, Perspektiven, er eröffnete die Suche, der Suche nach der vollendeten Kunst mit manischer Besessenheit, der Suche nach dem perfekten Bild in einer perfekten Einstellung eines perfekten künstlerischen Erzeugnisses. Noch war diese Suche nicht abgeschlossen, Kubrick suchte nach diesem Film weiter; "Der Tiger von New York" war keinesfalls ausbalanciert im Verhältnis zwischen Technik und Geschichte, aber er wusste wesentlich mehr über seinen Schöpfer vorwegzunehmen als zukünftige Projekte nach ihm.

Kubricks ausgeprägte Affinität zu gesellschaftlichen Außenseitern lässt sich bis zum "Tiger von New York" nachvollziehen; auch später widmete er menschlich gebrochenen und sozial isolierten Figuren ihre eigenen Filme. Jahrzehnte vorher interessierte ihn bereits das Einsame der Seele, in dem er den erfolglosen Boxer Davy Gordon (Jamie Smith) ins Zentrum der Handlung einer klassischen Dreiecksbeziehung rückt, die bei Entflechtung der jeweiligen Beziehungen untereinander eigentlich überall Außenseiter offenbart. Da ist der introvertierte Boxer, alleingelassen und auswegsuchend, vielleicht mit Hilfe einer Frau. Da ist seine finanziell angeschlagene Freundin (Irene Kane), seine zukünftige neue Frau, das kleine Häufchen Elend, zwangsverliebt und auswegsuchend, vielleicht mit Hilfe eines Mannes. Da ist ihr ehemaliger Geliebter (Frank Silvera), der skrupellose Gangsterboss, der Henker, wie er genannt wird, kaltherzig, aber auch verletzlich, auswegsuchend, vielleicht mit Hilfe einer Frau, die ihm den Status von Macht verleiht. So schließt sich der Kreis. Das Ziel eines jeden Einzelnen ist gleichzeitig der Ausweg des jeweils anderen. Und am Ende schließt sich der Kreis tatsächlich: Kubrick inszeniert ein zuckersüßes Happy End, wo der Name "David" kaum zartschmelzender ausgerufen werden könnte. Des Regisseurs stets anhaftender Ruf des kühlen, an Wärme und Schicksal vorbeinszenierenden Laboranalytikers wird damit (ironisch, wohlgemerkt: das Studio wollte einen optimistischen Schluss) ins Gegenteil verkehrt. Jeder bekommt am Ende das, was er in den Augen des Publikums moralisch verdient.

Möge Kubrick in "Der Tiger von New York" gewohnt nach dem visuell-Erhabenen nachschnüffeln, erhaben ist sein Inhalt nicht. Die narrative Unbeholfenheit angesichts eines in den Kinderschuhen steckenden Ausnahmekünstlers oszilliert zwischen verquasselter Schwarzer Serie, abgestandenem Melodram, verschachtelter Rückblendenerzähle und rudimentärer Boxerstudie, je länger Kubrick erzählt; so lange, dass selbst eine knappe Gesamtlaufzeit von etwas mehr als einer Stunde nichtsdestoweniger Überlänge heraufbeschwört. Manches arbeitet Kubrick hinein, ohne sich dessen bewusst zu sein, dass es weder Sinn noch Mehrwert bedeutet. Natürlich ist die Möglichkeit anhand des geringen Budgets begrenzt, spektakuläre Haken zu schlagen. In einer Szene versucht Kubrick dies sogar zu kaschieren, wenn er vor dem Hintergrund einer tänzelnden Ballerina die Leidensgeschichte dieser mit dem Voice-over ihrer Schwester Gloria (Kane) erzählt. Allerdings: Es ist nicht von Belang, nicht für die Handlung, nicht für die handelnden Personen, es gewichtet nichts Zusätzliches oder lenkt oder dirigiert, es schwebt stattdessen in der Luft und hängt da oben als ein verlorenes Puzzleteil, das auf seinen vermeintlichen Anschluss an die anderen Teile wartet. So auch die mehrmals angerissene Onkelgeschichte, zu dessen Ranch Davy eingeladen wird, um dort eine Auszeit zu nehmen – ein weiteres verlorenes Puzzleteil, ohne Anschluss, vollkommen unwichtig, Ballast, den es abzustreifen gegolten hätte.

Kubricks absonderlicher Genrehybrid spiegelt auf der erzählerischen Ebene also konsequent seine vorsichtige Suche wider, die schon bald modifiziert, geölt und schließlich vollständig zum Laufen gebracht werden sollte. Bis dahin ist es ein langer Weg. Es überrascht kaum, dass im zweiten Film seine Charaktere noch austauschbares Massenwerk ähneln, Stereotypen, nicht besonders gut gezeichnet, im Grunde ebenfalls antrieblos, ausgesaugt, schlapp, kraftlos, nichts weiter als Abziehbilder und Knieverbeugungen traditioneller Noir-Schablonen: die blonde, undurchsichtige Femme Fatale, der heldenhafte Looser, der durchgestylte Böse, dunkel angezogen, mit dunklen Absichten. Und das obligatorische Opfer zur dramaturgischen Richtungsänderung, hier: Davys Boxfreund aus der Sporthalle, Albert (Jerry Jarret). Das ist größtenteils unsicher gespielt, keine Frage (am ehesten sticht Silvera heraus), aber gerade nicht so eklatant unsicher, dass es nicht authentisch sein könnte.

Da, wo Kubrick narrativ kleckert, protzt er audiovisuell – und nimmt einige, bald zu seinem Markenzeichen avancierende Stilmittel vorweg. Sein kompositorisch-streng-spröder, allegorisch-naturalistischer, Licht und Schatten durchsetzter Handkamerastil eines Hochglanzmagazinfotografen (der er einmal war) ist geprägt von Experimenten mit der Mise-en-scène. Eine Verfolgungsjagd missbraucht er buchstäblich dazu, der Verfolgungsjagd jedwede Spannung zu rauben. Lieber rahmt er die dadurch nebenher entstehenden Panoramaaufnahmen – nicht zum allerersten Mal – zum ergrauten Gemälde einer zur Trostlosigkeit erstarrten Großstadt ein. Sobald er die Verfolgung auf ein Dach verlagert, montiert er diese als einzigen Kameraschwenk im Wechselspiel mit ästhetischen Vogelperspektiven, um das Finale metaphorisch in einer Schaufensterpuppen herstellenden Fabrik zu verschieben. Surrealismus im Angesicht des ultimativen Zweikampfes, dessen Ausgang darüber entscheiden wird, wer das Mädchen bekommt und wer nicht. Kubricks handwerkliche Ideen sind vielfältig, sein handwerkliches Geschick zum damaligen Zeitpunkt beachtlich. Mafiaabgesandter Rapallo (Silvera) schleudert aus grenzenloser Wut ein Glas auf ein an der Wand hängendes Bildnis, nur dass das Glas nicht das an der Wand hängende Bildnis trifft, es trifft direkt die Kameralinse und versetzt ihr einen Riss. Anderes Beispiel: Die ausladende Boxszene erinnert an Scorseses viel später entstandenem "Wie ein wilder Stier"; die Kamera filmt beide Kontrahenten von der Seite, von unten, hektisch, wacklig und wird zu Boden geschmettert, blickt zur Decke auf, in jenem Moment, als der tödliche Schlag den Gegner genauso zu Boden schmettert.

Kubrick wird weiter suchen, formale Perfektion und ökonomisches Erzählwerk auf einen gemeinsamen Nenner zu bringen. Bis dahin verbleiben wir mit einem nett gemeinten "knappüberdurchschnittlich" für den Tiger. Von New York.

5,5/10

In aller Kürze: "Mosquito Coast" [USA 1986]

2011-07-14T18:20:00.005+02:00

In den Untiefen des Dschungels verloren gegangene und anhand eines deutschen Releases, das noch auf sich warten lässt, tendenziell vergessen geglaubte Exotikexpedition des in allen (Genre-)Schubladen energetische Werke inszenierenden Peter Weir. Ford holt den ökophilosophisch-cholerischen, fanatisch-reaktionären Klaus Kinski aus dem Grab, den Zorn [der Wissenschaft], einen Weltverbesserer. Er imitiert zwischen verdorrten Sträuchern, heruntergekommenen Hütten und ausgebrannten Idealen einen gottlosen Prediger, dessen Land einem taumelnden, vor sich hin hustenden Zombie ähnlich durch die Marktwirtschaft streift, an jeder Naht zu implodieren droht und an die unausweichliche Apokalypse eine nett geschriebene Einladung zur Geburt zivilisatorischen Nullpunktes schickt. Direkter ausgedrückt: Dieses Land geht vor die Hunde! Und was macht man da? Raus aus dem Kapitalismus! Eis produzieren! Aus Liebe unter anderem auch. Dafür, dass man sein Land nicht mehr beim Siechtum zuschauen möchte. Weir klappert mit geruhsamer Hand die Stadien des seelischen Verfalls Allie Fox' (so eindrücklich wie nie: Harrison Ford) ab. Die Charakterisierung resultiert aus den erbitterten, eloquent geschriebenen Monologduellen Paul Schraders. Der heroische Idealismus, mit dem sich Fox infizierte, führt im Körper nach der Inkubationszeit zu Wahnsinn, Mord und Totschlag. John Seals beruhigende Kameraaufnahmen pittoresker Natur, obgleich sie sich gerade in den Totalen nicht sonderlich spektakulär präsentieren, neigen (aus diesem Grund vermutlich) immer wieder einen Anflug von Fäulnis, Zersetzung und Rückwärtsentwicklung zu zeigen, ungeachtet, dass ein Mann eine Mission vom sozialeren Leben umzusetzen versucht und damit anfangs erfolgreich umzugehen weiß.

Angekommen in Honduras, erkennt Fox während einer Bootsfahrt allerdings niederschmetternd (er möchte das Steuer übernehmen, wird aber zurechtgewiesen), dass wider Erwarten selbst hier, in diesem Land ohne Perspektive, alles festen Regeln folgt sowie der Weg zum ungezwungenen Paradies steiniger als ursprünglich gedacht ausfällt. Im Mittelpunkt vertraut der Film zwar Harrison Ford komplett, vergisst aber sein Nebenpersonal dementsprechend eklatant. Helen Mirren verfällt der blassen Eindimensionalität völlig, hat vor allem kaum erinnerungswürdige Szenen, die mehr als bloßes Kopfschütteln zur Seite (Ablehnung) oder Kopfschütteln von oben nach unten (Zustimmung) bedeuten könnten. Der junge, talentierte River Phoenix in der Rolle des diplomatischen Vermittlers muss sich ebenfalls in dem wenigen Handlungsraum, den er hat, entfalten. Dass das selten gelingt; check. Dass eine stärkere Fokussierung vonnöten wäre; check. Fesselnder wäre es, wenn Fox einen direkten Kontrahenten innerhalb der Familie respektive des neuen Freundeskreises hätte, der bereit wäre Fox' diskutierbare Ansichten auch einmal argumentativ anzuzweifeln, statt bedingungslos zu schlucken. Rudimentär ist "Mosquito Coast" ohnehin in der gewollt ambivalenten Zeichnung – exzentrisch und treusorgend – seines Protagonisten formuliert. Allie Fox beweist sein Engagement bei den Einheimischen, beleidigt später jedoch den sympathischen Bootsfahrer Mr. Haddy (Conrad Roberts) auf rassistisch niedere Weise. Um Aufklärung dieser scheinbar unlogischen Widersprüchlichkeiten hetzt der Film hinweg. Resultat: Faszinierendes Harrison-Ford-Egowichsen in einem kopfbetonten Geheimtipp mit vereinzelt unnötig schlampigem Drehbuch.

6,5/10

In aller Kürze: "The Royal Tenenbaums" [USA 2001]

2011-07-09T20:56:00.004+02:00

Würde das eindeutig-uneindeutige Attribut "normal" auf Familien, wie du und ich sie möglicherweise haben, zutreffen, die Tenenbaums wären garantiert nicht normal. Vorgetäuschte Krebserkrankung zur angepeilten Familienvereinigung angesichts zahlreicher Versäumnisse und Erschießung des Sohnes beim Ballerspiel mit echtem Schrot, obgleich im selben Team (begnadet diametral zu seinen diabolischen Schurkenrollen: Gene Hackman), voyeuristisches Stalker-Interesse am neuen Liebhaber (ein schwarzer, alter Sack; Danny Glover) seiner Noch-Ehefrau (Anjelica Huston), zwei literarisch wie sportlich anfangs phänomenal in die Höhe geschossene, später literarisch wie sportlich phänomenal in die Tiefe gefallene Jungs (Luke Wilson, Owen Wilson), ein paranoider zweiter Sohn (Over-Acting-Deluxe: Ben Stiller), der seine Söhne wiederum zu Weltmeisterschaftssprintern züchtigen will, um nach einem Feueralarm inklusive Hund unbeschadet aus dem imaginär brennenden Heim zu stolzieren (sie müssen dafür 16x pro Woche trainieren), eine seit 22 Jahren kettenrauchende, neunfingrige, aber Theaterstücke schreibende und sich täglich acht Stunden im Badezimmer einschließende, depressive Tochter (umwerfend: Gwyneth Paltrow), von der jeder annimmt, dass sie nie einen Glimmstängel gesehen hat. Es musste so kommen: Was folgt, ist die tägliche XXL-Dosis Familienmisere, das wilde Chaos introvertierter Gestalten und ihren persönlichen Differenzen zueinander, das mit Schlaglöchern übersäte Katastrophengebiet zwischenmenschlicher Beziehungslandschaften, die verzweifelte Suche nach dem Sinn des Lebens bei unerfüllter Liebe, Vergangenheitsbewältigung, Vergebung, Enttäuschung. Schicksal. Dicht versponnen, spielfreudig geschauspielert und doch auf eigenartige Weise liebenswürdig, das ist Wes Andersons dritter Spielfilm, ein pointierter Ensemblefilm, wo die Komik mit der Elegie einhergeht, mit schubkarrenweise Stars und pompösem Exterieur aus bunten Kulissen, poppigen Kleidern sowie erlesenen Kompositionen.

Anderson organisiert den Film selbstreflexiv wie ein Theaterstück in Kapiteln, einschließlich Pro- und Epilog. Die Fülle an popkulturellen Anspielungen, musikalischem Rundumschlag quer durch die Epochen und überbordender Fabulierkunst sieht es vor, jede einzelne Figur zunächst mit Zwischenüberschrift und Voice-over vorzustellen, bevor die Handlung beginnen kann. Dabei neigen "Die Royal Tenenbaums" nicht zu einer pathologisch-vielschichtigen, religiös unterfüttetern Analyse komplexer Unzulänglichkeiten lose verknüpfter Charaktere im Stile eines "Magnolia", Andersons Ansatz ist mehr ein satirischer, ohne seine skurrilen Protagonisten der Lächerlichkeit preiszugeben. Anderson karikiert seine exzentrische Sippschaft zwar genüsslich, aber nie zur Karikatur ihrer selbst. Man identifiziert sich, man erkennt sich wieder, nichtsdestotrotz. Der Witz zündet häufig, ist nie zu doll und nie zu Konsens, er ist sanft und lakonisch und manchmal sogar richtig wohltuend in der Kunst des Zurücknehmens infantiler Schenkelklopfer, es ist der unverbrauchte Anderson-Humor, oft ist ein einziger lustiger Satz ausschlaggebend, ein einziges lustiges Wort ("Verpissen wir uns."), ein einziger lustiger Meinungsaustausch. Die Regieideen sind vielseitig, sind nie zu artifiziell, nie auf ihre bloße Schrägheit reduziert. Und immer, wenn man versucht ist zu glauben, Anderson laufe Gefahr dann doch in die verkitschte Kerbe aufgesetzter Rührseligkeiten zu schlagen (so, als Eli Cash, verkörpert von Owen Wilson, sich unter Tränen freiwillig zur Drogenklink einweisen will), immer, wenn man also zu glauben scheint, der Film sei naiver als er vorgibt, ist der Film in Wahrheit intelligenter als der Rezipient selbst: Cashs sentimentales Versprechen diente als Lüge für die Flucht. Fernab des kleineren Mankos der tatsächlich viel zu abrupten Katharsis Royal Tenenbaums (kurioserweise am unmoralischsten und gleichzeitig am verletzlichsten, dieser Royal Tenenbaum) vermittelt Anderson den wiederhergestellten Familiensegen nicht euphorisch als einseitige Erkenntnis, sondern hoffnungsvoll als Chance, weil es schwer ist, den inneren Schweinehund urplötzlich vollständig zu überwinden. Fehlt nur noch Aimee Mann. Wise Up! Save Me! Oder gleich beides. Wäre ihm der andere Anderson nicht zuvor gekommen.

7/10

Gesehenes - Juni '11

2011-07-03T14:07:00.004+02:00

"Fluch der Karibik" [USA '03 / Gore Verbinski] - 7,5/10

"Pirates of Caribbean - Fluch der Karibik 2" [USA '06 / Gore Verbinski] - 6/10

"Donnie Darko" [USA '01 / Richard Kelly; Kinofassung] - 6/10

"Southland Tales" [USA '06 / Richard Kelly] - 2,5/10

"The New World" [USA '05 / Terrence Malick] - 9/10

"The Tree of Life" [USA '11 / Terrence Malick] - 4/10

"The Score" [USA, D '01 / Frank Oz] - 3,5/10

"Hexenkessel" [USA '73 / Martin Scorsese] - 6,5/10

"Catch Me If You Can" [USA '02 / Steven Spielberg] - 7/10

"Erbarmungslos" [USA '92 / Clint Eastwood] - 8,5/10

"Die Royal Tenenbaums" [USA '01 / Wes Anderson] - 7/10

"Lost Highway" [USA, F '97 / David Lynch] - 7/10

"13 Assassins" [J, UK '10 / Takashi Miike] - 1,5/10

"72 Stunden - The Next Three Days" [USA '10 / Paul Haggis] - 6/10

"Mosquito Coast" [USA '86 / Peter Weir] - 6,5/10

"M - Eine Stadt sucht einen Mörder" [D '31 / Fritz Lang; 2x gesehen] - 7/10

"Bis das Blut gefriert" [USA, GB '63 / Robert Wise] - 6/10

"Irreversibel" [F '02 / Gaspar Noé] - 7/10

In aller Kürze: "Catch Me If You Can" [USA 2002]

2011-06-20T19:31:00.003+02:00

Locker-flockiges Katz- und Maustheater, im Kostüm der Maus versteckt sich diesmal der raffinierte Trickbetrüger (fantastisch: Leonardo DiCaprio), und wird gejagt vom humorlosen Kater, dem pedantischen FBI-Ermittler (Mittelmaß, eher befremdlich: Tom Hanks), dessen Aufgabe es ist, raffinierte Trickbetrüger dingfest zu machen. Doch dieser hier entpuppt sich als ungemein raffinierter – mit neuartigen Scheckbetrügereien und einer Menge an ungebrochenem Willen jobbt er sich bis in die renommiertesten Tätigkeitsfelder hoch, um dem Finanzamt ein auszuwischen. Steven Spielberg erzählt dieses auf wahren Begebenheiten beruhendes Gaunerstück so locker wie Schlagsahne, ohne übermäßige Kalorien beizumischen. "Catch Me If You Can" verbandelt Spielberg-Topoi mit in flüchtigen Schwenks getauchtem, lichtdurchflutetem Swinging-Sixties-Zeitkolorit, wodurch die nun schon seit Jahren unerschütterliche Spielberg-Kaminski-Kollaboration wieder einmal allzu deutlich ihre Spuren verlässt. Auch die Spielberg-Williams-Paarung gefällt ausnahmslos. Williams komponierte zwischen verschnörkelter Comedymusik und spritzigem Jazz-Scoring der Zeit angemessene, atmosphärische Leitbilder. Und vergoldet das goldige Opening im Dienste krakeliger Zeichentrickmalerei furios. "Catch Me If You Can" vergrößert den narrativen Spielberg-Radius bruchfester Lieblingsmotive dabei nicht sonderlich. Das Vater-Sohn-Verhältnis (Christopher Walken!), aus dem der Regisseur die Essenz seines Dramaanteils destilliert, bleibt ebenso ausführlich erwähnt wie moralische Werte innerhalb der Familie, die schlussendlich dennoch nicht darüber hinwegtäuschen können, dass sie unweigerlich zur familiären Zerrüttung führen. Das sichtlich um Komödie und Krimi kreiselnde Drehbuch (Jeff Nathanson) gesteht den Figuren viel Freiraum zur Entfaltung zu (vor allem Frank Abagnale, jr.), während es die Zeitebenen oft kreativ, aber nie selbstzweckhaft wechselt. Auffallend, dass Spielberg weder heroisiert, noch ideologisiert, und trotzdem der Kriminelle in wechselndem Outfit denn jener Idealist in Uniform als Identifikation herhält. Der Humor ist indes ein erheiternd-pointierter und tänzelt auf leichtfüßigen Schritten durch die federleichte Geschichte, bei der Spielberg dem Zuschauer einen unerschöpflichen Wust an Zufällen, Irrtümern, Kalkulationen, Bauchgefühlen und Verdächtigungen entgegenschmettert. Ironisch wird es, wenn die beiden ungleichen Typen ihre Gemeinsamkeit erkennen und sich am Weihnachtsfest anrufen. Sie reden grundlos aufeinander ein. Müssen erkennen: Weg von der Familie, der Liebe, hinein in die Einsamkeit, trotz materiellem Reichtum und erfolgreicher Karriere sind die einzigen Freunde immer noch der Bleistift und der Bankcheck; so niederschmetternd tragikomisch kann Spielberg sein. Mit "Catch Me If You Can" befindet man sich ungeachtet der holprigen Schlusswendung in Frankreich und der mutlos konsensbefriedigenden Friede-Freude-Eierkuchen-Mentalität nach Frankreich unter der sicheren Hand eines mal naiven, mal stilsicheren Geschichtenerzählers, der das umsetzt, was man von ihm erwartet: erzählen. Ganz ohne Realismus, aber mit Esprit. Und ganz ohne Hochstapelei.

7/10

In aller Kürze: "The Score" [USA, D 2001]

2011-06-10T21:14:00.005+02:00

Heist und Nostalgie aus vergessen geglaubten Zeiten, in der Gangster smart, gediegen und romantisch ihren Auftrag erledigten, sich zwischenzeitlich verliebten und der altmodische Handwerkskasten noch dem viel zu komplizierten Computer vorgezogen wurde. Aus dieser Zeit wirkt "The Score" wie aus der Zeit gefallen. Gleichwohl: "The Score" vermag nichts bahnbrechend Originelles dieser Zeit hinzuzufügen; nichts Neues von der "Rififi"-Front, nichts Neues vom guten, alten Brechein-Brechaus-Spiel, außer Vorbereitung, Durchführung, Erfolg oder Misserfolg, de facto außer abgestandenen Mythen und längst Verhandeltem. Einzig Howard Shore und Jamie Harrold versprechen kleinste, gemeinsame Auflockerung. Bezeichnend, dass sich Frank Oz' bleierner Spannungsbogen mit den auf Routine verlassenden, ganz und gar langweiligen Protagonisten neutralisiert. Robert De Niro ist bemüht, seine Rente lustlos einzufahren, und das möglichst ohne Aufwand (eine Prozedur, die bald zum Konjunkturschlager avancieren wird); kann man ihm nicht verdenken, aber man muss es nicht gutheißen. Aus dem Marktschreier ("Hexenkessel") ein kauziger, schüchterner Sack. Marlon Brando macht mit seiner letzten Rolle des dahinsiechenden Obermackers währenddessen ein Angebot, das man jederzeit ablehnen sollte. Und Edward Norton? Okay, so einigermaßen frischer Wind in die eintönige Altherrenriege, teils der Spastiker, teils der Freak am PC, hauptsächlich jedoch jener, der seinen Partner Nick Wells (De Niro) anhand moderner Kommunikationstechniken und wenig Aufwand übertrumpfen möchte. Daraus gerinnt die Quintessenz: Dem Duell zwischen neu und alt, modern und antiquiert, zwischen Opa und Sohn, darauf läuft alles hinaus. Man fühlt sich am Ende aller Vorteile des Computerzeitalters zum Trotz unzweifelhaft befreiend, dass der Vorsichtige von vorvorgestern gegen den Zocker von heute gewonnen hat. Wäre da nicht die Vorhersehbarkeit. Prinzipiell leitet die Kamera (Rob Hahn) jeden Twist ein, was dem Twist seine Überraschung raubt: Schwenk auf einen misstrauisch dreinblickenden Cop (natürlich, dieser Cop wird sukzessive misstrauisch und vermasselt den Plan), Schwenk auf das geraubte Zepter (natürlich, es wird höchstwahrscheinlich das Falsche sein), Schwenk auf einen teuflisch grinsenden Edward Norton, der sich bewusst einige Minuten Zeit lässt, das Alarmsystem abzuschalten, damit Nick Wells physikalisch unkorrekt arbeiten kann (natürlich, dieser Edward Norton erlebt zum Ende hin eine Entwicklung zum Bösen). Auch die klassischsten Schnörkel abseits der Haupthandlung – Lovestory, Verschuldung – bleiben Staffage, pure substanzlose Randnotizen eines geleckten Abenteuers, so vorsichtig konzipiert wie die Figur des Nick Wells arbeitet. Es fehlen die Komplikationen, die Methoden, die Unvorhersehbarkeiten, die Lebendigkeit, die Anspannung, das Austüfteln eines Plan B und C und das Leben insgesamt. Gerade das ist es doch, was einen guten Heist ausmacht.

3,5/10

In aller Kürze: "Four Rooms" [USA 1995]

2011-06-09T22:29:00.000+02:00

Ähnlich wie einige ebenfalls zerstückelte und ohne einen erkennbaren roten Faden montierte Episodenübungen hängt auch in "Four Rooms" die Qualität der unterschiedlichen Beiträge maßgeblich davon ab, welcher Regisseur mit welchem (Stamm-)Kameramann mit welchem (Stamm-)Cutter die Fäden im Hintergrund zieht. In dieser unheimlich durchgeknallt-irrwitzigen Silvester-Freakshow anarchischer Zerstörungsorgien und Haken schlagender Absurdität geben sich gleich vier Handwerker die Ehre, wovon der eine gern Trash reanimiert und der andere geschwätzigen Nonsens postmodernisiert – vier exzentrische Filmemacher realisieren vier skurrile Ideen in vier Zimmern eines Hotels. Zusammengehalten, verklebt und von Katastrophe zu Katastrophe per Fahrstuhl eilend: Tim Roth, der den affektiven Jerry-Lewis-Slapstick-Verschnitt allerdings so künstlich-gezwungen spielt, dass sich sein unweigerliches Desinteresse als Hotelpage schnell auf den Zuschauer überträgt – uninteressanter und befremdlicher war Tim Roth nie. Während sich die erste geistlose Hexenepisode (Regie: Allison Anders) darin gefällt, schlechten Trash im Gewand infantiler Grafikspielchen sowie unerotischer Weiblichkeit in Verbindung mit einer vollbusigen Madonna zu verquicken, lässt das zweite Kapitel (Regie: Alexandre Rockwell) trotz eines mehr oder weniger bissige(re)n Humors (mehr Synonyme für des Mannes bestes Stück sind ganz sicher nicht möglich) im Grunde genauso die Chance verstreichen, einen brachialen Knalleffekt dem ganzen Schabernack einer irrtümlichen Verwechslungsklamotte überzustülpen (trotzdem sexy: Jennifer Beals). Das Kurzweilige und weniger Primitive kommt dann leider erst zum Schluss. Im Hotelzimmer #3 lässt Robert Rodriguez unnachahmlich augenzwinkernd, unübertroffen rasant und hochgradig bescheuert eine tote Nutte unterm Bett nach dreckigen Füßen stinken. Dabei soll Timothy, pardon, Ted (!) für zwei furchtbar unerzogene Kinder eines durchgestylten Mafiapärchens (El Mariachi: Antonio Banderas) den Milch und abgestandene Cracker bringenden Babysitter spielen. Geht natürlich schief: Das Zimmer geht schlussendlich in Flammen auf! Ein großer Spaß. Und Tarantinos Abschlussepisode ist gewohnt redselige Talkshow irgendwo zwischen Trivialität (die Tücken des Champagners) und Hitchcock ("Cocktail für eine Leiche"), eine einzige Plansequenz (Andrzej Sekula) mitten durch eine geräumige Penthouse-Wohnung, in der kurze Kameraschwenks auf die nächst gelegene Explosion der jeweiligen impulsiven Figur draufhalten, um im nächsten Moment wieder den durcheinander fabulierenden, besoffenen Tarantino höchstpersönlich in einer ironischen Doppelrolle als erfolgreicher Filmregisseur ins Zentrum einer makabren Wette zu rücken, die sich in ihrem Ausgang endlich einer scharfzüngigen Pointe bedient. Tarantino hat weitaus Originelleres geschrieben, ist jedoch mit seinem Busenfreund nichtsdestotrotz für die gerade so erträgliche Mittelprächtigkeit des Gesamtfilms verantwortlich, durch das ohnehin ein Hauch typischer Tarantino-Style weht – geschmackvolle Szenenwechsel, Kapiteleinblendung, Red-Apple-Zigaretten. Die zwei anderen Regisseure vor ihnen sollten zusammen mit ihrem Teddy hingegen für immer in ihre Zimmer eingeschlossen werden.

5/10

Gesehenes - Mai '11

2011-06-04T17:06:00.003+02:00

"Reservoir Dogs - Wilde Hunde" [USA '92 / Quentin Tarantino] - 7/10

"Pulp Fiction" [USA '94 / Quentin Tarantino] - 8/10

"Jackie Brown" [USA '97 / Quentin Tarantino] - 10/10

"Kill Bill - Volume 1" [USA '03 / Quentin Tarantino] - 8/10

"Kill Bill - Volume 2" [USA '04 / Quentin Tarantino] - 9/10

"Death Proof" [USA '07 / Quentin Tarantino] - 8/10

"Inglourious Basterds" [USA, D '09 / Quentin Tarantino] - 8/10

"Four Rooms" [USA '95 / Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez, Quentin Tarantino] - 5/10 (Review folgt)

"From Dusk Till Dawn" [USA '96 / Robert Rodriguez] - 7/10

"Sin City" [USA '05 / Robert Rodriguez, Frank Miller, Quentin Tarantino] - 6/10

"Solomon Kane" [F, CZ, UK '09 / Michael J. Bassett] - 5,5/10

"The House of the Devil" [USA '09 / Ti West] - 7/10

"Das große Fressen" [F, I '73 / Marco Ferreri] - 6/10

"The Town - Stadt ohne Gnade" [USA '10 / Ben Affleck] - 5/10

"Thomas Crown ist nicht zu fassen" [USA '68 / Norman Jewison] - 6/10 (Review folgt)

"Resident Evil: Afterlife" [D, GB, USA CAN '10 / Paul W. S. Anderson] - 3/10

"Dirty Harry III - Der Unerbittliche" [USA '76 / James Fargo] - 5/10

"Loft - Tödliche Affären" [B '08 / Erik Van Looy] - 6/10 (Review folgt)

"Das Versprechen" [USA '01 / Sean Penn] - 6,5/10

"Heat" [USA '95 / Michael Mann] - 10/10

In aller Kürze: "Kill Bill - Volume 1" [USA 2003] & "Kill Bill - Volume 2" [USA 2004]

2011-05-27T16:28:00.006+02:00

Ganz unabhängig davon, dass "Kill Bill – Volume 1" unterm Strich tatsächlich scheinbar kaum auffällig-selbstzweckhafter mit Stil, Zauber und Verweis seines verrückten Videothekars maßlos vollgefressen ist, markiert "Kill Bill – Volume 1" nichtsdestotrotz eine Art Zäsur in Quentin Tarantinos bisheriger Regiekarriere, die sich vor seinem Epos aus drei Filmen zusammensetzt. Verschwunden ist sie, die schmuddelige, abgefuckte, triste, ausgelaugte Großstadtatmosphäre aus "Reservoir Dogs", aus "Pulp Fiction", stattdessen werden die Bilder geglättet, beleuchtet, auf Vordermann gebracht und auf Hochglanz poliert. Tokio erstrahlt, das Blut erstrahlt, die Wunden zerschnittener Körper erstrahlen, wie alles in diesem ersten "Kill Bill". Verschwunden ist es, das verschachtelte, sprunghafte, ehrgeizig auf episodische Kurzgeschichten manövrierende Erzählwerk. In "Kill Bill – Volume 1" wird zwar auch kapitelweise und gegen die Chronologie der Ereignisse erzählt, aber insgeheim folgt Tarantino einer für seine Verhältnisse geradezu stringenten Rachehandlung ohne explizite Verzweigung. Verschwunden ist er, der hemmungslos illustre Cast aus fünf, sechs, sieben, acht weltberühmten Gesichtern und der damit einhergehenden Fokussierung nicht etwa auf einen Protagonisten, sondern gleich aller. Nein, erstmals schrieb Tarantino ein Drehbuch, passgenau zugeschnitten auf eine einzige Figur, der Rache auf kalt servierenden *piep*, gespielt von einer ebenso physisch durchtrainierten wie psychisch mannigfaltigen Uma Thurman, die ihre persönliche Abrechnung in aalglatten Gesten schultert. Genauso eliminiert: das bedeutungsschwangere Quatschen über die unwichtigen Dinge des Lebens, bekannt als "Tarantino-Dialoge", längst verankert im Einmaleins postmodernen Filmemachens. Keine Diskussionen über Fußmassagen mehr, die Füße samt Zehen werden gleich in Großaufnahme eingefangen, spart ja Zeit und ist direkter im Umgang mit des Regisseurs ausgeprägter Fußliebe. Überhaupt opfert Tarantino zugunsten der Geradlinigkeit seiner überraschend spektakulären Geschichte ausschweifenden Klamauk und empfiehlt sich – auch hier: erstmals – für ein Bewerbungsgespräch als veritabler Actionregisseur, dessen famos durchchoreographierte Endprodukte trotz ihres eigenwilligen Comiccharakters genau das evozieren, was man heute mit der Ausrede des Mittendrin und der auf kommerziellen Aspekten fußenden Familienunterhaltung zu zerstören versucht: Überschaubarkeit, Härte, Kinetik, Energie. Beeindruckend.

Alle anderen filmischen Motive lassen sich auf die kleinste gemeinsame Steigerung herunterbrechen, gleicht man sie mit dem Debüt "Reservoir Dogs", dem vergötterten "Pulp Fiction" und dem unterschätzten Meisterwerk "Jackie Brown" ab: durchtriebener. Durchtriebener das Plündern in der Querverweiskiste. Hier Eastern, da Asia, dort wieder Augenpaare (Italo-Western), darüber die 70er-Jahre (facettenreiche Niederkniemusik) und dazwischen sanfte japanische Weisheiten, zwischen dem brutalen Anime und dem traditionellen Hong-Kong-Film. Verehrung gleich Verbeugung gleich Referenz; niemals war Tarantino kompromissloserer Art-Director, leidenschaftlicherer Kinogänger, cineastischerer Nerd, spielfreudiger, so spielfreudig wie ein kleines Kind beim Geschenkeaufreißen zu Weihnachten. Im Gegensatz zu den seelenlosen Albernheiten eines Robert Rodriguez bleibt es bei Tarantino eben nicht bei der bloßen Aufschichtung popkultureller Haupt- und Nebenströmungen. Seine rot-gelb verfärbte Gewaltoper erweitert das regellose Tarantino-Universum mit neuen unorthodoxen Gesetzmäßigkeiten, in denen sekundenlange Fontänen an Blut aus sämtlichen Körperteilen bis an die Decke spritzen. Vor allem jedoch manifestiert sich Tarantinos Bildsprache in der Gratwanderung zwischen Grausamkeit und Ästhetik. Tarantino, der Ästhet, der Künstler. Immer bereit, dem Ekel seinen Ekel mit Hilfe der Schönheit zu nehmen. Die künstlerisch wertvollen Beispiele in "Kill Bill – Volume 1" sind diesbezüglich lang, der gesamte Film ist berauschendes Sinneschaos. Den Split Screen hat er aus "Jackie Brown" entnommen, ein erstes Highlight im Krankenhaus, wenn in der linken Seite die Arme und Venen der Braut gezeigt werden, während im rechten Bereich die hineinstechende Spritze vorbereitet wird. Oder der erste Frau-gegen-Frau-Kampf zu Anfang, die nicht enden wollenden Filter und, natürlich, schwarzweiß. Nicht zu vergessen der tobende Showdown im Haus der Blauen Blätter, ein wahnwitziges Massaker, dem eine wahnsinnige Plansequenz voraus geht (Kamera: Robert Richardson). Infolge dieses Finales findet Tarantino kraftvolle Montagen und betörende Kontraste, aus denen die Farben sprießen. So kämpfen die schwarz schattierten Schwertschwinger in blauem Licht und der minimalistische, aus Schritten und Blicken geformte Endkampf gegen Lucy Liu wird vor einer poetischen Schneekulisse ausgetragen, ehe "Kill Bill – Volume 1" eine fiese Brücke zum zweiten Film schlägt. Formidabler Größenwahn auf eleganteste Art.

8/10

Quentin Tarantino schlägt dem Zuschauer mit "Kill Bill – Volume 2" ein Schnippchen, veräppelt und verarscht ihn grandios. Glaubte man ihn im ersten Film ohnehin gar nichts (Tarantino, der Actionhero?), so wird man ihn im zweiten Teil anhand der Attitüde, dass die überbordenden Blut- und Schwerteinlagen meditativer Ruhe gewichen sind, garantiert verdammen. "Kill Bill – Volume 2" ist das narrative Gegenstück zu "Kill Bill – Volume 1" und konterkariert vollständig all das, was "Kill Bill" zur kurzweiligen Ketchup-Sause machte. Wo Tarantino ein, zwei Gänge nach oben schaltete, so schaltete er stellvertretend zur Einhaltung des Geschwindigkeitsschilds diesmal ein, zwei Gänge nach unten. Statt Anstieg plötzlich Drosselung, statt unaufhaltsamem Vorwärts mit Verve nun vermeintliche Stagnation ohne artifizielles Rambazamba. "Kill Bill – Volume 2" ist von diesem Standpunkt aus mehr Tarantino, aber deshalb nicht weniger doppelbödig im Umgang mit Brechung, Codierung und Selbstreferenz. Ganz anders, eine Sensation: "Kill Bill – Volume 2" übertrumpft unspektakulär-spektakulär den Vorgänger. Denn Tarantino inszeniert nicht nur erwachsen(er), er inszeniert nebenbei einige der denkwürdigsten Momente seiner Karriere, aus denen Urkräfte herausplatzen. Bereits in der schwarzweißen Rückblende der Hochzeitsprobe, dessen latente Angst angesichts des bald folgenden, monströsen Höhepunktes Magen- und Darmbereich heftig attackiert, trifft die Braut (gewohnt vielschichtig: Uma Thurman) auf Bill (mit durchdringendem Blick: "Kung-Fu"-Star David Carradine). Beide bewegen sich aufeinander zu. Abwechselnde Schnitte zwischen ihren Schuhen und ihren Körpern. Bill genießt seinen Sadismus vor dem Masochismus. Weite Landschaftspanoramen, ein elegischer Blick der Braut gen Zukunft. Tarantino genießt die Poesie im Angesicht der Apokalypse. Und der Zuschauer die Ruhe vor dem Sturm. Mit weiten Landschaftspanoramen extrahiert Tarantino gleichzeitig die Quintessenz seines zweiten "Kill Bills" aus den Untiefen von Pop und Kultur: Eine Hommage an Italo-Western. Italo-Western, wenn sich die selbst gerettete Braut mitten durch die flimmernde Hitze schleppt, um zu töten. Italo-Western, wenn Felsvorsprünge und Wüstenterrains aufgrund monotoner Kamerabewegungen von einem Hauch Epik umweht werden. Italo-Western, wenn Ennio Morricone den Taktstock zur Auflehnung des eigenen Schicksals schwingt. So auch in der unbändigen Begrabungssequenz, wo das Bild schwarz wird, die Luft dünner, der Wille stärker, die Fingerknöchel blutiger, das Holz splittriger. Zweites Highlight, überaus kräfteaufzehrend und intensiv.

Und der dritte Magic Moment folgt sogleich. Uma Thurman vs. Daryl Hannah (gefährlich-einäugig) im abgewirtschafteten Wohnbereich des abgewirtschafteten Budd (lakonisch hauptsächlich im gewitzten Dialog über verfluchte Hüte: Michael Madsen), jeder Schlag auf die Knochen eine laute unbarmherzige Explosion. Offen bleibt, ob die Operation "Kill Bill" wirklich abgeschlossen ist, da Elle Driver (Daryl Hannah) nach Beendigung des brachialen Handkantenaustauschs zwar blind, aber nicht tot ist. Fragezeichen, auch in den Abspanncredits. Wohingegen Tarantinos verschrobener Humor das Töten Budds durch das Gift einer Schwarzen Mamba zulässt. Kalkulation? Selbstverständlich. Thurmans Spitzname als Killerin lautete "Black Mamba"; im übertragenen Sinne war sie also die Schlange, war sie die Killerin. Intelligent! Das letzte Kapitel bietet dann die besten 20 Minuten Tarantino-Kino, aus dem die Fäden zum Netz einer ebenso melodramatisch-ergreifenden wie melancholisch-verstörenden Tragödie gespannt werden. Was muss das für ein Augenblick sein, als die Braut (mit vollständigem Namen Beatrix Kiddo) ihrer todgeglaubten Tochter gegenübersteht! Und was ist das für ein empathischer Augenblick, als die Braut mit ihrer todgeglaubten Tochter ein Video zu den lebensbejahenden Klängen von "About Her" ansieht! Was für eine Wärme, die Tarantino entwickelt! Bill vergleicht in seinem fulminanten Monolog über Superhelden nach seiner fulminanten Analogie eines getöteten Fisches zur ewigen Dualität von gut und böse seine Auftragskillerin kurz darauf mit Superman, der zwei Masken und zwei Kostüme trägt (Beatrix Kiddo mit ihrem Wunsch sich als Mutter zu verkleiden, die allerdings ihr angeborenens Killerkostüm nicht ablegen kann), eine echte Tarantino-Szene, um danach die alles entscheidende 64.000-Dollar-Frage zu stellen. Ab da wissen wir endgültig, dass nicht Hass, Eifersucht oder Neid der Katalysator für Bills Rache verkörperte, nein, es war bedingungslose Liebe, für die er schlussendlich selbst den letzten Gang der Verurteilten antreten muss. "Kill Bill – Volume 2" endet mit einem tröstlichen Familienbild, unentschlossen zwischen Freude und Bedauern, Läuterung und Verzweiflung über das gewonnene Schlachtfeld. Vielleicht ist der Dschungel sicherer geworden, aber noch lange nicht im Lot. Quentin Tarantino jedenfalls, der muss nichts und niemandem mehr was beweisen. Überhaupt nichts.

9/10

"Gehetzt" / "You Only Live Once" [USA 1937]

2011-05-15T22:32:00.001+02:00

Story

Als Eddy Taylor aus dem Gefängnis entlassen wird, will er von nun an ein gemäßigtes Leben mit seiner Freundin Joan führen. Die beiden heiraten und alles scheint sich zum Guten zu wenden. Doch schon nach kurzer Zeit wird Eddy ein weiteres Mal von seiner Vergangenheit eingeholt. Man verdächtigt ihn, an einem Bankraub beteiligt gewesen zu sein. Eddy droht die Todesstrafe. Verzweifelt beteuert er seine Unschuld…

Kritik

Drei Momente.

Erster. Ein Zeitungsfoto einer möglicherweise bald in Druck gehenden Zeitungsausgabe an der Wand. Über den unschuldig inhaftierten Eddie Taylor (Henry Fonda). Auf der Titelzeile in groß: "unschuldig". Eddie lächelt, ist zufrieden, halbwegs, wie der Zuschauer, denn Gerechtigkeit hat scheinbar über die ungerechte Willkür eines hysterischen Staatsapparates gesiegt, wo praktisch jeder böse geboren wird. Doch sobald die Kamera nach links schwenkt, ein zweites Zeitungsfoto einer möglicherweise bald in Druck gehenden Zeitungsausgabe an der Wand. Über den unschuldig inhaftierten Eddie Taylor. Auf der Titelzeile in groß: "Verhandlung vertagt". Eddie ist nicht mehr ganz zufrieden. Die Kamera schwenkt weiter. Ein drittes Zeitungsfoto einer möglicherweise bald in Druck gehenden Zeitungsausgabe an der Wand. Auf der Titelzeile in groß: "schuldig". Eddie ist nicht mehr zufrieden, Eddie ist verbittert. Drei Titelzeilen, drei Zeitungen, drei Auswahlmöglichkeiten, je nachdem, wie man im Prozess Eddie Taylor, angeklagt wegen eines Banküberfalls, entscheidet. Plötzlich bekommt der Zeitungsredakteur in der Zeitungsredaktion einen Anruf, vielleicht vom Gericht, vielleicht vom Informanten, vielleicht von seiner anonymen Quelle. Sie reden. Es dauert nicht lange, als er einem Mitarbeiter zu verstehen gibt, welche Ausgabe gedruckt werden würde, weil er das Urteil kennt. Der Mitarbeiter zeigt auf die letzte von der Kamera eingefangene Titelgeschichte, "schuldig".

Fritz Lang wie eh und je, höchste Erzählökonomie und beachtliches Virtuosentum. Unterschwellig, augenzwinkernd und mit Motiven des zeitgenössischen Stummfilms trampelt der Regisseur auf den Gefühlen seines Publikums, lässt es sowohl aufatmen, hoffen als auch erschaudern. "Unschuldig", "Verhandlung vertagt" und "schuldig", alles abhängig vom Kameraschwenk (Leon Shamroy), von Gesten, von Mimik, vom gesprochenen Wort, das nicht gesprochen wird. Zudem gibt die Szene Einblick in Langs obligatorisch akribische Recherche zu Dreharbeiten eines Films, die mitunter soweit führte, dass er für die jeweilige Regiearbeit vorgesehene Länder bereiste, und spiegelt sein Interesse für den sukzessive in den USA auftretenden Boulevardjournalismus, der sich Leser mit Geschehnissen verdient, die zu Sensationen emporgehoben werden und bei dem Überschriften ohnehin etwas theatralischer ausfallen. Das Gefühl jedenfalls, das verschwindet nicht: Vermutlich arbeitet die Presse noch heute so. Typisch Fritz Lang.

Zweiter. Der für Eddy folgenschwere Banküberfall und zugleich das Ticket auf dem elektrischen Stuhl Platz zu nehmen, eine Schlüsselszene. Es regnet in Strömen, dazu undurchdringlicher, beißender Nebel, der durch die Landschaft wabert. Wir sehen von dem wenigen, was gesehen werden kann, Polizeiautos und verräterische Augen, Augen des Täters, die auf ihre Chance warten, die beobachten, überblicken, analysieren, eruieren. Schnitt. Täter steigt aus dem Auto. Gleich passiert was. Schnitt. Kiste mit Handgranaten und Tränengas. Schnitt. Geworfene Handgranaten und Tränengas. Schnitt. Polizisten sterben. Kein Überblick mehr, blankes Chaos. Das Besondere dieses erst im Nachhinein unnachahmlich manipulativen Kartenspielertricks: Lang schickt alle auf eine falsche Fährte. Nicht Eddie Taylor stellt sich als der Träger beider verräterischer Augen heraus, jener Eddie Taylor, von dem wir es am meisten erwartet hätten, weil wir sein Motiv – Geld – zu kennen glaubten und die darauf folgende, geradezu verzweifelte Kurzschlussreaktion des Überfalls als logische Konsequenz interpretierten, sondern einer, dessen Identität bis Ende wir nicht kennen. Lang löst das Rätsel in der nächsten Szene nach dem Verbrechen auf. Darin stellen wir fest, dass Eddie zur Tatzeit einen Job suchte und der echte Täter Eddies Hut mit seinen Initialen am Tatort hinterließ, um den Verdacht wiederum an Eddie weiterzugeben.

Dritter. Der ultimative Gipfel der Ironie und die Ausweitung der schmerzhaften Situation hinter Gittern in eine ebenso schicksalsträchtige wie fundamentale Erkenntnis. In einer Fritz-Lang-typischen, religiös aufgeladenen, mythischen, da nebulös die Sicht versperrenden und christlich konnotierten Sequenz hofft Eddie Taylor auf das vermeintliche Paradies (wie immer das auch aussehen mag), metaphorisch für das offene Gefängnistor, während er in der Hölle darauf wartet, metaphorisch für das verschlossene Gefängnis, in dem er seine Flucht mit einer Geisel erzwingen will. Verhandlungen zwischen ihm und dem Gefängnisdirektor. Wenn das Tor nicht geöffnet wird, erschießt Eddie den Doktor, die Geisel, leicht zu verstehen. Wohingegen Licht und Schatten alsbald eine finstere Atmosphäre projizieren, infolgedessen das Szenario einem alles verschlingenden Sog gefährlich nahe kommt und die Figuren von schemenhaften Silhouetten mit rudimentären Zügen verschluckt werden. Nachdem bekannt wird, dass Eddie aufgrund des gefundenen Tatfahrzeugs tatsächlich begnadigt wurde, scheint das Dilemma perfekt: Eddie hält es für einen Bluff des Direktors und besteht weiterhin auf die Öffnung des Tores. Um seinen kompromisslosen Willen zu verdeutlichen, zählt er bis 20. Der Direktor ist hilflos, er kennt die Wahrheit, die Eddie nicht glauben kann, selbst seinem besten Freund. Eddie erschießt in tragischer Ungläubigkeit ebenjenen besten Freund, den Gefängnispfarrer Dolan (William Gargan), und marschiert durchs Tor, durch Paradies, mit Pistolenschüssen. Die Kamera verharrt auf dem sterbenden Pfarrer. Missglückte Kommunikation und mangelndes Vertrauen führen unweigerlich zu einem absurden Fatalismus. Ein pechschwarzer Moment des Scheiterns, für alle, für Eddie.

"Gehetzt" wäre ein meisterlicher Film, würde Lang die narrativen Verbindungen zu allen drei Großszenen straffer und weniger dick arrangieren. Ehe die Bank überfallen werden kann, vergehen Minuten über Minuten, in denen es darum gilt, das fokussierte Pärchen – eine, wie sich später herausstellt, frühe Blaupause des Bonnie-und-Clyde-Mythos – in melodramatisch überhöhten Gesten vorzustellen, die sich in einer schrecklich überkitschten Szene exemplarisch als Analogie zu zwei Fröschen sehen, weil, sobald ein Frosch stirbt, beide sterben. Dies führt unweigerlich zu gefühlsduseligen Szenen, die ob ihrer Trägheit unnötig dehnen und ob ihrer Trivialität banaler kaum sein könnten. Unterm Strich tritt "Gehetzt" in die Fußstapfen des noch in den Kinderschuhen steckenden Noirs und verpflichtet sich etablierten (Genre-)Zwischenüberschriften: Bitterkeit, dunkle Mächte, vorurteilsbehaftete Individuen, es geht allgemein um den Kampf von zwei Menschen gegen alle, es geht speziell um Langs Reflektion durch sein gesamtes Schaffenswerk, dem Kampf gegen das Verhängnis und dem Aufbegehren gegen das Schicksal, eingefangen in expressionistischen Schattierungen (man beachte die Schatten der Gitterstäbe von Eddies Zelle aus), düster, korrupt und werteablehnend. Dementsprechend ist es keine Überraschung, als dass Eddie nach der vorläufigen Haftentlassung von der Gesellschafft nicht akzeptiert wird. Er trägt nach wie vor die Tätowierung des Knackis auf dem Rücken, mit dem man lieber nichts zu tun haben will, schon gar keine Beziehung. Keiner hat eine zweite Chance, einmal Verbrecher, immer Verbrecher, einmal zu spät im Job und du musst zusehen, wie du weiter Geld verdienen kannst.

Zusätzlich türmt der Film unglaubwürdige Zufälle und irrsinnige Konstruiertheiten kurz hintereinander auf, und schöpft aus dem Pool des Unwahrscheinlichen. Warum Eddie seine von seinem Anwalt hart erkämpfte Arbeit so leichtfertig aufs Spiel setzt, in dem er anstelle zu arbeiten es vorzieht, ein Haus zu besichtigen, bleibt angesichts der am wahrscheinlichsten Annahme, dass Eddie wegen seines Rufs doch wissen müsste, dass man ihm keine gesellschaftlichen Fehler verzeihen wird, eine fragwürdige, kläglich überhastete dramaturgische Entwicklung. Auch das Schmuggeln der Pistole in eine Einzelzelle ist möglich. Möglich. Problem: Eddie hakt die verschiedenen Stolpersteine bis zur Einzelzelle derart spielend leicht ab (es treten, ganz nebenbei, die erwarteten Reaktionen der Gefängniswärter ein), dass der komplette Wegfall jedweder Sicherheitsmaßnahmen jeglicher Gefängnisse heute keine Utopie mehr darstellen würde, weil sie sowieso überflüssig wären. Lediglich müsste man eine Tasse haben, um auszubrechen. Ähnlich unzureichend ausgekostet ist die nicht vordergründig notwendige, aber von Lang trotzdem implementierte Facette des Kinderkriegens Joan Grahams (Sylvia Sidney), die mitten im wilden Gefühlschaos von Verfolgen und Verfolgtwerden ein Kind gebärt, dieser Sachverhalt allerdings zwecks bedauerlicher Oberflächlichkeit wie ein Lückenfüller denn eine Vertiefung der ohnehin passive(re)n Frauenfigur fungiert.

Streitbar bleibt vor allem Henry Fonda, die aktive(re) Männerfigur. Obgleich die Besetzung insgesamt routiniertes Handwerk abspult, vermag hauptsächlich Fonda als dreifacher Kleinverbrecher bestenfalls mittelmäßig zu überzeugen. Sein kantiges Gesicht korrespondiert keinesfalls mit seiner eleganten Gentleman-Attitüde smarter Intelligenz. Er ist womöglich der nette, mysteriöse Mann von nebenan, aber kein stereotyper Gangster von naivem Format. Er und Sylvia Sidney flüchten schlussendlich mit dem letzten Akt bedingungsloser Liebe zueinander vor den unmenschlichen Mühlen einer selbstgerechten Justiz. Sie versuchen ihr Schicksal zu bereinigen, was zu einer existenziellen Pflicht beider führt. Kennern von Bonny und Clyde dürfte die vorhersehbare Pointe allerhöchstens ein müdes, überraschungsfreies Lächeln entlocken. Der Schluss samt Einschusslöchern und Polizeiverfolgung erinnert merkwürdig eindeutig an die Jahrzehnte später überlieferte und auf vielfache Weise verfilmte Geschichte des legendären Gangsterpärchens, allein, Lang entlockt ihm eine poetische Ebene – beide Protagonisten sterben friedfertig vor dem glückseligen Paradies Arm in Arm.

5,5/10

In aller Kürze: "Solomon Kane" [F, CZ, UK 2009]

2011-05-06T17:14:00.005+02:00

Ungewaschener Mann in schwarz mit Hut und Colt ("Van Helsing") will ein junges Mädchen befreien ("Fluch der Karibik"), um seine Seele zu retten. Er ist eigentlich ein Puritaner, welcher der Gewalt abgeschworen hat und den irrationalen Aberglauben schwarzer Magie mit der Rationalität logischer Wissenschaft bekämpft ("Sleepy Hollow"), weil Gott ihn längt verlassen zu haben scheint. Unterwegs begegnet er alptraumhaften Sagengestalten ("Pakt der Wölfe") und findet heraus, dass sich die Wurzel allen Übels in einem mächtigen Zauberer manifestiert, der die Schwachen vernichtet und die Starken versklavt ("Der Herr der Ringe"). Als ob das nicht genug wäre, gilt es außerdem, den eigenen, entstellten Bruder vom Bösen weg zu bekehren (Vater statt Bruder: "Star Wars"). Man sieht: ein höchst willkürlich zusammengemixter Genrecocktail aus allerlei bekannten Mischzutaten, auf ausgetretenen Pfaden wandelnd und konventionelle Bahnen einschlagend. Regisseur Michael J. Bassett zimmerte eine zwischen familiären Verstrickungen und ambivalenten Glaubensauseinandersetzungen changierende Fantasy-B-Schauerstunde des evangelischen Englands, das durch dunkle Wälder führt und sich durch Horden bizarrer Monster metzelt. Das fühlt sich zwar aufgrund des zu keiner Zeit in die Tiefe gehenden Erzählhandwerks von vorgestern an, sieht andererseits trotzdem verdammt stimmig aus. Bassett kontrastiert lauwarme Lagerfeuerabende mit grauweißen Schneeflocken, hässlichem Unrat, undurchdringlichem Regen, stechendem Nebel, matschigem Schlamm und Eiseskälte, gotische Bauerwerke mit den aufgespießten Köpfen abgebrannter Ruinen eines ausgemergelten Landes. Hexenverbrennungen, Kreuzigungen und landesweite Verbannungen heidnischer Zaubermethoden waren darin die omnipräsenten Mittel zur Verteidigung eigener Werte und verantworten gleichermaßen in abgrundtief schauerliche Farben sprießende wie infernalische Set Pieces. Sowohl originelles Creature Design (Patrick Tatopoulos), blutige Schwertaction (jederzeit übersichtlich), der grimmige Hugh-Jackman-Ersatz (James Purefoy), Kamera (Dan Laustsen) als auch der bombastische Töne anschlagende Score (Klaus Badelt) wissen zeitweilig so manche Dialogstilblüte (tief gesprochen ist noch lange nicht hoch gewonnen), langatmige Durststrecke und den grotesk CGI-überschwemmten Showdown zu überdecken. Durchschnittlicher Klischee-Teufelsspaß ohne doppelten Boden, bei dem der Exorzist (Max von Sydow) nicht fehlen darf.

5,5/10

Gesehenes - April '11

2011-05-03T19:27:00.007+02:00

"Die Sopranos" [Season 6.1, USA '06] - 8,5/10

"Die Sopranos" [Season 6.2, USA '07] - 8,5/10, Gesamt: 8/10

"Jäger des verlorenen Schatzes" [USA '81 / Steven Spielberg] - 6/10

"Indiana Jones und der Tempel des Todes" [USA '84 / Steven Spielberg] - 7/10

"Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" [USA '89 / Steven Spielberg] - 8/10

"Indiana Jones und d. Königr. des Kristallschä." [USA '08 / Steven Spielberg] - 6/10

"Krieg der Welten" [USA '05 / Steven Spielberg] - 7/10

"Krieg der Welten 2 - Die nächste Angriffswelle" [USA '08 / C. Thomas Howell] - 2/10

"Scream" [USA '96 / Wes Craven] - 8/10

"Scream 3" [USA '00 / Wes Craven] - 9/10

"Ran" [J '85 / Akira Kurosawa] - 5,5/10

"Mein Sommer mit Sergej" [RUS '10 / Alexei Popogrebski] - 3/10

"Jarhead - Willkommen im Dreck" [USA '05 / Sam Mendes] - 6/10

"Die Zeit nach Mitternacht" [USA '85 / Martin Scorsese] - 6,5/10

"Network" [USA '76 / Sidney Lumet; 2x gesehen] - 7/10

"Das Böse unter der Sonne" [GB '82 / Guy Hamilton] - 6/10

"Die Queen" [UK, F, I, USA '06 / Stephen Frears] - 6/10

"Ratatouille" [USA '07 / Brad Bird, Jan Pinkova] - 6/10

"James Bond 007: Ein Quantum Trost" [GB, USA '08 / Marc Forster] - 4/10

"The Good, the Bad, the Weird" [ROK '08 / Jee-woon Kim] - 3,5/10

"22 Bullets" [F '10 / Richard Berry] - 3/10

"Gehetzt" [USA '37 / Fritz Lang] - 5,5/10 (Rezension demnächst auf diesem Blog)

In aller Kürze: "Das Böse unter der Sonne" / "Evil under the Sun" [GB 1982]

2011-04-20T18:43:00.000+02:00

Drittletzte Guy-Hamilton-Regiearbeit, zweite Rolle von Peter Ustinov als meisterlich-scharfsinniger belgischer Detektiv Hercule Poirot mit sonderbaren Vorlieben: exquisite Mahlzeiten und halbnackte Trockenübungen. Paradiesisch in Art-Decó-getaucht, gerinnt die selbstironische Suche nach dem Täter eines (nicht gerade überraschenden) Meuchelmordes an einer vergifteten Diva und lüsternen Prostituierten (mit Asia-Kopfbedeckung: Diana Rigg) zum verzwickten Rätsel darüber, wer zur richtigen (Tat-)Zeit ein unumstößliches Alibi hatte. Denn: Eigentlich hatte jeder, auch unfreiwillig, ein unumstößliches Alibi zur richtigen Zeit, aber auch jeder ein Motiv. Die Kulisse dazu ist traumhaft, ein abgelegenes Eiland mit reichlich Sonnenschein, flirrender Hitze, blauem Himmel und sexy Körpern, das ebenso atmosphärische wie mediterrane Urlaubsmotiv, überaus stilvoll-elegant und locker-leicht eingefangen und so viel besser als klassisches Regenwetter von der Insel. Hamilton illustriert gewohnt leichtfüßig ein buntes Einerlei unterschiedlichster Evolutionsbremsen, karikiert sie geradezu und überzeichnet sie über den Rand des Comichaften hinaus, deren Charakter sich weitgehend aus dem speist, was am Strand getragen wird: hinreißend die charmante Hotelbesitzerin (Maggie Smith) und das finanziell am Rande des Bankrotts vorbeischlitternde Produzentenpaar samt großzügig aufgetragenem Make-up (Sylvia Miles, James Mason), unheimlich die verhüllte Alleingelassene (Jane Birkin) und das bockige Gör (Emily Hone) sowie der tuntige Verleger (Roddy McDowall). Zwischen englischem Humor schrägster Art ("Linda, Darling, steh' doch nicht da wie ein Hustenbonbon. Im Übrigen, wenn du dich langweilst, spiel' doch mit den Quallen.") und galligen Wortspielen ("Ich hab' ihn durch den ganzen Lebensmittelladen gejagt. Erst zum Gemüse, dann zum Brot, dann zum Fleisch und bei den Eiern habe ich ihn endlich gepackt.") arbeitet sich "Das Böse unter Sonne" nach einer sehr schwerfälligen Exposition zur relativ gehetzten Ermittlungsarbeit vor, die schließlich ihr ultimatives Resümee in einer typisch verschachtelten Theorie jeglicher Indizien ohne Beweise erfährt. Darin wird minutenlang in die Vergangenheit zurückgeblendet, Zweifel ausgeräumt und bedient, Vorurteile bestätigt oder widerlegt, Handlungsdetails zurechtgerückt oder umgedichtet und scheinbar logisch argumentiert bis die Reizüberflutung ungeachtet einiger bemerkenswerter Drehbuchschnörkel allmählich ihre Spuren hinterlässt. Alles wird verknüpft, kalkuliert und überkonstruiert, obwohl die ganz, ganz große, ganz, ganz zufällige und ganz, ganz unerwartete Pointe fehlt – trotz wiedergefundenem Diamanten.

6/10

"Krieg der Welten 2 - Die nächste Angriffswelle" / "War of the Worlds 2: The Next Wave" [USA 2008]

2011-04-06T14:46:00.001+02:00

Kritik

Die berühmt-berüchtigten, aber künstlerisch nicht begabtesten Jungs und Mädels von Asylum Productions sind zumindest fleißig: In immerwährenden Dauerperioden und beständigem Qualitätsabfall wird unter ihrer Hand hirnzellenabtötender Billigschrott produziert, nicht etwa A-Movies, sondern eher Filme vom Ende des Alphabets. Kopiert werden meist erfolgsträchtige Kinohits aus der entweder unmittelbaren oder länger zurückliegenden Vergangenheit mit einem Budget auf Sparflamme jenseits der Millionen. Jene Blockbuster von einst, die Asylum permanent zu adaptieren versucht ("versucht"), avancieren zum Mockbuster von jetzt. Dabei lassen sich die Herren lebensgefährlich originelle Titel einfallen, um den Unterschied von Original und Plagiat dem weniger filmerfahrenen Konsumenten wenigstens nicht allzu offensichtlich vor die Birne zu knallen. So mutiert, je nachdem, "I am Legend" zu "I am Omega" oder "Der Omega-Mann" zu "I am Legend", "Transformers" zu "Transmorphers" sowie "Bram Stoker's Dracula" zum besonders knackigen Zungenbrecher "Bram Stoker's Dracula's Curse". Puh.

Ihre edle Errungenschaft von 2008, "Krieg der Welten 2 – Die nächste Angriffswelle", versteht sich um Gottes Willen nicht als ernsthaft konzipierte Fortsetzung des drei Jahre vorher entstandenen Spielberg-Films, obwohl Regisseur und Hauptdarsteller C. Thomas Howell das wohl gern hätte. Denn wo Spielberg allegorisch Paranoia, Hysterie und Massensterben in apokalyptischen Bildern von dämonischer Kraft festhielt und damit die Grenze zum ebenso massentauglichen wie familienfreundlichen Mainstream zu überschreiten drohte, ist dessen vermeintliches Sequel vielmehr die auf dem Grabbeltisch einschlägiger Elektronikfachmärkte verstaubende Ramschversion mit einigen wenigen neuen Ideen. Dazu benötigte Asylum unter anderem offensichtlich Folgendes: Zehn Schauspiellaien, Hinterhöfe und ganz viel rote Plastikfolie und Bettlaken für das bioorganische Innenleben der Außerirdischen. Derart simpel lässt sich heutzutage eine Fortsetzung eines Multimillionendollar-Kassenschlagers realisieren. Ob das Ergebnis allerdings auch zufriedenstellend daherkommt, das ist wieder die andere Frage und im Falle von Asylum oft, sagen wir, eindeutig einer bestimmten Richtung zuzuordnen.

Wenngleich die Ausgangslage zwei Jahre nach der Beinahvernichtung der Erde durch Aliens bedeppert, aber durchaus reizvoll erscheint: Die Rohstoffe sind fast verbraucht (man musste sich sein Essen trotz, Achtung, akutem Stromausfall im Internet besorgen!), Antriebsmittel für Fahrzeuge sind äußerst selten und bezahlt wird ausschließlich mit Lebensmittelgutscheinen. Die Erde am Rande der zivilisatorischen Katastrophe, selbst nach dem Angriff respektive vor dem nächsten Angriff, bei dem die Dreibeiner erneut alles vernichten wollen, ungeachtet dessen, dass doch schon eigentlich alles vernichtet wurde. Die aus dem Vorgängerfilm furchteinflößenden, meterhohen Tripods sind unfreiwillig lustigen, zentimeterkleinen Lamepods gewichen, deren abgehacktes Umherstacksen ohne Schatten vermutlich aufgrund des stark begrenzten Kostenhaushalts sowohl unscharf visualisiert als auch mehrmals in der selben Einstellung in die fortlaufende Handlung hinein geschnitten werden. Stopptaste drücken, ausschneiden, kopieren. Originell.

Überhaupt wiederholen sich diverse pseudomelodramatische Herzschmerztränendrüsendrücker mit dem einzigen Unterschied, dass ihre Geschwindigkeit variiert. Als George Herbert (C. Thomas Howell) seinen Sohn (Dashiell Howell) sucht, vermittelt Howell dem Zuschauer Herberts Gefühl der orientierungslosen Suche anhand langsamer Kamerafahrten. Die Linse ist wie gebannt auf einsame Straßen gerichtet, während sie, sobald der Vater schließlich merkt, dass er zu spät kommt und seinen Sohn vor den parasitären Eindringlingen nicht mehr retten kann, bei seiner Rückkehr zur Kontrollstation der Armee die gleichen Straßen im gleichen Kamerawinkel beobachtet, angesichts des aggressiven Rachegefühls des am Boden zerstörten Protagonisten lediglich schneller darüber hinwegfährt. Originell².

Was im ersten Akt alsbald einer unangenehmen Körperschändigung nahe kommt: Der ehemalige und später ausgesonderte Bassist der Scorpions, Ralph Rieckermann, begleitet das Szenario mit einer musikalisch wertvollen Bohlen-Zimmer-Melodie eines gebrauchten Commodore, deren vielschichtiges Spektrum von Dröhnen bis Wimmern reicht. Benutzen tut er diesen jämmerlichen Dreiklang sehr zum Leidwesen der Gehörgänge sekündlich. Es brummt, wenn die Aliens kommen, es brummt aber auch, wenn die Aliens davonschleichen, wenn der Angriff halbwegs überstanden ist und ausgeatmet werden kann, zu jeder Zeit sind de facto diese verdammten, schwer auf assoziativ getrimmten Brummgeräusche zu hören, die jene emotional-elegischen Momente logischerweise konterkarieren, auf denen Spielbergs "Krieg der Welten" fußte. Nervig³.

Der zweite dramaturgische Teil splittet die Haupthandlung in zwei parallel nebeneinander ablaufende und holprig zusammengeklatschte Handlungsschnippsel, mit denen sich zugleich Howells höhere Ambitionen kristallisieren: Viel Gerede und unnatürlich viel Drehbuchstoff, wenig Aussagekraft und unnatürlich wenig Rhythmus, so aufregend wie Essensreste mit dem Zahnstocher zu entfernen. Da wird von Zeitreisen im All skandiert, zum Mars geflogen und Berechnungen mystischer Wurmlöcher im Handumdrehen aufgeschrieben, dass selbst Albert Einstein neidisch und die NASA ein amateurhaft geführter Bauernstall wäre. Nebenbei liefern sich Raumpiloten und Aliens einen (tricktechnisch schmerzhaften) Kampf darüber, wer die Lufthoheit im All hat. Asylum schafft es hierbei tatsächlich zwei Fliegen mit einer Klappe zu schlagen und kopiert neben dem Krieg der Welten auch den Unabhängigkeitstag: Nicht von ungefähr erinnert jedwedes Bild jedweder Weltraumschlacht, die selbstverständlich darauf hinaus läuft, das Mutterschiff der bösartigen Besucher zu zerstören, eklatant an Emmerichs patriotisches Hurralied aus den 90ern.

Dass die Anzahl an todesmutigen Raumpiloten stark variiert und unglaubwürdig dezimiert wird, ist ein weiterer lustiger Randaspekt. Zuerst brechen Hunderte auf, dann werden ein paar getötet, im Anschluss sind es wieder Hunderte, auch wenn höchstens drei miteinander kommunizieren. Insofern ist das symptomatisch für die schlampig halsbrecherische Inszenierung. Um die Befreiung des möglicherweise noch lebenden Kindes (denn in "Krieg der Welten 2 – Die nächste Angriffswelle" werden Menschen nicht zu Asche verwandelt, sondern auf die jugendfreundlichere Art teleportiert) geht es indes im zweiten narrativen Strang, wohlwissend, dass sowieso alles auf ein käsiges Happy End hinausläuft, die bemühten Twists groben Unfug verkörpern (am Ende lässt Howell den Zuschauer gar im Glauben, er wäre selbst gestorben) und Spannung dementsprechend elegant abgewürgt wird. Herrlich extra chessy das ohnehin zum Schreien komische Design des Settings, wo Hobbybastler (das Innere der Lamepods) auf Garagenschuppenfreunde (etwaige menschenleere Außenlandschaften, welche die Außerirdischen der Erde nachgestellt haben) treffen. Zum Glück kann die menschliche Rasse aufgrund einer einzigen Spritze mit falschem Blut dann doch noch überleben und der Zuschauer gleich mit.

Schauspielerische Qualitäten reichen von halbdunkel über dunkel bis dunkelschwarz. C. Thomas Howell war wahrscheinlich für zweierlei Arbeit zu überfordert, einerseits vernünftig Regie zu führen, andererseits aber auch einen vernünftigen Gesichtsausdruck überzustülpen, der komplexer und unangestrengter daherkommt als ein Wandschrank. Sein Weinen wirkt meist wie ein Lachen, sein Lachen wiederum wie ein Weinen. Wobei: Wenigstens Christopher Reid in der Rolle des Pete vermag als hysterischer Buddy-Gespiele den Trash-Pegel so zu erhöhen, dass er in dauergrinsende Regionen abdriftet. Der Rest hingegen erledigt die Aufgabe, dumm dazustehen, mit Auszeichnung und Sternchen. Passt!

Fazit

Sämtlichen Freunden des schlechten Geschmacks sei diese unaufhaltsame Flut kilometerweit anschwemmender Stilblüten jenseits von Trash und böse zwingend zu empfehlen.

2/10

Gesehenes - März '11

2011-04-04T19:19:00.001+02:00

"Die Sopranos" [Season 5, USA '03] - 8/10

"Stirb Langsam" [USA '88 / John McTiernan] - 10/10

"Stirb Langsam 2" [USA '90 / Renny Harlin] - 7/10

"Stirb Langsam: Jetzt erst recht" [USA '95 / John McTiernan] - 7/10

"Stirb Langsam 4.0" [USA '07 / Len Wiseman; Recut] - 6/10

"Yorkshire Killer 1974" [GB '09 / Julian Jarrold] - 7/10

"Yorkshire Killer 1980" [GB '09 / James Marsh] - 6/10

"Yorkshire Killer 1983" [GB '09 / Anand Tucker] - 6,5/10

"Zurück in die Zukunft" [USA '85 / Robert Zemeckis] - 7/10

"Zurück in die Zukunft II" [USA '89 / Robert Zemeckis] - 7,5/10

"Zurück in die Zukunft III" [USA '90 / Robert Zemeckis] - 6/10

"Basic Instinct" [USA '92 / Paul Verhoeven] - 8/10

"Ein Köder für die Bestie" [USA '62 / J. Lee Thompson] - 3,5/10

"Training Day" [USA, AUS '01 / Antoine Fuqua] - 6/10

"Blair Witch Project" [USA '99 / Daniel Myrick, Eduardo Sánchez] - 6,5/10

"Déjà Vu - Wettlauf gegen die Zeit" [USA '06 / Tony Scott] - 5/10

"Eagle Eye - Außer Kontrolle" [USA '08 / D.J. Caruso] - 1,5/10

"Red Eye - Nachtflug in den Tod" [USA '05 / Wes Craven] - 5/10

"Signs - Zeichen" [USA '02 / M. Night Shyamalan] - 5/10

"Die schwarze Narzisse" [GB '47 / Michael Powell, Emeric Pressburger] - 4/10

"Salt" [USA '10 / Phillip Noyce] - 3/10

"Poseidon" [USA '06 / Wolfgang Petersen] - 3/10

"Der Teufelshauptmann" [USA '49 / John Ford] - 3,5/10

"Pat Garrett jagd Billy the Kid" [USA '32 / Sam Peckinpah] - 7/10

"Batman & Robin" [USA '97 / Joel Schumacher] - 5/10

In aller Kürze Teil II: "Training Day" [USA, AUS 2001] & "Red Eye - Nachtflug in den Tod" / "Red Eye" [USA 2005]

2011-03-24T18:55:00.000+01:00

Maskulines Schaulaufen zweier moralisch gegensätzlicher Asphalt-Wächter, der eine das verunsicherte Schaf, der andere der gefräßige Wolf, für den es keine verwaschenen Grauzonen jener fest fixierten Lösungsvorschläge seines reaktionären Gerechtigkeitsempfindens zwischen Draufgehen und Überleben und Töten und Laufenlassen gibt. Antoine Fuqua porträtiert diese beiden Hüter des Gesetzes einen Tag lang durch ein von Korruption, dreckig erworbenen Geldbündeln und weißem Schnee überschwemmtes, pittoreskes Moloch und zugleich Heimat Basketball, ebenso wie Drive-by-Shootings herumspielender Gangs in ihren schäbigen Regierungsvierteln, wo jeder hineingelangt, aber mindestens jeder zweite mit dem Leichenwagen wieder herausgeholt wird. Es ist das Hollywood-Gebräu vom abgefuckten Los Angeles knapp unterhalb des sozialen Verfallsdatums, das bedauerlicherweise auch Fuqua 1:1 nachstellt, ohne dabei den hoffnungslosen Tenor mit hoffnungsvollen Freundlichkeiten zu verwässern. "Training Day" inhaliert Fingernägelkauen und ein Mittendrin-Gefühl eher aus dem fesselnden Argumentationsduell beider, direkt nebeneinander sitzender Protagonisten auf ihrem fiebrigen Trip gen Sonnenuntergang. Denzel Washington in einer schillernden Schurkenrolle schießt im Sekundentakt zynische Allmachtsfantasien ab, während sich Ethan Hawke (zuweilen farblos) verbissen an der idealistischen Seifenblase festbeißt, die an der scharfkantigen Bordsteinkante bald zerplatzen wird. Station für Station hakt der Film verbrecherische Minidramen ab, durch die der persönliche Selbstzweifel bald alle anderen Gefühle überdeckt und seine eindrucksvollsten Geistesblitze hat, wenn latente Bedrohung von allen Seiten, etwa in einer Pokerrunde, die Spannungskurve bis zum Maximum dehnt. Doch summa summarum vermag Fuqua "Training Day" nicht über die fest etablierten Cop-Milieusausen hinweg zu hieven. Denn allzu deutlich und in seiner Schlusskonzeption geradezu beschämend banal tritt die Logik des Drehbuchs auf die Happy-End-Tür ein – und der Idealismus besiegt den wie ein Kartenhaus in sich selbst zusammenfallenden Zynismus, umso schneller der Tag schwindet. Heile, wunderbare Welt.

6/10

Der Maestro postmoderner Horrorstoffe, welcher ein Genre zuerst tötete und zerstückelte, aber alsbald neu reanimierte und erfand, lädt zur schaurigen Flugzeugreise. Zielstrebig direktes Genrekino ohne eine Geste zu viel oder zu wenig, mit dem Craven erneut den Beweis erbringt, unter welch' virtuoser Regiehand er begrenzte Räumlichkeiten multiperspektivisch in Szene zu setzen vermag, die urplötzlich zum schwindelerregenden Labyrinth mutieren. Symptomatisch: Der mehrminütige Showdown in den eigenen vier Wänden mit endlosen Türen, Gängen, Zimmern, Schalldämpfern und Messern erinnert überdeutlich an des Regisseurs organisierte Verfolgungsjagden zu Fuß aus der "Scream"-Trilogie, wohingegen der mit einem Stift im Hals malträtiere Cillian Murphy die psychedelisch-karikatureske Ripper-Version diverser Täter gleichnamiger Reihe übernimmt. Das ist sozusagen das selbstreferentielle Craven-Geschenk an seine Fans, immer bereit für eine kleine Verbeugung seines eigenen Schaffenswerkes. Auch das elegante Szenenbild im Flugzeug evoziert Dichte, Atmosphäre, Unentrinnbarkeit wie Ausweglosigkeit. Es wird geflüstert, getuschelt, gelästert, währenddessen Robert D. Yeoman darüber hinwegschwebt. Und es wird geweint und geschluchzt im einzigen hermetisch abgeschlossenen Rückzugsort, der Toilette. Dank zwei lockeren Hauptdarstellern gelingt die Prämisse, dass das Grauen auch im freundlichen Sitznachbarn einige Zentimeter weiter links oder rechts schlummern kann, einigermaßen. Einigermaßen. Denn wo Cravens handwerkliches Geschick gewohnt stilsicher abgerufen wird, gehen mit der eigentlichen Geschichte des Autors Carl Ellsworth heftige Turbulenzen einher. Übermäßig besessen folgt Klischee auf Klischee. Telefonverbindung fällt aus, Handyakku wird leer, Botschaften an Spiegel geschrieben – die Wendungen des Kammerspiels bleiben in ihrer genrehaften Durchschaubarkeit Makulatur und zusehends so etwas wie vorhersehbare Drehbuchdutzendware. Dazu passt folgerichtig der Sachverhalt, dass, sobald die mehrschichtigen Subtexte formuliert werden – der republikanische Politiker, die beruflichen Parallelen zwischen Lisa (Rachel McAdams) und Jackson (Cillian Murphy) – eben jene Metaebenen sind, die angesichts kurzer Erwähnungen denn tiefgreifender Gedankengänge als bloße, oberflächliche Behauptung entlarvt werden.

5/10

In aller Kürze Teil I: "Rain Man" [USA 1988], "...und der Himmel steht still" / "The Innocent" [D, UK 1993] & "The Contract" [USA, D 2006]

2011-03-24T18:54:00.001+01:00

Sommerliches 80er Feel-Good-Movie, ganz auf seine beiden Hauptdarsteller zugeschnitten, das wenig bis gar nicht den Versuch unternimmt, in weinerlichem Tränendrüsenkino zu ersticken, sondern von der ewigen Bindung zweier ungleicher Brüder in nüchternen, aber umso intensiveren Emotionen erzählt. Tom Cruise (grandios) und Dustin Hoffman (überragend) werfen sich gekonnt die Bälle zu, vor allem in den (öfters nichtsdestotrotz redundanten) Wortgefechten beißender Ironie. Stets changiert "Rain Man" zwischen ur- und tragikomisch, Fernsehgerichten und Zahlenspielereien, oberflächlicher Autismus-Broschüre und hintergründiger Studie eines knuffigen Regenmannes, berührender Road-Odyssee und menschlichem Plädoyer für mehr Anteilnahme gegenüber älteren, vereinsamten, kognitiv wie physisch beeinträchtigten Menschen. Im Gegensatz zum klischeehaften Dramadauerheuler kommt die obligatorische Katharsis auf leisen Sohlen daher, wird sorgsam vorbereitet und ist gegen einen tränenreichen Abschied, statt einem geheuchelten Happy Ending trotzdem machtlos. Kantenlos geschliffener, ultraunglaubwürdiger Mainstream zum Gernhaben und zum Lächeln in dunklen Stunden, der ohne Zimmer-Klänge freilich noch besser wäre.

7/10

Wildes Beziehungswirrwarr vor dem Hintergrund des Kalten Krieges und dem Fall der Berliner Mauer. Anhand dreier Einzelepisoden und dreier daraus resultierender unterschiedlich gewichteter Genreausflüge – Spionagethriller, Melodram, Krimi – trampelt John Schlesingers Adaption der literarischen Ian-McEwan-Vorlage auf den universellen Motiven jener klassischen Genrewerke, die den Kampf um das technisch gegenseitige Überbieten und Abhören von brisantem Geheimmaterial zwischen Amerikanern und Russen meist zum Gegenstand ihrer Handlung deklarieren. Auch in "...und der Himmel steht still" geht es um Freundschaft, Loyalität, Ver- und Misstrauen, Unschuld und Verdacht entlang der Grenze. Die elegante Kamera (Michael Childers) begleitet ein kulturell differentes Dreiecksgespann auf seinem Weg durch ein chaotisches Wechselbad der Gefühle und porträtiert darüber hinaus die Unmöglichkeit einer Liebesbeziehung im Angesicht omnipräsenten Selbstzweifels, was den Film, auch oder gerade wegen des maßlos nachgestellten Flughafenfinales, zu einer Art abgeflachtem "Casablanca"-Klon macht. Eine fragile Isabella Rossellini weiß ebenso zu brillieren, wie der in autoritären Umgangsformen festgefahrene Anthony Hopkins und der ambivalente, weil einerseits hemmungslos jähzornige, andererseits hemmungslos sanftmütige Campbell Scott. Das unrunde, oft sehr gehetzt wirkende Drehbuch vermag ob seiner narrativen Inkohärenz den Gesamteindruck gleichwohl negativ zu beeinflussen, in dem es den ersten Spionageakt vorschnell abhakt, um zu einer tendenziell deplazierten Bestechungs- und Mordgeschichte zu gelangen und die sich anschließende (mit subtiler Komik getauchte) Odyssee mit schweren Koffern, in dem abgetrennte Körperteile vor sich hin vegetieren, zum Opfer unbeholfen konstruierter Zufälle und Twists herunterbricht. Nichtsdestotrotz kann Schlesinger mit einem emotionalen Epilog begeistern, der mit kleinen Gesten groß berührt.

6/10

Lässt sich der Überlebenskampf in "The Contract" als unspektakuläre Schach-Analogie deuten, schwarz gegen weiß, böse gegen gut, Angreifer gegen Verteidiger, Verteidiger gegen Angreifer, auch weil die Hauptaufgabe während des Jagens einer der Jäger darin besteht, sich auf dem virtuellen Schachbrett auszutoben? Fernab aller vermeintlich kläglich danebengehenden oder zu banalen Metaphern ist "The Contract" mehr als alles andere ein kurzweiliges, nach Reißbrettrezept gestricktes B-Movie, schmucke Bilder, weniger funkelnder Inhalt, mitunter ein bisschen spannend, durchgehend ein bisschen austauschbar, Freeman augenzwinkernd, Cusack hüftsteif, beide gegeneinander, die angestrengt politischen Subtext-Fäden, welche bisweilen seltsam wirr zwischen amerikanischen Schauplätzen umherspringen, ziehen sich zu einem Netz zusammen, wo am Ende wahnsinnig überraschend Familienvereinigung eingewebt ist und der Held vielleicht noch das verwitwete Mädchen bekommt. Zum Abfeiern indes die unfreiwillig cheesy Dialoge Freemans verblödeter Leibgarde, die sich unter dem Deckmäntelchen der Professionalität erschreckend unprofessionell benehmen. Oder zwischen abgebrühten CIA-Agenten(-innen) und ländlichen Dumpfbacken: Sie will Kaffee, er schmeckt nicht, sie will Croissants, das kennt man nicht. Und Donuts sind zu süß, um sie kennen zu müssen.

4,5/10

Gesehenes - Februar '11

2011-02-28T17:53:00.006+01:00

"Die Sopranos" [Season 4, USA '02] - 7,5/10

"Following" [GB '98 / Christopher Nolan] - 6/10

"Memento" [USA '00 / Christopher Nolan] - 6/10

"Insomnia - Schlaflos" [USA '02 / Christopher Nolan] - 6/10

"Batman Begins" [USA '05 / Christopher Nolan] - 7/10

"Prestige - Die Meister der Magie" [USA, UK '06 / Christopher Nolan] - 8/10

"The Dark Knight" [USA '08 / Christopher Nolan] - 9/10

"Inception" [USA '10 / Christopher Nolan] - 9/10

"Matrix" [USA '99 / Andy & Larry Wachsowski] - 6/10

"Matrix Reloaded" [USA '03 / Andy & Larry Wachowski] - 5/10

"Matrix Revolutions" [USA '03 / Andy & Larry Wachowski] - 2,5/10

"Speed Racer" [USA, D, AUS '08 / Andy & Larry Wachowski] - 6/10

"The Expendables" [USA '10 / Sylvester Stallone] - 6/10

"Fellinis Casanova" [I '76 / Federico Fellini] - 2/10

"Seraphim Falls" [USA '06 / David Van Ancken] - 8/10

"Swimming Pool" [F '03 / François Ozon] - 7/10

"...und der Himmel steht still" [D, UK '93 / John Schlesinger] - 6/10

"Infam" [USA '61 / William Wyler] - 6,5/10

"Sherlock Holmes" [USA, D '09 / Guy Ritchie] - 6,5/10

"Shutter Island" [USA '10 / Martin Scorsese] - 7,5/10

"127 Hours" [USA '10 / Danny Boyle] - 8/10

"Die Unzertrennlichen" [CAN, USA '88 / David Cronenberg] - 6,5/10

"The Contract" [USA '00 / Bruce Beresford] - 4,5/10

"XXY" [RA '07 / Lucía Puenzo] - 7,5/10

"Ex Drummer" [B '07 / Koen Mortier] - 3/10

"The Road" [USA '09 / John Hillcoat] - 7/10

In aller Kürze: "Infam" / "The Cildren's Hour" [USA 1961]

2011-02-24T19:22:00.000+01:00

William Wylers mutige Skandalnudel und kühner Arschtritt gegen konservatives Hollywoodkino beginnt schleppend, aber nicht gänzlich unsympathisch. Das vielleicht schlimmste Kind Amerikas wird einer Analyse unterzogen. Zwischen gespielter Unschuld und kalkulierter Hinterhältigkeit, ist dieses Kind respektive Mädchen in einem Mädcheninternat für allerlei individuelle Spannungen seiner Erziehungsbevollmächtigten verantwortlich. Wyler hievt das Thema von der zwischenmenschlichen Mikro- zur gesellschaftlichen Makroebene, wenn es dank eines einzigen Gerüchts zur vielschichtigen Studie engstirniger Vorurteile gegenüber Homosexuellen eines großen bigotten Mysteriums namens Bevölkerung avanciert, ohne wiederum ein einziges Mal "lesbisch" zu sagen. Das Interpretieren obliegt ohnehin dem Zuschauer, das sexuell gesprochene Wort bleibt häufig ein Flüstern für die Großmutter. Audrey Hepburn (gefühlsecht) und Shirley MacLaine (gegen Ende im weinerlichen Over Acting gefangen) sind hin- und hergerissen zwischen Scham und Verzweiflung und prägen das Hitchcock-Motiv der unschuldig Gejagten, gejagt von Presse, Vermutungen und Verleumdungen, verlassen von Freunden, Geliebten, einer glücklichen Hochzeit, einer angestrebten Zukunft. Nullpunkt, totaler Nullpunkt. Die Tragödie nimmt ihren Lauf, zerfetzt ein glückseliges Happy End förmlich in der Luft. Franz Planer filmt den dunklen Schlussakkord einer perfiden Oper in morbiden Kameramontagen. Fazit: Das alte Sprichwort "Kindermund tut Wahrheit kund" ist eigentlich purer Zynismus.

6,5/10

"127 Hours" [USA 2010]

2011-02-21T17:44:00.002+01:00

Kritik

Knochen brechen, jeder einzelne von ihnen ein alles verschlingender Knall mitten hinein in verlassenste Einöde, Venen durchschneiden wie rote Fruchtgummispaghetti, Taschenmesserklinge rein ins nackte Fleisch, dann wieder raus, rein, raus, raus, rein, Schweiß fließt, Blut spritzt, Herz rast, Schmerz wütet, die Kamera schwenkt weg, wieder hin, wird zunehmend hysterischer. Eine Tortur. Blankes Körperkino. Total intensiv, ohne voyeuristisch, ohne effektheischend zu sein. In Ekstase, verzweifelt, halb verdurstet und halb verhungert. Das Armabschneiden als Ausdruck eines ungezähmten Überlebenswillens einer zum Sterben zurückgelassenen, vor sich hin siechenden Kreatur. Der Ruf nach Freiheit übertönt sämtliche persönlichen Schmerz- und Ekelbarrieren und führt zur anatomischen Klimax. Vor sich ein einziges Ziel: leben. Lediglich leben. Nichts anderes. Für die Liebe, die Familie und Freunde, im Prinzip für die ganz großen Dinge. Aus der Amputationsszene, wo Danny Boyles Einpersonenstück auf dem Höhepunkt seiner Entschlossenheit angelangt ist, erstrahlen Urkräfte.

Boyle und Simon Beaufoy adaptierten die wahre Geschichte des Extrembergsteigers Aaron Ralston, der 127 Stunden lang in einer Spalte von einem Felsbrocken eingeklemmt war. Durch eine selten drastische Maßnahme konnte er sich befreien, sein Körper in einem völlig dehydrierten Zustand, ausgelaugt, halbtot, mit rechtem Armstumpf. Seine autobiographische Geschichte schrieb er nieder und avancierte 2003 zur Hauptattraktion amerikanischen Presseerzeugnisses. Ralstons Schicksal war thematisch günstig für Danny Boyle, weil es des Regisseurs immer wieder kehrendes Motiv einer Gruppe Überlebender, die von der Zivilisation abgeriegelt werden, zum Individuum verdichtet. Diesmal wird ein einziger Überlebender isoliert, die ultimative Reduktion auf dramaturgischen Minimalismus. Nur er steht im Mittelpunkt. Keine klassisch geschnittenen Ortswechsel, keine weiteren Akteure, für die sich die Kameralinse länger als ein paar Augenblicke interessiert, keine narrativen Schnörkel und Schlenker und klischeehaften Hollywood-Manierismen. Dass "127 Hours" einem vergleichsweise unspektakulären Tatsachenroman entspringt, ist folgerichtig zu jedem Zeitpunkt nachvollziehbar.

In der ersten Hälfte des formal wie emotional stark zweigeteilten Films wühlt Boyle im Videoclip-Repertoire seiner eigenen unverwechselbaren Handschrift. Die Musik wütet durch die idyllisch-meditativen Bilder grellorangener Landschaftsaufnahmen, welche nicht selten an Boyles Überlebenstrip "The Beach" erinnern. Außerdem symbolisieren manchmal zwei-, öfters jedoch gleich dreigeteilte Split Screens das essentielle Verhältnis von der Hektik der Massen in Großstädten einerseits und der Einsamkeit eines Einzelnen in sperrigen Felsformationen andererseits. Jon Harris schneidet schnell und energiegeladen. Richtig cool wird Aaron Ralston (James Franco) eingeführt, der gleichfalls in einer Art "The-Beach"-Reminiszenz auf zwei Frauen trifft (die allerdings keinen sonderlichen Mehrheit bringen), denen er als besonders verrückter Bergsteiger den Weg durch die Schluchten zeigt. Bereits angesichts jener ungewöhnlich langen Exposition lernt man Einiges über Ralston, unter Vermeidung dessen, dass Boyle in der Kindheit seines Protagonisten gräbt. Die Kunst aus wenigen Worten viel zu erzählen. Ralston ist zu Beginn scheinbar übertrieben gelassen, die Berge sind sein zweites Zuhause, er ist furchtlos, liebt das Abenteuer, den Nervenkitzel, das Risiko. Schwer vorstellbar, dass ihm das nicht irgendwann zum Verhängnis wird.

Nach dem unglücklichen Absturz schließlich ersetzt zunächst deprimierende Hoffnungslosigkeit euphorische Lust am Klettern. Kampf gegen die Natur. Alles hat sich gegen Ralston gerichtet. Ein einseitiger Kampf, den Ralston verlieren sollte. Ralston ist gefangen. "Alles [ist] ganz nah, augapfeldicht, ein Kampfgebiet ohne Platz zum Manövrieren oder Verfeinern […]" ("Unterwelt" – Don DeLillo, S. 396). Boyle lotet körperliche, aber auch seelische Nahtoterfahrungen aus, Ängste und Panik. Ralstons allzu menschliche Triebe, die sehr bedingt befriedigt werden können, führen geradewegs in den Wahnsinn. Bemerkenswert, dass Boyle nicht per se an Hunger und Durst denkt, sondern auch an das sexuelle Verlangen Ralstons, welches in einer Szene kurz angedeutet wird. Boyle inszeniert unheimlich dynamisch, unheimlich rasant, da, wo eigentlich die Zeit eingefroren zu sein scheint, da, wo in der Realität Rasanz von Monotonie abgewürgt wird, die umfassende Palette sämtlicher Gefühlsebenen, niemals plakativ oder pathetisch, eher zurückhaltend und angenehm unaufgeregt, sodass der Zuschauer als stiller Beobachter direkt im Geschehen involviert ist.

Hochspannung beschwört hingegen nicht vordergründig die unnatürlich begrenzte Location herauf – das zwar auch –, aber vielmehr resultiert sie aus Ralstons langsam zur Neige gehenden Vorräten und der in diesem Kontext darauf aufbauenden, stetigen Information darüber, wie viel Energie der Akku seiner Kamera beinhaltet und wie viele Milliliter Wasser in seiner Trinkflasche vorhanden sind. Insgesamt nicht viel; Ralston wird letztendlich dazu gezwungen, eigene Körpersäfte zu trinken. Auch Details in Form zittriger Füße, die, sobald sie ins Sonnenlicht gehalten werden, einer Erleichterung gleichkommen, ebenso wie stumpfe Taschenmesserversuche und fortwährende Videoaufnahmen eines teils dokumentarisch konnotierten Charakters untermauern Danny Boyles hochkonzentrierte Inszenierung mit scharfem Auge. Charakterisiert wird Ralston indes mit Hilfe eindringlicher Rückblenden vergangener Kindheit und Jugend aus skurrilen Visionen (speziell die Regenepisode sei hervorzuheben), aufgrund deren, neben Ralstons lässigen Kommentaren im Angesicht des Todes, der tendenziell ernst Tenor des Werks häufig mit ironischem Humor aufgelockert wird, der manchmal sogar in zynischen umschlägt (Einleitung mit "Lovely Day" des dritten Tages).

Damit es in der schmalen Felsspalte nicht langweilig wird, kompensiert Boyle die Stille des Augenblicks mit der lauten Vibration postmoderner Bildmontagen. Aus jeder verstaubten Ritze massiver Gesteinsformationen filmt die Kamera (Anthony Dod Mantle, Enrique Chediak) extravagante Perspektiven, fliegt direkt in Trinkflaschen zu den letzten Tropfen überlebenswichtigen Wassers, die mikroskopisch wie mit Lupe vergrößert werden. Darüber hinaus beobachtet sie auf menschliche Knochen schlagende Klingen eines Taschenmessers, schwebt von der Spalte weg, hinauf zum Gesamtpanaroma der Landschaft, durch Trinkschläuche und das mechanistische Innenleben Ralstons Handkamera, zoomt entfesselt und schwenkt irrwitzig wild umher. Boyle schnipselt in einem der psychedelischsten Momente eine bunte Collage aus lauter einzelnen Werbegetränken diverser Markenhersteller zusammen. Das wirkt ungeheuer sarkastisch und böse, vor allem aber ungemein stilsicher und ästhetisch.

Natürlich ist "127 Hours" hauptsächlich bewegende One-Man-Show. Ganz auf den Hauptdarsteller zugeschnitten, mit dem man leidet, ihn begleitet, immer und überall dauerpräsent. James Franco spielt im wahrsten Sinne des Wortes um sein Leben, changiert gekonnt und wunderbar subtil zwischen schicksalshadernd und ehrgeizig, willig und ergeben, selbstbewusstem Witzbold und ausgemergeltem Radiomoderator. Und begeistert mit einer authentischen Wandlungsfähigkeit. Ausgerechnet seine katastrophale Lage verhilft ihm zur Katharsis: Er wird laut einigen ergreifenden Texteinblendungen, in denen der echte Aaron Ralston zu sehen ist, unmittelbar gegen Ende von nun an sowohl einen Zettel mit dem Aufenthaltsort hinterlassen als auch stets von der richtigen Ausrüstung begleitet werden. Ein echter Kämpfer. Die letzten Minuten, als er endlich aus seinem Martyrium entkommt und auf weitere Wanderer trifft, sind Gänsehaut. Franco war nie besser.

Fazit

Danny Boyle ist eine in seiner überschaubaren Ausstattung klein arrangierte, aber in ihrer Aussage umso mächtigere Hymne auf die ungebrochene Sehnsucht des Menschen nach Freiheit gelungen. James Franco trägt, während Boyles Atem so weit reicht, um der für einen Spielfilm herausfordernden Prämisse mit jeder Menge Menschlichkeit Leben einzuhauchen. Ein kleiner, großer Knüller.

8/10

In aller Kürze: "Seraphim Falls" [USA 2006]

2011-02-09T17:54:00.003+01:00

Durch eisige Berg-, sonnige Tal- und ausgetrocknete Wüstenterritorien abwechslungsreich konzipierte, narrativ unmissverständlich auf den Punkt inszenierte und von John Toll meditativ bebilderte Neo-Western-Hetzjagd quer durch die halbe Bürgernachkriegszeit. Mann gegen Mann, zwei Getriebene, zwei Traumatisierte, die von ihren eigenen Obsessionen angetrieben werden, der eine blind vor Vergeltung, der andere wahnsinnig vor Kälte, Hunger und Durst, ein hasszerfressener Liam Neeson gegen einen verwahrlosten Pierce Brosnan aus schönsten Südkoreazeiten seines letzten James-Bond-Abenteuers. Zunächst operiert die in schneebedeckten Bergen verankerte Dezimierung Colonel Carvers (Neeson) angeworbener Crew aus skrupellosen Kopfgeldjägern jedweden Alters (besonders interessant: Hayes, gespielt von Michael Wincott) durch Ex-Offizier Gideon (Brosnan), in die der Zuschauer ohne einleitenden Ballast blind hineingeworfen wird (Rückblendenfetzen charakterisieren durchgängig die Protagonisten), nach schematisch abgesteckten Genremechanismen maskuliner Survival-Thriller, wenn Blutstropfen eine verräterische Funktion erfüllen, wenn sich Gideon auf Bäumen versteckt, notdürftig versorgt, abwartet, Unterschlupf gewährt bekommt und mit Hilfe selbst gebastelter Fallen seine Gegner auf Distanz zu halten versucht. Ehe Regieneuling David Van Ancken danach höchst eigenwillig, aber zutiefst stimmig einen unkonventionelleren Weg beschreitet, den des Surrealen, halluzinatorischer Traumzustände, den der Metaphysik und faszinierende Nebenfiguren des Todes (Wes Studi, Anjelica Huston) zwischen dem großen Duell beider Kontrahenten installiert. Überaus hingebungsvoll gespieltes, psychologisch gefärbtes und geschickt geschriebenes Genreminimalhandwerk, nuanciert im Widerkäuen und Umdichten einschlägiger Western-Mythen, gnadenlos im Ausloten körperlicher und geistiger Grenzerfahrungen.

8/10

Gesehenes - Januar '11

2011-02-07T18:50:00.001+01:00

"Die Sopranos" [Season 3, USA '01] - 8,5/10

"James Bond 007 - Octopussy" [GB '83 / John Glen] - 4/10

"James Bond 007 - Im Angesicht des Todes" [GB '85 / John Glen] - 6,5/10

"Fellinis Satyricon" [I, F '69 / Federico Fellini] - 3,5/10

"Fellinis Roma" [I, F '72 / Federico Fellini] - 4,5/10

"Das süße Leben" [I, F '60 / Federico Fellini] - 6/10

"Black Swan" [USA '10 / Darren Aronofsky] - 4/10

"Ekel" [GB '65 / Roman Polanski] - 8/10

"Metropolis" [D '27 / Fritz Lang; 2001er Restaurierung] - 3,5/10

"Die Reise nach Metropolis" [D '10 / Artem Demenok] - 7/10

"Little Buddha" [GB, F '93 / Bernardo Bertolucci] - 2/10

"L.A. Crash" [USA, D '04 / Paul Haggis] - 3,5/10

"Duell" [USA '71 / Steven Spielberg] - 6/10

"Frozen River" [USA '08 / Courtney Hunt] - 5/10

"Der Schrei der Eule" [F '87 / Claude Chabrol] - 6/10

"Brotherhood" [ROK '04 / Kang Je-gyu] - 6,5/10

"Freddy vs. Jason" [USA, I '03 / Ronny Yu] - 7/10

"Rain Man" [USA '88 / Barry Levinson] - 7/10

"Marnie" [USA '64 / Alfred Hitchcock] - 8/10

"Das Vermächtnis des geheimen Buches" [USA '07 / Jon Turteltaub] - 6/10

"Kap der Angst" [USA '91 / Martin Scorsese] - 8/10

"Hard Boiled" [HK '92 / John Woo] - 7/10

"Syriana" [USA '05 / Stephen Gaghan] - 5/10

"Master and Commander" [USA '03 / Peter Weir] - 6,5/10

"Into the Wild" [USA '07 / Sean Penn] - 8/10

Literatur: "Shining" [Stephen King, 1977]

2011-02-01T17:03:00.002+01:00

Story

Jack Torrance, gescheiterter Nachwuchsautor und abgebrannter Intellektueller, bekommt den Job des Hausmeisters im Overlook-Hotel während des Winters. Mit seiner Familie wird er von der Außenwelt monatelang abgeschottet sein. Jack, Wendy und Danny müssen voller Unbehagen feststellen, dass sie an einen verrufenen Ort ungebetener Gäste, Dämonen und Ängste geraten sind…

Kritik

Im Vorwort zur Geschichte "1408" im 2002 erschienenen Kurzgeschichtenband "Im Kabinett des Todes" proklamiert Stephen King , dass jeder Verfasser von Gruselgeschichten mindestens eine über ein Hotelzimmer schreiben solle, in dem es spukt, und mindestens eine über "vorzeitige Beerdigungen". Vor "Shining" hatte King bereits eine andere inflationär wiedergekäute Form des Horrors abgehakt, die des Vampirs. Sein allererster Roman "Carrie" hingegen ist die experimentierfreudige, feminine Hellseher-Lightversion des in Breite und Höhe deutlich überlegeneren, maskulinen "Shining", des Autors persönlicher Abrechnung mit dem Wahnsinn und einem Hotel, in dem es spukt. Daneben gesellt sich "Shining" zu jenen ausformulierten Werken Kings früh geprägter Vorliebe, grauenerregende Dinge aus trivialen Alltagsphantasien ausbrechen zu lassen.

King schreibt im gleichen Vorwort zur gleichen Geschichte weiterhin, dass Hotelzimmer etwas von Natur aus Unheimliches hätten. "Shining" formuliert die These anders: Hotels an sich sind von Natur aus unheimlich. In Ihnen schlummert ein von Natur aus mystischer Charakter majestätischer Endlosigkeit. Sie symbolisieren einen Irrgarten kahler Wände, karger Räume, verschlossener Geheimnisse, dunkler Vergangenheiten, mysteriöser Todesfälle. Nie ist klar, wie viele Menschen im jeweiligen Hotel im gleichen Zimmer geschlafen haben, wie viele darin an ihrem Verstand zerbrochen sind, wie viele an undefinierbaren Neurosen litten, die sie schlussendlich in den Wahnsinn, zu Stuhl und Strick und vielleicht sogar in die überflutete Badewanne, trieben. Im Overlook summieren sich all diese Schreckgespenster zu angsteinflößenden vier Wänden, die zum Leben erwachen, atmen und sich das holen, was die innere Ruhe zu stören beginnt.

Der am meisten geäußerte Vorwurf gegenüber dem "Shining"-Roman ist der, dass Stephen King zwischenzeitlich immer wieder in eklatante Ausschweifungen verfalle, wodurch Figurencharakterisierungen vermutlich nirgends so überdehnt würden wie hier. Tatsächlich beleuchtet King zunächst über hunderte von Seiten hinweg das wechselvolle Leben der Familie Torrance, arbeitet mit Rückblendenexplosionen und Erinnerungsfetzen, familiären Grausamkeiten wie einschneidenden Ereignissen, die offenen Wunden gleichkommen, welche sich niemals verschließen werden. Zu diesem Zeitpunkt ist "Shining" weniger Horrorlektüre, sondern die soziologisch-psychologische Demontage einer amerikanischen Durchschnittsfamilie, die am (wirtschaftlichen) Abgrund entlang schrammt und doch hineingezogen wird. Die Exposition, nebenher das Genre des Melodrams maßlos plündernd, muss als Ursprungsquelle für den späteren seelischen Totalschaden der Torrances im Hotel herhalten. Damit werden das Grauen und dessen Beweggründe rational nachvollziehbarer als in Stanley Kubricks von Kings Vorlage stark emanzipierte Filmadaption.

Erstes Kapitel, Einstellungsgespräch, erster Satz. "Schmieriger kleiner Scheißkerl." Gemeint ist Stuart Ullman, der in schwarz gekleidete Hoteldirektor (der Farbe des Todes, der Trauer; womöglich ein Ausblick auf kommende Zustände). Ein Gedanke von Jack Torrance, der sein komplettes Wesen ohne Umschweife konsequent auf den Punkt schmettert. Jack Torrance ist ein manisch-depressiver Collegedozent. Er weiß ständig mit chronischen Alkoholproblemen zu kämpfen, mit unkontrollierten Aggressionen, die sich fast pausenlos an seiner Familie entladen, so lange bis er seinem Sohn Danny in Ekstase den Arm bricht und einen ehemaligen Schüler verprügelt, nachdem selbiger die Reifen von Jacks Auto zerstach. Jack ist, so gesehen, die umgedichtete Antithese zum treu sorgenden, heldenhaften Familienvater.

Angesichts beider Wutausbrüche gepaart mit anschließenden Entschuldigungsmaßnahmen, die zwischen Reue und Kontrolle changieren (immerhin scheint er seine Familie in den wenigen nüchternen Momenten, die er hat, innig zu lieben), dokumentiert King auf den ersten Seiten sehr treffend den Hass Jacks und die permanente Lust am Selbstzerstören. Aber auch die Hilflosigkeit sich als Familienoberhaupt durchzusetzen, wenn der Alkohol ruft und die (Alkohol-)Fahne gehisst wird, ebenso wie die scheiternden Versuche, als Nachwuchsautor einer vielversprechenden Beschäftigung nachzugehen, mit der er ans prestigeträchtige Literaturetablissement anknüpfen könnte, um somit den sozialen Abstieg vorerst zu verzögern. Stattdessen flüchtet Jack vor der Wirklichkeit mitten hinein in einen Alptraum. "Shining" erzählt auch über Selbstverwirklichung und Selbstbestimmung, die ob Jacks zahlreicher Psychosen aus der Gegenwart und Dämonen der Vergangenheit letztendlich nur Chaos heraufbeschwören.

Jacks Frau, Wendy, agiert als traditioneller Frauentypus Stephen Kings: weinerlich und naiv, dann verletzlich und plötzlich selbstbewusst, durchlebt sie einen Reifeprozess im Angesicht der Agonie. Wendy ist ein Mensch, "der in tiefste Dunkelheit gezerrt worden und aus ihr wieder herausgekommen war, um die Scherben aufzusammeln." King beschreibt sie als eine hin- und hergerissene Person, hin- und hergerissen zwischen der Liebe und der Verachtung zu ihrem Mann, hin- und hergerissen zwischen der Wärme und der Verachtung zu ihrer Mutter (bei Jack ist es genau andersherum), hin- und hergerissen zwischen der abgöttischen Liebe und dem unbegrenzten Mitleid zu ihrem Sohn, der diese Liebe nur selten erwidert und sich den fleißigen Bemühungen seiner Mutter zum Trotz eher zu Jack hingezogen fühlt. Oder zu Tony, Dannys "unsichtbarem Freund".

Aus Danny, der an telepathischen Fähigkeiten, surrealen Vorahnungen, dröhnenden Visionen und blutgetränkten Träumen leidet, destilliert King zu großen Teilen seinen willkürlich-absurden Humor, insbesondere wenn Danny Gedanken fremder Menschen hört, obwohl er sie wegen seines Alters nicht sinngemäß verstehen kann und deshalb allzu wortwörtlich nimmt ("Als sie ihn beobachtete, dachte sie, dass sie ihm gern an die Hose wollte, und ich habe mir überlegt, warum…"). Ungeachtet dessen wird der Leser frühzeitig damit konfrontiert, dass Danny der einzige Akteur sein wird, der zuerst bemerkt, dass irgendetwas mit dem Hotel nicht stimmt, nicht stimmen kann, nicht stimmen darf, weshalb er lediglich seiner Eltern zuliebe jene "Erholungsreise" antritt. Auch bei ihm spiegelt sich die innere Zerrissenheit (ein weiteres zentrales Motiv der Handlung); hin- und hergerissen darüber, ob er Tonys pessimistischen Schreckensbotschaften Glauben schenken mag oder nicht.

Jener Hauptteil, aus dem sich der grundlegende Horror eines fälschlicherweise als Horrorbuch kolportierten Romans speist, illustriert King höchst ökonomisch. Zuerst sind es unterschwellig obszöne Wahnbilder vergangener Grausamkeiten des Hotels, die das Gehirn Dannys, später aber auch das Gehirn Jacks überschwemmen. Zusammen mit dem zunehmend totalitär-begrenzten Szenario, wo sich die Torrances bar jedweder Kommunikationsmöglichkeit gen Zivilisation lediglich zwischen dem weißen Tod draußen und dem "Overlook-Tod" drinnen entscheiden können und voneinander menschlich abhängig sind, evoziert "Shining" sein nervenzerreißendstes Angstgefühl dann, wenn King mit Fingerspitzengefühl subtile Thriller-Buhs divergierender Wahrnehmungsebenen aufschichtet, wenn das Hotel raschelt, klappert, klimpert, rauscht, pfeift, summt, poltert, wenn es aufwacht, wenn es lacht, wenn es lebendig wird, wenn es ein "Stimmengewirr der Konversation" einer illusorischen Partygesellschaft aneinanderreiht (Kings Kniefall vor Edgar Allen Poe), wenn sich ein Feuerwehrschlauch auf die Lauer legt und wenn der Fahrstuhl von ganz allein nach oben und nach unten rauscht.

Diametral dazu flüchtet King aber auch öfters in aufgesetzte Plattitüden. Er muss sich durchaus zu Recht den Vorwurf gefallen lassen, ob Heckentiere, ob ein Schwarm Bienen und ob eine tote Frau im Bad hinterm Duschvorhang eines obskuren Gruselzimmers (freilich die noch mit am spannendste Sequenz) eher unfreiwillige Komik, statt maximale Angststeigerung generieren. Zum Ende hin weiß King mit dem Holzhammer ohnehin zunehmend stärker zu schocken (DROM = MORD, eine in der deutschen Fassung geradezu platte Wortspielauflösung). Auch der angedeutete Überlängen-Vorwurf kann King nicht vollkommen kaschieren. Hier und da vermag er künstliche Aufblähungen in die Handlung zu implementieren. Der Arztbesuch Dannys ist ein Beispiel (der ohnehin nichts Substantielles über die absonderlichen Fähigkeiten des Jungen per se offenbart), die für King obligatorische Parallelmontage in Form eines blutigen Überlebenskampfes einerseits und Dick Hallorans zittriger Autofahrt andererseits ein weiteres.

Abseits aller selbstverliebt redundanten Ausschmückungen der Narrative zählt "Shining" vor allem zur Riege der besonders doppelbödig codierten Metalektüre Stephen Kings, der seinem Hotel entweder sozialkritische oder metaphorische Lesearten injiziert. Obgleich King durchblicken lässt, dass das Hotel wohl nur auf der entscheidenden Jagd nach Danny sein könnte und seine Vaterfigur dafür instrumentalisiert wird (gleichwohl wird dieser Gedanke nicht weiter vertieft), repräsentiert das Overlook vielmehr den hässlichen Spiegel für die hässlichen Seiten der Familie Torrance, die allesamt in ihre lange vorher verdrängten Sünden, in ihre Sehnsüchte und Genüsse zurückfallen.

Exemplarisch Jack: Jack wird von Lloyd dazu gezwungen (in zwei, drei wunderbar burlesken Dialogen), wieder mit dem Trinken anzufangen, verfällt seiner Schreibblockade, schlägt seinen Sohn, beschimpft seine Frau grundlos. Jack sieht sich einer psychischen Metamorphose von innen ausgesetzt, die ihn zerstören wird. Das Hotel als Maskenball, in eine andere Identität, in ein anderes Kostüm, dem Jack-Kostüm, schlüpfend, bis zum apokalyptischen Wettlauf gegen die Zeit, nach der emotionalsten Momentaufnahme des Romans, wo sich Vater und Sohn Auge in Auge verabschieden, ehe die Metamorphose Jacks kulminiert und von nun an vom "Es" gesprochen wird.

Wohingegen der sozialkritische Tenor aus der von Jack gefundenen Sammelmappe resultiert, anhand derer das Hotel als eine Art Metapher für Amerikas omnipräsente Makel interpretiert werden kann. Die Sammelmappe, wahrscheinlich vom letzten Hausmeister, Delbert Grady, verfasst, gibt Aufschluss darüber, mit welchen zwielichtigen Existenzen das Hotel in den letzten Jahren verkehrte, mit Nadelstreifengangstern, mit Wirtschaftsmagnaten, mit windigen Politikern, die sich in der Präsidentensuite entweder gegenseitig abknallten oder das Overlook durch Korruption, intrigante Machtspielchen und überhöhte Kredite künstlich am Leben ließen, bis rote von schwarzen Zahlen allmählich abgelöst wurden.

Fazit

Ein zu Unrecht unterschätztes Werk des Horrorpapstes, das zu Unrecht im Schatten renommierterer Kingscher Gruselliteratur wie "Friedhof der Kuscheltiere" und "Es" verschwindet. Der frühere King versteht es nach wie vor besser als der modernere King, Psychologie mit Horror, Identitätskrisen mit Symbolismen und Politik mit Klaustrophobie zu verquicken. Schaurig-schön, gespenstig, bizarr, elegisch, bösartig, trotz kleinerer Unzulänglichkeiten. Als Einschlaflektüre zum Verkriechen unter die Bettdecke mit Taschenlampe zwingend geeignet, für einen anstehenden Hotelurlaub weniger.

7,5/10

In aller Kürze: "Der Schrei der Eule" / "Le cri du hibou" [F 1987]

2011-01-25T20:17:00.004+01:00

Intensiv übergeschnapptes Ringen neurotischer Zwangshandlungen innerhalb eines Kammerspiels einer Dreiecksbeziehung um die Liebe, den Tod und Eifersucht. Chabrols theaterhafte Adaption Patricia Highsmiths gleichnamiger Romanvorlage schwimmt nach schönster Hitchcock-Motivvorlage im Fahrwasser klassisch gezimmerter Verfolgungsthriller, in denen sich ein unschuldig Gejagter mit überaus misstrauischen Beamten herumschlagen muss, um seine Unschuld beweisen zu können. Davor verlagert der Film sein Gewicht auf teils spannenden, teils gestelzten Herzschmerz, heimlichen Voyeurismus und sagenhaft depressiven Figuren ihres sagenhaft unglücklichen Lebens. Formal nicht uninteressant gefilmt, spiegeln sich die inszenatorischen Raffinessen diametral zu jenen hektischen Verwicklungen der Protagonisten eindrucksvoll in ruhigen Einstellungen, experimentellen Perspektiven und ausgemergelten Kulissen. Facettenreiche Darsteller (allen voran Christophe Malavoy und Virginie Thévenet) sind trotzdem nicht imstande, die extreme Künstlichkeit wie Unausgewogenheit des Plots zu kaschieren, speziell dann, wenn der dramatische Höhepunkt ein skurriles Blutbad zur unfreiwilligen Komik erklärt. Und die kriminalistische Verbrechensaufklärung zur schablonenhaften Ansammlung ausgenudelter Drehbuchfinten verkommt.

6/10

In aller Kürze: "Black Swan" [USA 2010]

2011-01-24T15:54:00.003+01:00

Nach mathematischen Panikattacken, LSD-Exzessen, Eso-Beerdigungen und dampfender Wrestling-Show der nun schon fünfte bemühte Aronofsky-Seelenstrip von der Mär sportlicher Selbstüberschätzung zwischen den Extremen der Kunst, die zwangsläufig zu Wahnvorstellungen führt, bis Realität und Fiktion auseinandergleiten. Nah an Cronenberg, nah an Polanski, und doch so fern von Cronenberg und Polanski. Eher eine laute Schmalspurversion angesichts dessen, was der "extravagante" Regisseur aus dem extravaganten Schwanensee-Pirouetten-Stoff destilliert. Er lässt die Portman theatralisch heulen und magern und wimmern und verzweifeln und kotzen, während die Kamera stur und hypnotisch auf ihr kleben bleibt. Portman spielt und tanzt um ihr Leben; das interpretiert sie trotz einiger Over-the-Top-Entgleisungen glaubhaft, zweifellos. Auch Cassel brilliert, die Choreographie der Balletteinlagen sowieso. Allerdings wütet im Hintergrund der ewige Handwerker mit dem ewigen Holzhammer, der seine von eindimensionalen Blindgängern überbevölkerten Handlung ebenso stereotyp wie geleckt über lauwarme Schocks physischen Körperkinos rumpeln lässt, die mit Hilfe von Spiegeln, feuchten Träumen und donnerndem Soundgetöse lange genug vorher angekündigt werden. Ein unsinnlicher denn leidenschaftlicher Film, der überhaupt nicht originell oder komplex oder etwa spannend ist, kein Film, der etwas für nuancierte Reflektion seines Sujets übrig hat, keine stimmigen Milieu-Einblicke gewährt und kein ähnliches Streben nach formaler Perfektion seines Machers erkennen lässt wie Nina Sayers. Passend hierzu Darren Aronofskys Intention grob zusammengefasst: Wer gut sein will, muss erst ordentlich masturbieren.

4/10

In aller Kürze: "Frozen River" [USA 2008]

2011-01-14T21:51:00.005+01:00

Auf Filmfestivals gefeiertes Indie-Debüt der Regisseurin Courtney Hunt, wo frostige Eislandschaften das symbolische Äquivalent zum unterkühlten Gemütszustand der Akteure beschwören. Hunt illustriert eine einfühlsame, musikalisch sehr effektiv begleitete Verlierer- und Armutsgeschichte im Land der unbegrenzten Tristesse, ohne mit übertriebenen Gesten in schmalzigen Gefühlsdusel abzudriften. Bei ihr reicht eine einzige Träne der stark spielenden Melissa Leo, um von monetären zu moralischen Schieflagen entfliehen zu wollen oder gar entfliehen zu müssen. Während ihr Sohn (Charlie McDermott) seiner Mutter stets ironisch den Spiegel vorhält. Die Schnitzer einer ersten Regiearbeit kann der Film allerdings nicht vollständig verschleiern, wenn Schnitt, Nachtszenen und Digicam mancherorts keine harmonische Linie finden wollen. Auch der überambitionierte Wille Hunts, zahlreiche heikle Themenbereiche miteinander zu verkitten (Spielsucht, Finanznot, Menschenschmuggel, kulturelle Unterschiede von Indianern und Weißen im Kinderaufziehen) scheitert am oberflächlichen Entlangkratzen denn Tiefergraben. Zu guter Letzt verrät sich der authentisch-ehrliche "Frozen River" sogar selbst, in dem ausgenudelte "Wir-lieben-uns-doch-alle"-Lösungen und leicht zu durchschauende Wendungen wie auf dem Silbertablett serviert werden.

5/10

In aller Kürze: "Little Buddha" [GB, F 1993]

2011-01-06T19:25:00.007+01:00

Majestätisch eingefangene Parabel über universelle Vergänglich- und Glückseligkeit, die zwischen ominös blaustichigen (also sehr bösen) und ominös gelbgetunkten (also sehr guten) Lebensvorstellungen überaus ungelenk hin- und herspringt. Eine zähflüssige Landschaftspostkarte buddhistischer Religion zahlreicher banaler 1-Satz-Glückskeksbotschaften, zuckersüßer Rührseligkeiten und planlos umherirrender Akteure, von denen Keanu Reeves in der Rolle des Siddharta Gautama stets grinsend, aber seltsam abwesend daherkommt, Chris Issak stereotyp charakterisiertes Anhängsel und Bridget Fonda weinerliche Zicke ist. Sie glaubt, er zweifelt, er glaubt doch - zusammen entstammen beide höchstwahrscheinlich der verstaubten Klischeekiste, auf dessen Deckel "ausgelutschtes Elternmodell" draufsteht. Auch sonst überzeugt Bertoluccis spirituelles Augenschmauskino höchstens als medikamentöse Einschlafhilfe. Außer wunderschöner Musik (Ryūichi Sakamoto) hantiert der italienische Regisseur mit grenzdebilen Special-Effects, nervigen Kids und bloßem Reanimieren einer allseits bekannten Gutenachtgeschichte für oberflächliche Hobbybuddhisten, wo weder Wahrheiten erwähnt noch Teetassen-Analogien fundiert erklärt werden. Dem wesentlich spannenderen Ethikhefter, Klasse sieben oder acht, sei der Vorzug gegönnt.

2/10

Gesehenes - Dezember '10

2011-01-03T20:45:00.003+01:00

"Die Sopranos" [Season 2, USA '00] - 8,5/10

"Die Bourne Identität" [USA, D, CZ '02 | Doug Liman] - 6,5/10

"Die Bourne Verschwörung" [USA, D, A '04 / Paul Greengrass] - 7,5/10

"Das Bourne Ultimatum" [USA '07 / Paul Greengrass] - 8,5/10

"Terminator" [USA, UK '84 | James Cameron] - 7,5/10

"Terminator 2 - Tag der Abrechnung" [USA, F '91; SE | James Cameron] - 10/10

"Terminator 3 - Rebellion der Maschinen" [USA, D, UK '04 | Jonathan Mostow] - 6/10

"Terminator: Die Erlösung" [USA '09 | McG] - 4/10

"Kevin - Allein zu Haus" [USA '90 | Chris Columbus] - 6,5/10

"Kevin - Allein in New York" [USA '92 | Chris Columbus] - 7,5/10

"Magnolia" [USA '99 | Paul Thomas Anderson] - 10/10

"There Will Be Blood" [USA '07 | Paul Thomas Anderson] - 10/10

"Die Verachtung" [F, I '63 | Jean-Luc Godard] - ohne Wertung

"Die Leningrad Cowboys treffen Moses" [FIN, D F '94 | Aki Kaurismäki] - ohne Wertung

"Mission to Mars" [USA '00 | Brian De Palma] - ohne Wertung

"The Black Dahlia" [D, USA '06 | Brian De Palma] - 5/10

"Match Point" [GB, USA, L '05 | Woody Allen] - 7/10

"Kick-Ass" [GB, USA '10; 2x gesehen | Matthew Vaughn] - 7,5/10

"Der Ghostwriter" [F, D, GB '10 | Roman Polanski] - 8,5/10

"Last Man Standing" [USA '96 | Walter Hill] - 5/10

"Babylon A.D." [USA, F '08 | Mathieu Kassowitz] - 4/10

"Get Smart" [USA '08 | Peter Segal] - 0/10

"Synecdoche, New York" [USA '08 | Charlie Kaufman] - 6/10

"Die Mumie: Das Grabmal des Drachenkaisers" [USA '08 | Rob Cohen] - 2/10

"Kampf der Titanen" [USA, GB '10 | Louis Letterier] - 3,5/10

"James Bond 007 - Der Hauch des Todes" [GB '87 | John Glen] - 5,5/10

"Last Man Standing" [USA 1996]

2010-12-15T20:25:00.008+01:00

Story

In dem Gott verlassenen Kaff Jericho nah an der mexikanischen Grenze gerät der geheimnisvolle John Smith zwischen die Fronten eines Bandenkriegs während der Prohibitionszeit. Es bekämpfen sich Iren und Italiener um die Vormachtstellung im Alkoholschmuggel. Smith hat nur eine Chance, wenn er beide Seiten gegeneinander auszuspielen versucht. Als sich die Leichen stapeln, wird das teuflische Spiel schnell zum unkalkulierbaren Risiko…

Kritik

Auffallendstes Merkmal des Plots: Neudefinition, Umstrukturierung. Sprich: Aus Katanas werden Pistolen, aus Clint Eastwood Bruce Willis, aus Pferden Autos, aus Schläger- Mafiabanden und von der Wüste geht's ab in die Prohibitionszeit. "Last Man Standing" ist die nun schon ungezählt weitere, durch den cineastischen Fleischwolf gedrehte Variation der bei seinen Vorbildern "Yojimbo – Der Leibwächter" (Akira Kurosawa) und "Für eine Handvoll Dollar" (Sergio Leone) verankerten "Einer gegen Alle"-Prämisse. Dieser Resteverwertung klassischer Motive war kein kommerzieller Erfolg beschieden. Heute gilt "Last Man Standing" als Geheimtipp, vor allem für all jene, die ihr erstes großes Date im Heimkino überaus bleihaltig gestalten möchten. Abseits davon vermag "Last Man Standing" allerdings keine narrativen Bäume auszureißen.

Dabei kokettiert der Film mit einem audiovisuellen Korsett, das als seine größte Stärke bezeichnet werden kann. Der erste Anflug eines kompromisslosen Neo-Westerns manifestiert sich in knochentrockenen Bildern einer gottverlassenen Geisterstadt am Arsch der Welt. Heruntergekommene Wellblechhütten an jeder Ecke, von Fliegen umschwirrte Tierkadaver, korruptions- wie staubverseuchte Verhältnisse. Latenter Pessimismus regiert die gesetzlosen Straßen, in denen es nur darum geht, wer als erster und wer als letzter abtritt. Lloyd Ahern fängt in verwaschenen Gelbfiltern die raue Atmosphäre des unheilverkündenden Szenarios ein. Ry Cooder begleitet mit grimmigen musikalischen Banjo-Klängen. Er ist kein Ennio Morricone, trotzdem proklamiert die zweifelsohne vorhandende Suggestivität des Scores die Frage, was da wohl in der Luft liegt, was in Kürze explodiert, hier, im Drecksloch namens Jericho.

Walter Hills Affinität für groteske Gewaltausbrüche, ebenso wie für ohrenbetäubende Schießduelle, bei denen die Kugeln donnernd vorbei rauschen oder laut ins Fleisch einschlagen, dürfen selbstverständlich nicht fehlen. Daraus bezieht "Last Man Standing" vordergründig seinen Reiz; er skizziert unheimlich physische Action alter Schule, die zugleich eine Art Verbeugung Hills vor dem Italowestern respektive vor Sam Peckinpah verkörpert, wenn die Getroffenen zeitlupenmäßig wild nach hinten geschleudert werden. Ungeachtet der finalen, virtuos komponierten Hotelschlacht sind die Momente ausladender Action gleichwohl eher rar gesät. Meist handelt es sich um kleinere Intermezzos, der Showdown fällt zudem vergleichsweise enttäuschend aus und die drei bösen Ekelpakete sterben durch drei Schüsse auf die dem Tenor des Films überhaupt nicht angemessene sanfte Weise. Somit bleibt der Einsatz blauer Bohnen tendenziell begrenzt, der Ruf von "Last Man Standing" als schießwütiger Daueractioner allenfalls partiell nachzuvollziehen.

Dass Hill trockene Off-Kommentare nach bester Noir-Manier zur Geschichtserzählung installiert, ist ein überraschend harmonisches Element, auch wenn sie des Öfteren aufgesetzt knallhart wirken. Als weniger harmonisch präsentiert sich hingegen John Smiths (Bruce Willis) eigentlicher Feldzug gegen zwei verfeindete Banden, die er übertrieben leicht auszuspielen letztendlich imstande ist, weil alle Beteiligten dämlich wie selten zuvor agieren. Das Drehbuch bündelt einerseits (Achtung, Überraschung!) stark gestikulierende Italiener, andererseits (Achtung, Überraschung!) stark narzisstische Iren – keiner davon vermag Smith ernsthaft zu gefährden, sodass ein ausgelutschter Kniff herhalten muss, um ihn in Bedrängnis zu bringen. Bar jedweder Überraschungen, Intellektualität des Vorbildes und ausgeklügelter Hochspannung rumpelt der Plot in den ruhigen Szenen vor sich hin, wühlt im Dramaturgiebaukasten des Genres und lässt vor allem Tempo vermissen. Vielversprechende zusätzliche Handlungsfäden werden abgerissen denn weitergesponnen.

So verläuft die behutsam auflodernde Liebesbeziehung mit der geheimnisvollen Blonden (Alexandra Powers; eine Prostituierte, vielleicht die Femme Fatale) nach zwei, drei Dialogzeilen und einer unfreiwillig komischen Sexszene (herrlich!) sprichwörtlich ins Leere. Auch verschenkt: Felina (Karina Lombard), die Geliebte des Gangsterbosses mit zwei, drei Close Ups, die auf Smith anscheinend derartigen Eindruck hinterlassen hat, dass er sie paradoxerweise um jeden Preis aus dem Wüstenkaff befreien muss. Schlussendlich machen sich Hill und sein japanisches Autorenteam darüber hinaus keine Freunde, wenn sie in ihre Handlung krampfhaft die Auswirkungen des Alkoholschmuggels und der generellen Prohibitionszeit implementieren, diese jedoch grausam oberflächlich abgefrühstückt werden, als sei die bloße Erwähnung Komplexität genug.

Reduziert sich also die Bruce-Willis-Show "Last Man Standing" schon von vornherein lediglich aufs Bruce-Willis-Posen? Anzunehmen. Die Quintessenz seiner Figur, des identitätslosen Fremden, versinnbildlicht am ehesten das Nachladen eines 45ers. Und das Spekulieren des Zuschauers auf die nächste Leiche auf der Abschussliste. Unter Zuhilfenahme des Macho-Standardprogrammes eines Bruce Willis in härteren Rollen – markigen Sprüchen, blutüberströmten (Unter-)Hemden – schauspielert der Actionheld vom Nakatomi Plaza auch hier seine Möglichkeiten aus. Hinzu kommen feste Prinzipienlosigkeiten, mangelnder Gerechtigkeitssinn, außer wenn er Frauen beschützen muss, lakonischer Sprachgebrauch, unaufhörliche Angstlosigkeit sowie das Talent, mit wenigen (flapsigen) Silben Bedrohung auf dem Gesicht seiner Erzfeinde evozieren zu können. John Smith ist einfach da, ohne Vergangenheit, ohne Seele. Schade, dass das Drehbuch nichts Näheres über ihn in Erfahrung bringt und dass Willis keine weiteren Facetten seiner vermeintlichen Eastwood-Hommage abgewinnen kann als das seit Jahrzehnten in Stein Gemeißelte.

Dem gegenüber steht eine auf den Punkt hin gecastete Nebendarstellerriege. Obwohl Christopher Walken gleichfalls gut in der Hauptrolle aufgehoben wäre, wird er in den wenigen Minuten, die er hat, von einer Aura des Mysteriösen umweht, des Mannes, von dem verschiedene Legenden kursieren und er zu alledem eine Gesichtsnarbe durch Aufschlitzen trägt, derentwegen Assoziationen zum Joker heraufbeschwört werden könnten. Smiths ultimativer Widersacher, der heimliche Chefgangster, der Fäden ziehende Geist mit einem malträtierten Gesicht irgendwo zwischen Wandschrank und Quetschkommode. Einmal mehr entpuppt sich Walker als geeigneter Mann für den Job des erbarmungslosen Anarcho-Schurken, der Willis trotz kurzer Screentime beinah die Show aus den Händen reißt (und schießt). Die überschaubaren, aber nichtsdestotrotz pointierten Wortgefechte von ihnen zählen alsbald zu den Highlights des Films: "Ich dachte, du wärst der beste Schütze." – "Nein, ich bin nur der Bestaussehendste…"

Zwischen den klar abgesteckten Fronten bewegt sich in der bekanntlichen Grauzone außerdem so manch interessanter Zusatzcharakter. Seien es Dorfsheriffs oder Gangsterbosse oder Mafiosi. Während der eine kraftlos der Korruption verfällt und mit Abschaum kooperiert (veritabel: Bruce Dern), der andere dem frustrierten Schreien erliegt (Over Acting par excellence: David Patrick Kelly, bekannt aus "Twin Peaks"), duldet der letzte keine Neuen in seiner Clique (Sopranos-Star Michael Imperioli). Nützt aber nichts: Es vergeht eine kurze Zeit, ehe auch diese zwar interessanten, aber letztlich umso austauschbareren Rohrkrepierer das Zeitliche im Zuge ihrer Funktion als Kanonenfutter segnen. Immerhin Ken Jenkins, dem sei ein erfrischender Kurzauftritt gegönnt. Und er überlebt – zur Abwechslung mal.

Fazit

Äußerlich ansprechend-ästhetisiertes, innerlich banal-muffiges Genrehandwerk, dessen ohne Haken schlagende Schnörkellosigkeit den sicheren Blick auf Substantielles vermissen lässt. Stattdessen hechelt man einer Actionszene nach der anderen hinterher, um das Dazwischen möglichst schmerzfrei übergegen zu können. Walter Hill ist imstande das in wunderbare Bilder mit exaltierten Arschlöchern einzukleiden, für Kurosawa und Leone fehlt dennoch ein Quantensprung.

5/10

TV-Tipps vom 06.12. bis zum 12.12.2010

2010-12-06T18:24:00.008+01:00

MONTAG, 06.12.2010

"Die Unbesiegten" [20:15 Uhr, Das 4.]

Von Genrespezialist Andrew V. McLaglen routiniert heruntergekurbelter, wenn auch unnötig patriotischer wie militärisch glorifizierender Western. In den Hauptrollen: John Wayne und Rock Hudson. Passt zum klassischen Westernmontag.

"Cyrano von Bergerac" [20:15 Uhr, Arte]

Samt jeglicher in Versform beibehaltener Dialoge eine überaus authentische Leinwandrekonstruktion des gleichnamigen Theaterstücks. Opulente Kostüme, scharfsinnige Wortgefechte, virtuos dargestellte innere Zerrissenheit des Protagonisten von Gérard Depardieu.

DIENSTAG, 07.12.2010

"Die Katze" [20:15 Uhr, Arte]

Deutscher 80er-Gangsterthriller, der mir durch seinen Regisseur prompt ins Auge sprang: Dominik Graf, dessen kürzlich ausgestrahlte, hochgelobte TV-Serie "Im Angesicht des Verbrechens" fatal flopte.

"100 Millionen BC" [20:15 Uhr, Tele 5]

Vertrashte Z-Raubkopie des Emmerich-Meilensteins.

MITTWOCH, 08.12.2010

Nur der Standardmüll.

DONNERSTAG, 08.12.2010

"In den Staub geschrieben" [00:35 Uhr, ZDF]

Stargespickte, naive Liebesgeschichte des "Chinatown"-Drehbuchautors. Gibt sich ob fehlender Tiefe jedoch reichlich bedeutungsschwanger.

FREITAG, 09.12.2010

"Red Sonja" [20:15 Uhr, Das 4.]

Schwerter rasselnde Komikstunde. Conan ist trotzdem cooler.

"Sudden Death" [22:15 Uhr, RTL II]

Handwerklich solider Van-Damme-Klopper nach altbewährtem "Stirb Langsam"-Prinzip auf Reißbrett. Geht auf seine Weise durchaus in Ordnung.

"Rise: Blood Hunter" [23:50 Uhr, Pro 7]

Sexy, blutig, gefährlich. Fertig ist der Vampirfilm des neuen Jahrtausends inklusive dick aufgetragener Coolness-Attitüde. Mittelprächtig bis nervig.

SAMSTAG, 10.12.2010

"Mrs. Miracle – Ein zauberhaftes Kindermädchen" [20:15 Uhr, VOX]

Noch nicht gesehener Weihnachtsheuler, in dem eine charmante alte Frau ein glückliches Dasein in einer Kleinstadt dank überaus bezaubernder Mitmenschen fristen kann. Klingt nach dem K.-Wort, aber okay.

"Jagd im Eis" [00:20 Uhr, ZDF]

Vor Intensität und Drehbuchfinten berstendes Spannungskorsett, dessen eisgraue Winterlandschaft häufig an Surrealismus denken lässt. Geheimtipp.

"Puppen unterm Dach" [00:45 Uhr, MDR]

Prisma konstatiert, es handle sich um ein "hervorragend besetztes und ausgezeichnet gespieltes "Southern Gothic"-Stück, in dem Komplexe, Neurosen und Inzest die schönsten und dramatischsten Blüten treiben."

SONNTAG, 11.12.2010

"P.S. Ich liebe dich" [20:15 Uhr, RTL]

P.S. Ich will dich nicht sehen.

"JCVD" [22:15 Uhr, Pro 7]

Van-Damme zum ersten Mal in der Rolle des Schauspielers. Ausgerechnet in einer mal augenzwinkernden, mal vielschichtigen Selbstdemontage, die seine Initialen trägt. Rundum gelungener Leinwandmonolog einer abgehalfterten Legende.

„The Walker“ [00:05 Uhr, ARD]

Das Paul-Schrader in "Taxi Driver" und "American Gigolo" etablierte und von Regiearbeit zu Regiearbeit nie groß variierende Porträt eines Einzelgängers in urbanen Großstadtkloaken gegen sich selbst. Lakonisch arrangierter Thriller. Spitzencast als Sahnehäubchen.

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Weitere TV-Tipps oder alles Ähnliche:

Gesehenes - November '10

2010-12-01T17:53:00.003+01:00

"Die Sopranos" [Season 1, USA '99] - 8/10

"Punisher: War Zone" [USA, D '08 / Lexi Alexander] - 6,5/10

"Die glorreichen Sieben" [USA '60 / John Sturges - 7/10

"End of Days - Nacht ohne Morgen" [USA '99 / Peter Hyams] - 2/10

"Beruf: Reporter" [USA, I, F, S '75 / Michelangelo Antonioni; 2x gesehen] - 5/10

"Zabriskie Point" [USA '70 / Michelangelo Antonioni] - 4/10

"Blow Up" [GB '66 / Michelangelo Antonioni] - 6/10

"Predators" [USA '10 / Nimród Antal] - 2/10

"Predator 2" [USA '90 / Stephen Hopkins] - 4/10

"Rambo" [USA '82 / Ted Kotcheff] - 7/10

"Rambo II - Der Auftrag" [USA '85 / George P. Cosmatos] - 3/10

"Rambo III" [USA '88 / Peter MacDonald] - 3/10

"John Rambo" [USA, D '08 / Sylvester Stallone] - 4/10

"Wer Gewalt sät" [USA '71 / Sam Peckinpah] - 7,5/10

"O' Horten" [N '07 / Bent Hamer] - 2/10

"39,90" [F '07 / Jan Kounen] - 5,5/10

"Wolke 9" [D '08 / Andreas Dresen] - 5/10

"Apocalypse Now Redux" [USA '79 / Francis Ford Coppola] - 8/10

"Blade" [USA '98 / Stephen Norrington] - 6/10

"Blade II" [USA, D '02 / Guillermo del Toro; 2x gesehen] - 7/10

"Eine Dame verschwindet" [GB '38 / Alfred Hitchcock] - 7/10

"16 Uhr 50 ab Paddington" [GB '61 / George Pollock] - 7/10

"Blade: Trinity" [USA '04 / David S. Goyer; Extended Version] - 1,5/10

In aller Kürze: "16 Uhr 50 ab Paddington" / "Murder She Said" [GB 1961]

2010-11-30T17:16:00.006+01:00

Mord im vorbeirasenden Zug. Erster Fall für die kleine, pummelige und burschikose Hobbyermittlerin Miss Marple, die ihre feine Nase durchgehend mit zeitgenössischer Krimilektüre pudert. Und mit der Margaret Rutherford untrennbar verbunden ist. Ihre Debütabtragung von Indizienschichten zur kompletten Verbrechensrekonstruktion versteht sich als klassisch arrangierter Whodunit-Krimi. Ehe der Täter entlarvt werden kann, entwickelt der Film ein dichtes, undurchdringliches Beziehungsnetz dysfunktionaler Familienstrukturen, in denen Koketterie und Gier unmittelbar aufeinander aufbauen. Beachtlich: "16 Uhr 50 ab Paddington" evoziert Hochspannung trotz böser Urklischees: der verwinkelte Landsitz, der schaurige Gärtner (als, selbstverständlich, erster Verdächtiger), die für Nervenkitzel sorgenden Stromausfälle, die hilflose Polizei, die zahlreichen Ermordungstaktiken, wohingegen das eigentliche Rätselratespiel öfters satirische wie englisch-humoristische Pfeile schießt. George Pollocks charmante Agatha-Christie-Adaption ist nicht nur wunderbar atmosphärisch und glänzt nicht nur angesichts verbaler Schlagabtausche par excellence, düsteren Licht-Schatten-Montagen, schwungvoller Musik (Theme: Ron Goodwin), schrulligen Persönlichkeiten, sondern gefällt hauptsächlich durch Liebenswürdigkeit, Sympathie und Intelligenz sowohl der Hauptfigur als auch des Plots. Jedem "Tatort" vorzuziehen.

7/10

TV-Tipps vom 29.11. bis zum 05.12.2010

2010-11-29T17:07:00.007+01:00

Annehmbare bis sehr gute bis interessante TV-Premieren-Filme wieder einmal aus klassischen Gründen in unkommentierter Form.

MONTAG, 29.11.2010

"Der Tod ritt dienstags" [20:15 Uhr, Das 4.]

"Pusher" [22:10 Uhr, Tele 5]

"Teens Traum" [00:20 Uhr, Arte]

"Predator" [00:25 Uhr, Sat. 1]

DIENSTAG, 30.11.2010

"Match Point" [20:15 Uhr, 3sat]

"Küss mich, bitte!" [20:15 Uhr, Arte]

"Mach's noch einmal, Sam" [23:25 Uhr, BR]

"Pusher 2" [01:00 Uhr, Tele 5]

MITTWOCH, 01.12.2010

"Berlin Calling" [21:45 Uhr, Arte]

"Sweet and Lowdown" [22:25 Uhr, 3sat]

"Jellyfish - Vom Meer getragen" [23:30 Uhr, Arte]

DONNERSTAG, 02.12.2010

"Lemon Tree" [20:15 Uhr, Arte]

"Die Verachtung" [22:25 Uhr, 3sat]

"Der Flug des roten Ballons" [23:55 Uhr, Arte]

FREITAG, 03.12.2010

"Die Falle" [20:15 Uhr, Arte]

SAMSTAG, 04.12.2010

"American Werewolf" [22:10 Uhr, Tele 5]

"Der englische Patient" [22:15 Uhr, ARD]

SONNTAG, 05.12.2010

"Die blonde Sünderin" [20:15 Uhr, Arte]

"Das Leben ist ein Wunder" [00:10 Uhr, Tele 5]

"Elf Uhr nacht" / "Die Außenseiterbande" / "Weekend" [ab 00:15 Uhr, 3sat]

"Außer Atem" [00:20 Uhr, RBB]

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Weitere TV-Tipps oder alles, was damit zusammenhängt:

Freitags: Künstliche Welten / Zeitverschwender
Samstags: Astronautenbar
Sonntags: Kino, TV & Co. / True Story! / Symparanekronemoi

In aller Kürze: "Predator 2" [USA 1990]

2010-11-22T17:23:00.012+01:00

Alles beim Alten: Ortsverlagerung vom glühend heißen Dschungel in den glühend schwülen Großstadtdschungel. Danach furiose Etablierung des Monsters in einer knackig-explosiven Straßenschlacht. So weit, so gut. Gleichwohl verdichtet sich der Verdacht bei anschließender Ermittlungsarbeit, dass Stephen Hopkins das allgemeine John McTiernan-Konzept doch nicht wirklich verstanden hat. Wo McTiernan seinen Predator unkontrolliert zuschlagen ließ, handelt es sich bei Hopkins aufwendigerem Sequel um leicht durchschaubares, leidlich faszinierendes und überaus uninspiriertes Massensterben, bei dem sich der Außerirdische mal um den Abschaum, mal um jenen Dreck auf den Straßen kümmert. Den Ansatz, dass in diesem versifften Los Angeles ein Funke bis zur Explosion bis zum Krieg genügt und da draußen wesentlich mehr feindselige Bestien umherlaufen, lässt der Film aufgrund seines angepeilten Dauerfeuers schnell fallen. Suboptimal wirkt darüber hinaus die Implementierung trashigen Voodoogewichses unter dem Fundament eines gewöhnlichen Cop-Thrillers und die stereotype schwarzweiß-Skizzierung ungezügelt rauchender Jamaikaner wie gemeingefährlich bewaffneter Kolumbianer. Außer handwerklich zwischen kreativ und unkreativ balancierenden Metzeleien (kreatives Beispiel: U-Bahn; unkreatives Beispiel: Showdown), farbenfrohem 80er/90er-Action-Cast (Gary Busey, Bill Paxton, Adam Baldwin), veritablem Danny Glover, der wohl auch hier zu alt für Scheißjobs zu sein scheint, rettet sich das Werk vor dem totalen Untergang insbesondere mit jenem Gag, der ein paar Jahre später cineastische Abgründe heraufbeschwören sollte. Hopkins neue Wege einschlagendes Konzept ist also aller Ehren wert, verliert jedoch ob seiner Plumpheit, aufgesetzten Comedy-Einlagen (speziell dann, wenn Mr. Predator coole, von Glover geklaute Einzeiler heraushaut) und ungelenken Kreaturen-"Weiterentwicklung" ein ganzes Stück Souveränität. Man fragt sich, ob der Kehrbesen dem alten Mütterchen gegen extraterrestrische Mächte geholfen hätte.

4/10

TV-Tipps vom 22.11. bis zum 28.11.2010

2010-11-22T17:23:00.003+01:00

MONTAG, 22.11.2010

"O'Horten" [20:15 Uhr, Arte]

20 Jahre Arte. 22. November – 05. Dezember: Arte FilmFestival. Deutsche, französische, internationale Spiel-, Fernseh- und Kurz- sowie Dokumentationsfilme, von denen ich nach grobem Überfliegen erstaunlicherweise recht wenig gesehen habe. Los geht’s mit "O'Horten" aus dem Hause Norwegen, der von einem kurz vor seiner Pensionierung stehendem Lokführer handelt, der sein Leben neu ordnen muss.

"39,90" [21:40 Uhr, Arte]

Verfilmung des werbekritischen und zynischen Bestsellers "Neuunddreißigneunzig" Frédéric Beigbeders. Wurde mir mehrfach ans Herz gelegt. Beides.

DIENSTAG, 23.11.2010

"Waltz with Bashir" [20:15 Uhr, Arte]

Ari Folman verarbeitet seine Erlebnisse im Libanonkrieg mit Hilfe einer animierten Zeichentrickversion in Spielfilmlänge. Stil ist per se nicht unbedingt mein Geschmack, aber die zahlreichen Vorschusslorbeeren lassen aufhorchen. Weitere Hintergrundinformationen.

"Christoph Kolumbus – Das Rätsel" [23:25 Uhr, Arte]

Unausgegorener, mit Klischees vollgestopfter komplett anderer Ansatz des Phänomens Christoph Kolumbus, der insgeheim die Geschichte eines Mannes erzählt, welcher jene portugiesische Identität des mystischen Entdeckers beweisen will, die er lange Zeit zu kennen glaubt. Schöne Bilder, holpriger Inhalt.

MITTWOCH, 24.11.2010

"Stilles Licht" [23:00 Uhr, Arte]

Verheirateter Mann verliebt sich in andere Frau. Aus Mexiko. Mit Laiendarstellern.

"2075 – Verbrannte Erde" [23:30 Uhr, ZDF]

Hysterische Doku-Schmonzette, singend von der ewig gleichen Mär drastischen Klimawandels anhand verschiedener Einzelschicksale. Unerträgliches Pathos-Gewichse.

"Charly" [00:15 Uhr, Arte]

Französische Außenseiterstudie des 14-jährigen Nicolas.

DONNERSTAG, 25.11.2010

"Wolke 9" [20:15 Uhr, Arte]

Deutsches Werk, das Liebe und Sex im Alter thematisiert. Feedback von Senioren.

"So finster die Nacht" [22:15 Uhr, WDR]

Das jedes Jahr erschreckend inflationär heraufbeschwörende Vampir-Sujet wird für ein melancholisch-zartes Coming-of-Age-Beziehungsdrama genutzt. Eine kleine Perle europäischen Genrekinos. Und so viel anders.

"Kapitän Ahab" [00:10 Uhr, Arte]

Auch hier soll sich eine eigenwillige Hommage des berühmtesten Kapitäns der Welt begutachten lassen.

"Endlos ist die Prärie" [01:05 Uhr, ARD]

Wunderbarer Western Eli Kazans mit Elementen des Ehemelodrams. Dazu Hepburn und Tracy. Wer will da nicht "nein" sagen.

FREITAG, 26.11.2010

"Der Sohn von Rambow" [20:15 Uhr, Arte]

Herzerfrischende, vergnügliche "Rambo"-Variation in Form kindlich-naiver, schwarzhumoriger Familienunterhaltung. Mit Nostalgiebonus.

SAMSTAG, 27.11.2010

"Die Weisheit der Krokodile" [22:15 Uhr, Tele 5]

Farbenfrohes Genre-Konglomerat, dessen Haupt- und Nebenlinien manchmal allzu oft im unkontrollierten Sande verlaufen. Jude Law als junger Vampir ist allerdings okay.

"Die Rache der glorreichen Sieben" [01:35 Uhr, ARD]

Dritter Nachfolger des Westernklassikers "Die glorreichen Sieben" ohne Yul Brynner. Ein schablonenhaftes Auf und Ab, wobei das Ab deutlich über dem Auf triumphiert.

"Der Todesritt der glorreichen Sieben" [03:20 Uhr, ARD]

Langsam reicht's mit den glorreichen Sieben...

SONNTAG, 28.11.2010

"Caramel" [20:15 Uhr, Arte]

"Kein Frauenfilm im üblichen Sinne, sondern eine wundervolle, erotische Ode an die Frauen des Libanon, an ihren Mut, ihren Pragmatismus, ihre Träume und all die kleinen Hindernisse, die diesen Träumen im Wege stehen."

"Verwünscht" [20:15 Uhr, Pro 7]

Glattgebügelte Melange aus Zeichentrick- und Realfilm, die Disneys "Aschenputtel" zu persiflieren versucht. Risikolose Inszenierung, der es ein bisschen an subversivem Witz fehlt.

"Invasion" [20:15 Uhr, RTL]

Hirschbiegels Sci-Fi-Action-Horror-Streifen. Eine handwerklich wie inhaltlich mittelmäßige, in ihrer Struktur zerfahrene, unkonzentrierte Genrearbeit, in der die angepeilten tieferen Bedeutungsebenen rasch in Konventionalität enden.

"Der Wolf hetzt die Meute" [00:00 Uhr, NDR]

Schwacher Eastwood mit gefährlich starkem Hang zur Stereotypie. Der gesuchte Serienkiller bleibt im Grunde genauso blass wie Eastwood selbst.

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Weitere TV-Tipps oder alles, was damit zusammenhängt:

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In aller Kürze: "Predators" [USA 2010]

2010-11-17T12:51:00.008+01:00

Die mittlerweile allseits beliebte, kommerzialisierte und niedere Unterhaltungsansprüche bedienende Filmikonen-Vergewaltigung, symptomatisch für das ebenso mittlerweile inflationäre Mehr, Mehr, Mehr eines subtilen wie spannenden Genreklassikers, das deshalb noch lange nicht zum besser, besser, besser führen muss. Frage: Was will die dritte Bändigung des außerirdischen Jägers überhaupt sein? Ein Remake laut Bezug zum ersten "Predator" offensichtlich nicht. Für ein Sequel ist "Predators" zu bemüht im frechen Nachstellen einschlägiger "Alien"- und "Predator"-Zitate. Für etwas vollkommen Neues hingegen zu konsequent immer gleiche Genre-Rezepte auszukochen. Tatsächlich ist Nimród Antals "Predators" nicht jugendfreies, von Schlamm, Matsch, Dreck bedecktes B-Krawallkino – laut, hektisch, hirnlos. Irgendwo zwischen "Lost" und "Apocalypse Now". Vor allem aber ein Film verschenkter Möglichkeiten, völlig verschenkter Leinwandstars (Danny Trejo, Laurence Fishburne), gnadenlos verschenkter Drehbuchkniffe, um die Sci-Fi-Horror-Saga um einige neue Nuancen zu erweitern, anstatt altbekannte Predator-Eigenschaften und ihrer damit verbundenen Trophäenjagt aufzuwärmen. So suhlt sich der Film eigentlich über die ganze Zeit hinweg in fürchterlich geschnittener Action, dumm-dreisten Dialogen, ernst gemeinten Jäger-Gejagten-Metaphern, unfreiwillig blöden Twists und beachtlichen Logikkratern, spult sein stilloses Programm ab, ohne jemals den Versuch zu wagen, ein ernsthaftes Bedrohungsszenario samt zum Überlebenden zwingend geeigneter Gruppendynamik aufzubauen. Und wer kam überhaupt auf die glänzende Idee, Milchbubi und Pianist Adrien Brody ins Schwarzenegger-Kostüm zu stecken? Autsch.

2/10

TV-Tipps vom 15.11. bis zum 21.11.2010

2010-11-15T17:17:00.005+01:00

MONTAG, 15.11.2010

"Die Säulen der Erde" [20:15 Uhr, Sat. 1]

Vierteilige Verfilmung des historischen Schlüsselwerks von Ken Follett, die bereits vielfach beworben wird. Bin angesichts der Tatsache skeptisch, dass man auf den risikofreien Wohlfühlsender Sat. 1 aufgesprungen ist.

"Butch und Sundance – Die frühen Jahre" [20:15 Uhr, Das 4.]

Bedingt sympathischer Paul-Newman-Robert-Redford-Aufguss, in dem nun William Katt und Tom Berenger ins Banditenleben starten. Steht zu Recht im Schatten des großen Vorbilds.

"Helden der Nacht – We Own the Night" [22:15 Uhr, ZDF]

ZDF-Montagskino. Diesmal gibt's Retro-Milieu-Bruder-Cop-Drama mit Mark Wahlberg, Joaquin Phoenix, Robert Duvall und Eva Mendes. Hört sich ziemlich austauschbar sowie nach schlechtem Scorsese-Gedöns an, bin wohl aber dabei. Interessehalber.

DIENSTAG, 16.11.2010

"Der Herr der Karawane" [20:15 Uhr, Das 4.]

Opulente Naturlandschaften und ambitionierte Kostüme vermögen in diesem auf Epos getrimmten Schinken nicht die dröge Inszenierung zu kompensieren. Hat mittlerweile reichlich Staub angesetzt.

"Verrückt nach Mary" [20:15 Uhr, VOX]

Screwball-Comedy von den Farrelly-Brüdern. Oszilliert zwischen zynischem und geschmacklosem Witz. Geht insgesamt jedoch durchaus in Ordnung, wenn man bedenkt, dass Ben Stiller mit herumhampelt.

"Kongo" [22:25 Uhr, 3sat]

"Superrealistischer deutscher Militäreinsatz im Ausland als TV-Krimi." Ich ahne Schlimmes.

MITTWOCH, 17.11.2010

"Nur die Sonne war Zeuge" [00:35 Uhr, ARD]

Anlässlich des 75. Geburtstages von Alain Delon nahmen es sich die Sender in letzter Zeit nicht, uralte filmische Delon-Leichen aus längst vergessenen Friedhöfen wiederaufzubereiten. Erwähnte ich vorige Woche den Antonioni-Klassiker "Liebe 1962", so empfehle ich an dieser Stelle die Patricia Highsmith-Verfilmung "Nur die Sonne war Zeuge". Hochgradig psychologisch ausgefeilter wie zart-ironisch-französischer Krimi, Vorbild für das später entstandene und ebenso tolle Remake "Der talentierte Mr. Ripley".

DONNERSTAG, 18.11.2010

"Das Vermächtnis der Tempelritter" [20:15 Uhr, Sat. 1]

"Indiana Jones" für Arme.

"Ausnahmezustand" [22:10 Uhr, VOX]

Bisweilen übertrieben patriotischer Katastrophenfilm, dessen Prämisse von Terroranschlägen gefährlicher Fundamentalisten allerdings bemerkenswert dahingehend ist, weil sie zur damaligen Zeit als Fiktion abgestempelt wurde, heute allerdings umso bekannter anmutet.

"Glen oder Glenda" [01:00 Uhr, Arte]

Ed Woods ebenfalls zum Kultfilm avancierter, billig produzierter und billig zusammenmontierter Geschlechtsumwandlungsquatsch mit Pelz und Transvestiten. Hier gilt prinzipiell das Gleiche, was ich bereits drei Wochen vorher zu "Plan 9 from Outer Space" geschrieben habe. Denn Woods trashiges Toleranzplädoyer ist ungemein sympathisch.

FREITAG, 19.11.2010

"Original Sin" [20:15 Uhr, Das 4.]

Man sieht die Handlung vor lauter Stöhnen und Schlafzimmerphantasien nicht mehr. Gekürzt.

"Was das Herz begehrt" [20:15 Uhr, Sat. 1]

Beziehungsdrama mit Irrungen und Wirrungen, verlorener Liebe, Vergänglichkeit, Sex in älteren Jahren und so weiter und so fort. Beide Hauptdarsteller (Jack Nicholson, Diane Keaton) liefern sich flotte Dialoge und zeigen Herz. Allemal netter als sonstige zugekleisterte Dutzendware.

"Blade II" [22:25 Uhr, RTL II]

Bester Teil, der wenigstens den Ansatz einer kleinen, optischen Vision seines Regisseurs trägt. Warum wohl? Gekürzt.

"Hängt ihn höher" [23:15 Uhr, WDR]

Vollständig auf Eastwoods zynische Person zugeschnittener Western. Problem dabei: Genrezugeständnisse en masse, anstatt der Todesstrafenthematik im Rahmen eines desolaten Justizsystems per se ein paar Drehbuchzeilen zu widmen.

SAMSTAG, 20.11.2010

"Dumm und Dümmer" [20:15 Uhr, Kabel]

Die Komödie schlechthin. Kompletter Schwachfug, selten so unterhaltsam.

"Der Exorzist" [22:30 Uhr, RTL II]

Nach wie vor unheimlich erschreckender, unheimlich spannender Thrill, auch wenn die meisten Schockmomente heute eher dem Lachen besonders blutgeiler Gorehounds vorbehalten sind und die vom Film ausgehende Wirkung zur Entstehungszeit freilich andere Töne anschlug.

SONNTAG, 21.11.2010

"Patient mit Dachschaden" [20:15 Uhr, Das 4.]

Außer "King of Comedy" habe ich noch keinen weiteren Film mit Jerry Lewis gesehen. "Patient mit Dachschaden“ ist das Remake der Carole Lombard-Komödie "Denen ist nichts heilig" von '37.

"Colt Prey I+II" [ab 23:05 Uhr, Pro 7]

Skandinavischer respektive norwegischer Horror, der sich in altbekannten Konzepten suhlt, obwohl atmosphärisch nicht mal schlecht.

"Die Grausamen" [01:45 Uhr, Tele 5]

Gehört nicht zu den Spitzenwerken Corbuccis, weil es ihm an Tiefe und Dynamik in den einzelnen Episoden fehlt. Trotzdem besseres mittelmäßiges Genrehandwerk.

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Freitags: Künstliche Welten / Zeitverschwender
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In aller Kürze: "End of Days - Nacht ohne Morgen" [USA 1999]

2010-11-11T17:41:00.006+01:00

Teuflisch langweiliger Endzeit-Schlock als ultrabrutale Horror-Paranoia vor dem neuen Jahrtausend, unübersehbar schwimmend auf der Mystery-Welle der 90er Jahre. Es kämpft Gut gegen Böse, Jericho gegen Satan, ein reichlich zerknautschter Arnie gegen einen reichlich sarkastischen Gabriel Byrne, der zahlreiche denkwürdige Quotes für sich entscheidet, selbst wenn dabei John Milton nicht weit entfernt zu sein scheint. Ideenlos in der Auswahl seiner dramaturgischen Mittel zur Erzeugung mystischer Atmosphäre – immer gleiche Kamerafahrten durch nächtliche Häuserschluchten, Ethno-Geträller, ganz viel Feuer und durchbohrte Leichen -, passt die Intelligenz des Films vermutlich auf ein Kruzifix. Erwartungsgemäß keine doppelbödige Reflexion über verlorengegangenen Glauben, sondern konsequent darin, ein interessantes Teufels-Sujet für allerlei redundante Over-the-Top-Actionszenen zu missbrauchen. Bar jedweder Ironie, Logik und Subtilität, stattdessen mit viel religiöser Erlöser-Propaganda sowie aufgesetzter Endlos-Symbolik steuert "End of Days – Nacht ohne Morgen" schließlich auf ein selten dämliches Ende zu, wenn Peter Hyams Luzifer höchstpersönlich per CGI (für Arme) von der Leine lässt. Und Arnie plötzlich doch anfängt zu beten! Um Gottes Willen.

2/10

In aller Kürze: "Punisher: War Zone" [USA, D 2008]

2010-11-08T19:12:00.001+01:00

Dritter (gefloppter) Feldzug des aus dem Marvel-Universum entstiegenen Punisher. Nach Dolp Lundgren und Thomas Jane lässt die deutsche Regisseurin Lexi Alexander diesmal Ray Stevenson ins Kostüm des desillusionierten Antihelden schlüpfen und zementiert ihren Ruf als hartgesottenes Superweib Hollywoods. Ihr grobschlächtiger Genrefilm erweist sich als ein Geschenk an die Fanboys und Gorehounds dieser Welt. Bei "Punisher: War Zone" ist der Titel Quintessenz. Alexander inszeniert ein launiges Schlachtfest samt unaufhörlich umherfliegender Körperteile, orgiastisch spritzendem rotem Lebenssaft aus teils preisgünstigen grafischen Computerprogrammen (die Qualität zwischen cool und verpixelt schwankt) sowie selbstironischen Anarcho-Schurken in einer Welt, wo das Recht erst erfunden werden muss und sich Cops mit selbsternannten Kämpfern für eine gute Sache arrangieren, wenn in Kooperation sadistische Gangster gleich mit 'ner Blutfontäne ins Jenseits denn auf die Anklagebank geführt werden. Das Sequel des Remakes präsentiert sich hierbei als derart überdreht, dass sein an jeder Ecke exzessiv vorhandener Comic-Charakter von vornherein jegliche reaktionären und ideologischen Tendenzen des Plots negiert. Ein unterhaltsames, ohne Zynismus und noch dazu verdammt rasantes "Hirn-aus-Pistole-raus-Kugel-rein"- Massaker, bei dem die pathetischen Grenzüberschreitungen bis auf die Kirchenszene angenehm reduziert und der Film lieber von bösem Humor böser Gestalten lebt. Apropos böse Gestalten: Während Doug Hutchison zu offensichtlich Hannibal Lecter imitiert und folglich gern mal zubeißt, wenn er nicht gerade in einem Anflug von hemmungslosem Over Acting mit dem Zerschlagen böser Spiegel und anatomischem Fachwissen beschäftigt ist, imitiert Dominic West nach einem stark nach "Batman"-Reminiszenz riechenden Flaschenbad zu sehr psychotischen Joker mit dem Pizzagesicht Freddy Kruegers und rekrutiert nebenbei ganze Armeen vor amerikanischer Flagge (sic!). Das nächste Mal wäre weniger Abgucken eine Option. Trotzdem: Spaß macht's.

6,5/10

TV-Tipps vom 08.11. bis zum 14.11.2010

2010-11-07T23:51:00.009+01:00

Diesmal gibt's aus Zeitgründen (und chronischer Faulheit) lediglich die Highlights der Woche in unkommentierter Form.

MONTAG, 08.11.2010

"Gladiator" [20:15 Uhr, Kabel]

"Die fünf Vogelfreien" [20:15 Uhr, Das 4.]

DIENSTAG, 09.11.2010

Fehlanzeige.

MITTWOCH, 10.11.2010

"Thirteen Days" [20:15 Uhr, Kabel]

"Barfuß im Park" [22:45 Uhr, RBB]

"Deutschland 09" [22:45 Uhr, Arte]

"Tigerland" [23:05 Uhr, Kabel]

"Liebe 1962" [00:35 Uhr, ARD]

DONNERSTAG, 11.11.2010

"The Buena Vista Social Club" [21:55 Uhr, Arte]

"Die Rache des Würgers" [00:30 Uhr, Arte]

FREITAG, 12.11.2010

"Der Ritter aus dem All" [05:50 Uhr, VOX]

SAMSTAG, 13.11.2010

"Headhunter" [23:15 Uhr, NDR]

"Die fabelhaften Baker Boys" [23:25 Uhr, BR]

SONNTAG, 14.11.2010

"Über den Dächern von Nizza" [14:10 Uhr, ARD

"Ein Herz und eine Krone" [14:35 Uhr, ZDF]

"Die Liebenden von Pont-Neuf" [20:15 Uhr, Arte]

"Malice - Eine Intrige" [23:55 Uhr, SWR]

"Into the Wild" [00:05 Uhr, ARD]

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Samstags: Astronautenbar
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Gesehenes - Oktober '10

2010-11-01T17:47:00.003+01:00

"Liebesgrüße aus Moskau" [USA, GB '63 / Terence Young] - 7,5/10

"Goldfinger" [USA, GB '64 / Guy Hamilton] - 7/10

"Feuerball" [USA, GB '65 / Terence Young] - 5/10

"Der Spion, der mich liebte" [GB '77 / Lewis Gilbert] - 8/10

"Moonraker - Streng geheim" [GB '79 / Lewis Gilbert] - 6/10

"In tödlicher Mission" [GB '81 / John Glen] - 7/10

"Goldeneye" [GB, USA '95 / Martin Campbell] - 7/10

"Der Morgen stirbt nie" [GB, USA '97 / Roger Spottiswoode] - 7/10

"Stirb an einem anderen Tag" [GB, USA '02 / Lee Tamahori] - 3,5/10

"Casino Royal" [GB, CZ, D, USA '06 / Martin Campbell] - 8,5/10

"Die Ermordung von Jesse James..." [USA '07 / Andrew Dominik] - 7/10

"Braveheart" [USA '95 / Mel Gibson] - 7/10

"Breaking the Waves" [DK, S, F, NL, N, IS '96 / Lars von Trier] - 7,5/10

"Bringing Out the Dead - Nächte der Erinnerung" [USA '99 / Martin Scorsese] - 6,5/10

"Superman Returns" [USA, AUS '06 / Bryan Singer] - 4/10

"HASS" [F '95 / Matthieu Kassowitz] - 6/10

"Predator" [USA '87 / John McTiernan] - 7/10

"Das Streben nach Glück" [USA '06 / Gabriele Muccino] - 5/10

"Unbreakable - Unzerbrechlich" [USA '00 / M. Night Shyamalan] - 7/10

"The Village - Das Dorf" [USA '04 / M. Night Shyamalan] - 4/10

"Iron Man" [USA '08 / Jon Favreau] - halbe Stunde gesehen, da Einschlaftablette